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< 返回 罗密欧罗马酒店 扎哈·哈迪德建筑事务所 项目名称：罗密欧罗马酒店 设计团队：扎哈·哈迪德建筑事务所 项目地点：罗马，意大利 建筑类型：酒店改造 客房数量：74间 竣工时间：2024年 摄影师：Chris Dalton，Jacopo Spilimbergo 设计特色： 项目 – 扎哈·哈迪德建筑事务所将罗马一座16世纪的宫殿改造成豪华酒店，通过对传统罗马拱顶的重新诠释，在历史建筑与当代设计之间创造出引人注目的对话。罗密欧罗马酒店展现了该事务所标志性的流动美学，同时保留了这座建筑跨越五个世纪的历史元素。 在项目总监保拉·卡塔林的带领下，这项翻新工程从罗马建筑的层积性——不同历史时期的叠加——中汲取灵感，特别关注该城市的拱顶传统。建筑师将这一建筑元素作为概念基础，发展出一种当代诠释，从天花板设计延伸到家具，在整个空间中创造出连贯的设计语言。 这家拥有74间客房的酒店的特色在于每个空间都经过独特设计，摒弃了酒店建筑的典型模块化方法。相反，每个房间都呈现出独特的空间配置，响应宫殿不规则的几何结构。设计团队开发了一个精妙的"第二表皮"解决方案，在保护原有建筑的同时将现代设施整合到历史建筑中，在现有墙壁和新室内表面之间创造一个薄腔来容纳技术设施。 在这项需要230个不同建筑许可并涉及49家公司的翻新工程中，工人们发现了一个此前未知的古罗马工作坊，其特色是块菱形石砌面（opus reticulatum）——一种有2000年历史的砌筑方式。这一考古发现被保留下来，通过花园下方的90平方米展览厅融入酒店设计中，可以通过酒店游泳池的玻璃地板观赏。 该项目展示了历史保护与当代设计的巧妙融合，卡拉拉白色雕像用大理石、马卡萨黑檀木和黄铜等材料营造出丰富的层次感室内空间，呼应着建筑累积的历史，同时开启了其建筑演变的新篇章。 团队 – 扎哈·哈迪德建筑事务所（Zaha Hadid Architects, ZHA）由已故普利兹克奖得主扎哈·哈迪德于1979年创立，如今已发展成为世界上最具影响力的建筑事务所之一。目前，ZHA以员工福利信托（Employee Benefit Trust）的形式运营，由首席建筑师帕特里克·舒马赫（Patrik Schumacher）领导。总部位于伦敦克拉肯维尔，该事务所拥有约500名员工，持续推动参数化设计与计算建筑的界限。 ZHA以其独特的建筑语言而闻名，其特点是流线型几何和创新的空间概念。在公共、文化和商业领域，ZHA始终交付具有开创性的项目，其代表作品包括罗马的MAXXI国家21世纪艺术博物馆（2010年斯特林奖）、巴库的海达尔·阿利耶夫文化中心，以及北京大兴国际机场航站楼。 自2016年舒马赫接任领导以来，事务所在技术能力上实现了显著扩展，特别是成立了专注于人工智能驱动设计方法的部门——ZHAI（Zaha Hadid Analytics + Insights）。事务所的当代作品继续展现其对研究导向建筑、可持续创新以及复杂几何优化的承诺，同时保持了其在城市融合与场地响应方面的标志性方法。最近完成的项目如阿联酋BEEAH总部，展示了ZHA在结合参数化设计与环保意识方面日益成熟的专业水平。 Project Name: Hotel Romeo Roma Design Team: Zaha Hadid Architects (ZHA) Location: Rome, Italy Building Type: Hotel Renovation Number of Rooms: 74 Completion: 2024 Photographer：Chris Dalton，Jacopo Spilimbergo Feature： Project - Zaha Hadid Architects has transformed a 16th-century palazzo in Rome into a luxury hotel, creating a striking dialogue between historical architecture and contemporary design through a reinterpretation of traditional Roman vaults. The Hotel Romeo Roma, located on Via di Ripetta near Piazza del Popolo, showcases the firm's signature fluid aesthetics while preserving the building's historical elements spanning five centuries. Led by project director Paola Cattarin, the renovation project takes inspiration from Rome's architectural palimpsest - the layering of different historical periods - with a particular focus on the city's tradition of vaulted ceilings. The architects used this architectural element as a conceptual foundation, developing a contemporary interpretation that extends from the ceiling designs to the furniture, creating a cohesive design language throughout the space. The 74-room hotel features individually designed spaces that reject the typical modular approach of hotel architecture. Instead, each room presents its own unique spatial configuration, responding to the palazzo's irregular geometry. The design team developed a sophisticated "second skin" solution to integrate modern amenities within the historical structure, creating a thin cavity between the existing walls and new interior surfaces to house technical services while preserving the original architecture. During the renovation, which required 230 different building permissions and involved 49 companies, workers discovered a previously unknown Roman workshop featuring opus reticulatum - a 2,000-year-old diamond-shaped stone facing. This archaeological finding has been preserved and incorporated into the hotel design through a 90-square-meter gallery beneath the garden, visible through the glass floor of the hotel's swimming pool. The project demonstrates a masterful blend of historical preservation and contemporary design, where materials such as Carrara Statuarietto marble, Makassar ebony, and brass create rich, layered interiors that echo the building's accumulated history while establishing a new chapter in its architectural evolution. Design Team - Zaha Hadid Architects (ZHA), established in 1979 by the late Pritzker Prize laureate Zaha Hadid, has evolved into one of the world's most influential architectural practices, now operating as an Employee Benefit Trust under the leadership of Principal Patrik Schumacher. With headquarters in Clerkenwell, London, the 500-strong firm continues to push the boundaries of parametric design and computational architecture. Known for their distinctive architectural language characterized by fluid geometries and innovative spatial concepts, ZHA has consistently delivered groundbreaking projects across civic, cultural, and commercial sectors. Their portfolio includes iconic works such as the MAXXI Museum in Rome (Stirling Prize 2010), the Heydar Aliyev Center in Baku, and the Beijing Daxing International Airport terminal. Under Schumacher's direction since 2016, the practice has expanded its technological capabilities, notably establishing ZHAI (Zaha Hadid Analytics + Insights), a dedicated unit exploring AI-driven design methodologies. The firm's contemporary work continues to exemplify their commitment to research-driven architecture, sustainable innovation, and complex geometry optimization, while maintaining the practice's signature approach to urban integration and contextual response. Recent projects like the BEEAH Headquarters in UAE showcase their evolving expertise in combining parametric design with environmental consciousness. 设计团队 旅游探访 74间 罗马，意大利 2024 前一项 后一项

< 返回 托卡之家 ARKITITO 项目名称：托卡之家 地点：维拉马达莱纳，巴西 设计团队：ARKITITO建筑事务所 建筑面积：350平方米 竣工时间：2022年 摄影：Fran Parente 设计特色： ARKITITO建筑事务所设计的托卡之家展现了如何通过创新的三层混合建造系统和雕塑性几何形态策略，将一座位于圣保罗维拉马达莱纳的住宅转化为融合创意工作空间与家庭生活的当代建筑典范。 这座350平方米