箱根生态环境丰富且四季风貌各异，在这里有着日本第一座野外生态美术馆，经过50年与环境结合浑然一体，形成了一个宏大自然生态世界。
项目背景
日本箱根是日本第一温泉之乡，旅游服务业高度发达，依托其温泉、室外景观、自然风光和富士山景等旅游资源，吸引着大量国内外游客慕名前往，年接待游客量达到2000万。
雕刻之森则是在箱根优美的环境中建立的一座户外艺术公园，于1969年建成开放，是日本的首座户外美术博物馆。在70000平方米的公园中布置艺术作品让其融入环境，也让游客体验站在作品与大自然组成的森林当中的气氛，公园内收藏有各地雕塑大师的作品多达400件以上，包括雕塑名家阿尔伯托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）、米罗（Joan Miró）、亨利·摩尔（Henry Moore）等名家的艺术作品。此外，园内还建有毕加索（Pablo Ruiz Picasso）馆，专门收藏其创作的陶器、雕刻与一部分的绘画作品。由于雕刻之森的展览方式和经营理念都广受大众欢迎，日本随后又有不少地方推出了这样的户外美术馆，如上野之森美术馆、美原高原美术馆等。
项目位置
项目位于日本神奈川县足柄下郡箱根町，在富士山西南角55公里处，箱根温泉旅游小镇范围内。箱根属于温带季风气候，雨热同期，气候适宜。地形复杂，是由箱根火山变化而成，整个城镇为山地地貌，在地理上与相邻的城市被山脉分开。森林面积约为46.6％，加河湖等共占总面积的92.0％，区域内拥有丰富河流，湖泊，草原和山脉。
项目时间
项目全年开放，开放时间为9:00至17:00，项目门票分为一般门票与学生门票，具体价格为：一般门票1600日元/次，学生门票1200日元/次（大学生和高中生）或800日元/次（初中生和小学生），另外还有团体票（详见下表）。
由于地理位置的原因，箱根町夏季较短且在一年中，气温通常在-2°C到25°C之间变化，极少低于-5°C或高于28°C。而根据当地旅游部门统计，最佳游览时期偏向晴朗、不下雨的日子，感知温度在18°C和27°C之间。 因此，开展一般户外旅游活动的最佳时间是从七月下旬至九月中旬，其中得分最高的是八月第二周。
项目交通
项目所处于的箱根温泉小镇为著名的旅游胜地，虽然周边没有机场，但却有着十分便捷的公交系统及公路交通，去往项目位置的交通方式包含：
1、自驾
前往项目地点的公路交通十分发达，全程以高速公路连接主要交通枢纽。从东京新宿区自驾前往箱根的雕刻之森美术馆的路线为约90公里，自驾行程约1小时20分钟。而从东京的两大机场自驾前往则分别为：羽田机场自驾路线为约100公里，行程约1小时30分钟；成田机场自驾路线为165公里，行程约2小时15分钟。
2、电车交通
搭乘小田急浪漫特快车是前往箱根最便捷的方式，从新宿可以直达「箱根汤本站」，而且只要80分钟，是全车对号座位的特快列车。乘客可从车窗眺望面临太平洋的片濑江之岛、乡村田园及苍郁山林等日本精彩美景，天候好的时候还能看见雄伟的富士山。若希望享受一趟顶级之旅，建议预约头尾车厢的眺望席（仅限70000型或50000型车辆），将窗外飞掠而过的动态美景尽收眼底。若从新宿出发，票价是普通票价1110 ＋特快车票票价1220=2330日元，如果持有新宿出发的箱根周游券，就只要支付特快车票票价1220日元即可。小田急浪漫特快车空间宽敞，还可以在车厢购买餐盒便当和饮料，车内也提供洗手间与免费WIFI。
而在箱根汤本站之后，可转乘箱根登山电车到达项目地点雕刻之森美术馆，票价410日元单程，另可选择电车无限次1日通票为1400日元（儿童票700日元），车程35分钟。
3、公共巴士及出租车
除去在箱根区域的各处都有出租车可以搭乘前往之外，温泉小镇内也有很多公交线路的巴士可搭乘前往项目地点，并特别设有一站直达入口。游客从雕刻之森巴士站下车后，眼前就是其入口区域。
项目体验
与大部分在箱根温泉小镇内的热闹旅游项目不同，雕刻之森美术馆建立在一块单独的庭园中，周边十分安静，没有其他商业项目干扰。其户外展示区域也并不是平面分布而已，而是随着地势变换而有上下坡的高差，期间还穿插室内外空间设计的连接，十分有趣味。户外庭园中放置着120多件19世纪至20世纪的艺术品常设展览，与自然环境形成一体，与此同时还有包括毕加索馆的5个室内展馆可体验。雕刻之森项目整个体验过程大概90分钟，项目具体分布图如下：
我们搭乘登山电车到达雕刻之森站后，有标识牌指向入口方向和表明距离（步行100米），在到达入口区域时也有标识引导。入口区相对宽敞，而且功能区域分布明确，自左到右分别是自助存储柜区-售票区-入口检票区-问询处-入口区停车场。经过检票区之后并不是直接进入园区，而是乘坐下沉扶梯下行。
下到扶梯的底端后，是一个通往室外的隧道，有一种先抑后扬的空间感，也让人感觉一下子豁然开朗起来。而穿过隧道后到达的就是整个户外庭园的疏散空间：圆形广场，而这里也是入口与出口的交汇点。
圆形广场是整个雕刻之森入口与出口的汇聚广场，在空间经由稍觉闭塞的隧道出来，空间突然豁然开朗之后，周围群山和树木的环绕也让人觉得像个世外桃源。在此的几个艺术作品也是这里的常设项目，除了知名度较高外，也像是常年迎接游客到来的迎宾主人一样守候在这里。
圆形广场上对游客用地图立牌来进行指引，而因为户外展览作品有些会更换，所以地图也会同步更新。
埃米尔·安托万·布德尔（Émile Antoine Bourdelle ，法国，1861–1929)的作品《拉弓者海克力士》, 创作于1909年，青铜雕塑，尺寸为248×240×90cm。作品表现的是希腊神话中的英雄赫拉克勒斯正要射击怪鸟的瞬间。布德尔于1893年进入罗丹的工作室，在之后的约15年间，一直是罗丹的助手。他敬爱罗丹，但后来他渐渐脱离罗丹的浪漫主义与写实风格，开始追求创作具有建筑物的那种坚固的“作为新现实的雕塑”。布德尔从神话中寻求作品的主题，在造型上，他试图将希腊雕塑与罗马雕塑两者的风格融合于自己的作品中。
来自日本艺术家土田隆生创作的《风韵 Sound of Wind》和《眩惊ーⅤ Surprise with the Glare》伫立在圆形广场的中心，分别创作于1988年和1990年，除了相映成趣之外，人们围绕圆形广场走动的时候也可以更好的看到这个作品不同角度看到的雕塑中对于人物表情的刻画，结合环境的布置让人印象很深（有标识牌提示不能进入作品底座的草坪）。
卡尔・米勒斯（Carl Milles，瑞典，1875-1955）的作品《飞人与帕伽索斯》, 创作于1949年，白青铜材质，尺寸为250×336×140cm。作品呈现的是希腊神话中的英雄珀勒洛丰骑上飞马去降伏怪物奇美拉的场面。在高高矗立的底座上，人与飞马极力地伸展身体，试图飞得更高。米勒斯的雕塑中混合着各种美术风格，含有古希腊时期以及哥特式或巴洛克的艺术要素。想象力丰富的构图和自由奔放的动作，是米勒斯的擅长之处，其作品是在以天空为背景的野外空间的一道壮景。不得不说，只有在户外非常开阔的环境与阳光下，才能体现这个作品飞在云端的视觉意向，而从下而上的视觉角度，会让人与飞马看起来真的像脱离了地心引力。而这里也是整个雕刻之森的视觉最高点。
在圆形广场 向左转，会来到一片蓝色的水池，水中有一个巨大的石头雕像。这是 Francois -Xavier和Claude Lalanne的《叹息天使 La Pleureuse 》。它是在 1986 年用一块巨大的意大利特拉尼石雕刻而成的。La Pleureuse 意为“哀悼者”。她躺在水里，亮绿色的叶子从她的头发上长出。靠近雕像，可以看到一滴泪珠从她的脸颊落入下面的水域。这是一个和室内雕塑作品对比下非常鲜明的例子，因为自然光影感觉是在她脸上慢慢变化的，水池里的她显得很迷人，她不变的绿色头发与她身后盛开的各种季节下的常变换的花束相映成趣。
从圆形广场的背面往下走，是一片草坪，这里是在2021年新开辟的一片区域，叫做“口袋”区。这个空间，就像一个由地形的高低差创造的秘密基地。在这里，是雕刻之森里色彩最丰富的作品区域，儿童和大人可以共同享受一边体验一边欣赏的乐趣。此外，草坪上散落着色彩缤纷的沙发，这是该区域的特色，为游客提供放松的时光。这一切可以比喻成是在被艺术包裹的一个斜坡式地形口袋里，让人欣赏蓝天和山谷的美景，而这个口袋也可以理解成是每一个人在这里享受放松时，为自己创造的小小“口袋”。这里是最受欢迎的区域之一，有着非常令人惊讶的高差设计和色彩环境氛围营造。
《八面体 Octetra》是日本雕塑艺术家野口勇（ Isamu Noguchi，1904-1988）于 1968 年创作的混凝土雕塑。野口勇试图将艺术带入儿童的日常生活，他乐于创造激发儿童灵感的雕塑，激发他们创造性想象力，所以这个装置作品也是互动性的环境雕塑，或者说它是儿童的大型玩具。
日本艺术家松原成夫创作的《宇宙色彩空间》是另一件受孩子们欢迎的色彩装置作品，作者曾说：“通过平行排列的物体，空间与外部自然相连并融合在一起，创造出一个有序的外层空间。” 在这幅作品中，相同大小的正方形排成一排，并用彩虹色进行着色。12 种颜色的变化创造了一种节奏和和谐，创造了一个颜色的宇宙。这个作品是开放的，孩子喜欢在其中穿过和来回奔跑，同时它也是动态的，奔跑中的孩子眼里它呈现了一种生动的色彩乐趣，这不仅让大家变得兴奋起来，也使得雕刻之森庭园内有了欢笑声。
穿过“口袋”区域，继续沿台阶向上是回到圆形广场，而选择向下的台阶则是将人们引导到一片非常幽静的池塘角落，这里也因为有像雨林一样的树荫而显得十分凉爽。
从台阶上往下看池塘，有两个涂着日本典型朱红色的雕塑漂浮在水中。这是玛塔・潘（Marta Pan，匈牙利，法国，1923–2008）从1960年代开始创作《漂浮雕塑》的系列作品之一，据说作者在创作这件作品时是受到了舞者及其平衡动作的启发。而在树荫下的池塘里，它看上去仿佛是池塘里的鲤鱼在享受与大自然的对话。同时，池塘里的鲤鱼群也在围绕着它游荡。
走到下边的池塘旁边的一角，是设置了休息座椅，和日本艺术家新谷琇紀的女性雕塑像《ALBA》。在开放户外的环境中，有一个这种隐蔽的角落可以让游客稍作放松又能有一些独处的空间，这让人觉得很舒服。
穿过吊桥，来到台阶上的草坪区域，能看到头上悬挂的是日本雕塑家Bukichi Inoue井上武吉的作品《my sky hole》，一个巨大的不锈钢反射球体，由四根细杆悬吊着，反射着天空与环境，也可以看到靠近它的游客本身。
沿着坡继续向上走，会到达一个比较重要的大型互动装置区域，这里布置了几个较为大型的互动型展览作品，同时这里的场地也较为开阔，期间还放置着若干个小型观赏性雕塑群组。
在这里隆起了一个巨大的物体，但它不是山丘，而是一摞精心堆砌的木头。这件作品是由Tezuka Architects设计和建造的《木网 Woods of Net》。这是雕刻之森中唯一由建筑设计师团队而不是艺术家创作的大型作品。该结构仅由长木条构筑制成，不使用任何金属材料！该结构使用了 320 立方米的木材，同时使用了 500 多种不同的木材。内部构造的接缝技术源自于日本木造寺庙设计。当你走进内部中的时候，新鲜切割的木材的气味仍然弥漫在空气中。
该展馆是专门为收藏加拿大的日本艺术家堀内紀子的作品而创建的。一走进敞开的大门，人们就能看到色彩鲜艳的奇观：《织网游乐场》。作者喜欢在她的作品中融入大自然的柔软起伏和卷曲的形式，而不是只有直线和僵硬的几何形状。
这件作品本身使用了超过 650 公斤的编织尼龙，用了三个月的时间进行染色，并花了一年多的时间将纺织品钩编成网。网是象征子宫的摇篮。网在空中摇晃和漂浮，就像婴儿在出生前被母亲抱在体内一样。因为是互动装置，所以允许特定体重和年龄以下的儿童在网内嬉戏。网能捕捉到孩子最轻微的动作，并像海浪一样给予反馈。孩子们在里面玩的越欢快，海浪般的反馈就越多，同时将孩子们连接在这些起伏的互动中。大人们也在这种氛围中被感染，也许未来作者能提供一个给大人游玩的互动装置网，因为偶尔的童心能让人忘忧。
在门口还伫立着西班牙著名超现实主义雕塑家Joan Miró的作品《Personnage》，非常可爱的圆锥形雕塑，作者对于它想表达的是用诗意探索的艺术概念。对于我们的感受来说，更像是孩子们用颜色与形状组成的诗。
再来遇到的是户外互动作品《星星花园》,它看起来是一座景观花圃，但是靠近后才发现是一座迷宫，整体呈现一种放射状的星星图案，而游客可以在其中探索和游览。在迷宫四周还分布着日本雕塑家柳原义达的数个系列雕塑作品，其作品围绕着“对自然和生命本质的人文探究精神”展开，这与雕刻之森的主题非常契合，也在这里成功的吸引了游客的注意力，因为在低矮的迷宫中漫步，抬头便可以看到四周在高处的这一系列雕塑。
穿过这片区域，在雕刻之森的最顶端是一座巨大的建筑，正面写着“PICASSO”（毕加索）三个字。在这个长方形展馆内，收藏了这位传奇艺术家创作的 300 多幅画作、照片、陶瓷艺术品等。每一件都由他的女儿捐赠给雕刻之森，让人们近距离地了解这位艺术家的艺术生活。
展馆外是艺术家Leger的巨型雕塑《行走的花 Le Fleur qui Marche》，在立体主义时期，Leger以他富有创造力和想象力的画作使自己家喻户晓。二战后，他开始为公共广场探索陶瓷雕塑艺术。这一件作品-行走的花朵确实和它的名字一样，探索了自然与人类精神相结合的拟人化形式。
沿着小径，会来到雕刻之森的最南端，也是这里最标志性的装置之一：光影之塔。这座外面看似朴实无华的塔楼，是由日本建筑师伊本淳设计的，高18米，内径8米，由中心的旋转楼梯通往楼顶。而当你走进塔内，会惊叹里面是一个华丽夺目的世界，因为里面放置的是法国艺术家Gabriel Loire（1904-1996）创作的作品：《鸿运交响雕塑》（Symphonic Sculpture），环绕塔内表面的彩绘玻璃在阳光映射下，呈现了一种梦幻的色彩气氛，Gabriel Loire作为一位印象派画家，其作品在视觉上让人想起梵高的星空，或是莫奈的睡莲。
在塔旁边还有一个服务设施建筑，一层是咖啡厅而二层是画廊，游客可以在这里稍微休息一会，也能在此观赏室内画作。
从咖啡厅出来后，这里是一片免费的足汤区域，供游客泡脚解乏。这些足浴水池中充满了来自温泉的温水。在这里，人们可以坐在长凳上，将疲惫的双脚浸入水中享受自然。也可以脚踩上下按压在下面的石头，以帮助进行一些足底按摩。如果没有带毛巾，可以随时从服务员那里购买一条小纪念品毛巾来擦拭，只需 100 日元。 周边环境很好，在炎热时会立遮阳伞来防晒，而这里也可以自助买饮料。
从足汤往回走，会经过天桥开始向北，这里沿途也布置着形态各异的展览作品。例如美国雕塑艺术家Carl Milles (1875-1955)创作的《神之手》，作者曾说雕像的想法是在梦中想到的，这件作品也是他生命最后几年的作品之一。因为开放式环境的原因，让人走过这个雕塑时，都不由自主的顺着人物的目光也跟着向天空之上看去，虽然雕塑是静止的，但环境给了他一种伴随着时间的流逝感。
在空旷的草地上有一个巨大的身影，且只被她一个人占据。这是妮基·圣法勒（Niki de Saint Phalle，法国，1930-2002）的《布莱克·鲍尔小姐Miss Black Power》，1965年“娜娜”系列的登场，完全改变了妮基的激进且带忧伤的创作风格。“娜娜”是以空心雕塑的方式制作的大型女性像系列，《布莱克·鲍尔小姐》也是其中之一。衣裳色彩绚丽的“娜娜”，带着活泼的动作魁梧地站立着。头部极端地小，眼睛鼻子等则无特别讲究，但有着粗壮的萝卜腿。雕塑像洋溢出作为生命之源的女性的自信，可谓是一曲由女性自己奏响的宏亮的女性赞歌。
巨大的煎蛋在地面上摊开，人们也可以坐在其边缘休息，这种融合趣味与功能性的设计，让人一度以为是哪个日本动画里的场景。设计来自日本建筑设计工作室Klein Dytham architecture。
后藤良二（Ryoji Goto，日本，1951–）的大型不锈钢雕塑《交叉的空间构造》也布置在道路旁，后藤曾经以钻石的分子结构为母体，以人体替代有着双手双脚的碳原子而创作了《钻石构造》（美原高原美术馆所藏）。其之后在1978年创作的《交叉的空间构造》则是《钻石构造》的姐妹作品。黑色的男性像与红色的女性像各72具，共144具雕像组成的群像，各自伸展着四肢，彼此手足相连。几何学的组合使人类情感中多愁善感的部分消失，无名的人们携手群舞，整个作品洋溢出满满的活力。
日本艺术家伊藤隆道（Takamichi Ito，日本，1939-）创作的电力装置《Sixteen Turning Sticks》这一作品使用了不锈钢并以电为动力，但是，其旋转动作却没有机械性的生硬感，缓缓转动的曲线，放射出独特的光耀。伊藤曾在东京艺术大学学习金属工艺，并从事过制作展示的工作，之后又转攻雕塑。他的作品很多也被置放在车站前等公共空间。作为日本具有代表性的动态艺术创作家，伊藤这样说道：“有人类的空间里就有光，自然的空间里会有动。而这光与动就是我的造型主题。”
两只绷有帆布的风帆，随风或改变方向，或相互点头似地上下活动着。这是日本艺术家新宫晋（Susumu Shingu，日本，1937-）在1978年创作的作品《Never-ending Dialog》：其流线型的形状是经过对风速与阻力的精密计算而设计的，无论什么样的风都不会使风帆停下。作品表情生动，它仿佛与风成为一体后才具有了生命力。新宫晋于1966年在米兰首次发表自己的立体作品，自那以后，他不断地进行动态艺术的创作，将风或水的流动等一些无形的大自然旋律以各种动态形式来加以表现。
英国著名雕塑艺术家亨利·摩尔（Henry Spencer Moore，1898－1986）是享誉世界的雕塑家，以创作大型抽象雕塑而著名，这些公共艺术作品遍布世界各地。人体形象，特别是“母与子”或“斜倚的人形”是摩尔的创作中最常见的主题。摩尔喜欢把雕塑放在野外展览。他曾说：“没有比天空更适合作为雕塑置放的背景的了。”在雕刻之森美术馆的绿荫广场的庭园里，摩尔作品集的10件雕塑静静地矗立在永恒的时光中。雕塑的坚固形态与四季景观所营造的空间，相互辉映，魅力无穷。
奥古斯特·罗丹( Auguste Rodin ) 的《巴尔扎克 Balzac》 是前往出口前最后看到的人物雕塑之一。罗丹是举世无双的雕塑家之一，雕塑是为了纪念法国小说家巴尔扎克而创建的。当刚看到雕塑时，会有些意外。它不仅看起来不像作家，而且表情甚至有些可怕。据说罗丹不希望它成为巴尔扎克本人的忠实复刻，很多其他人已经这样做了。他希望它能够表达作者的个性和瞬间印象。
到达出口时，实际上是回到了入口时的隧道旁，游线在这里顺利而圆满的闭环了。在通过出口的扶梯之后，会有一些室内的模拟游乐设施和礼品店，而即使当走出整个雕刻之森庭园时，依然让人还在回味刚才过去的这趟户外艺术旅行。
项目总结：
即使对于现代艺术不了解的人，在自然环境的带动下，也会增加对于新事物的亲近感。而对于自然美景来说，这些艺术创作的存在让体验和想象力生动起来，或者通俗点说：一切变得有故事了。雕刻之森打造了户外艺术公园的一个典范，“自然与艺术对话”是它的主题，而区别于一般室内艺术博物馆的体验，以及细腻的构建设计却是它的独特魅力和成功之处。作为日本首个户外艺术博物馆项目，在成功之后陆续出现了不少类似项目，但它自身也在不断迭代更新创意和体验，据悉在2023年将推出全新的作品和游览体验，我们将拭目以待。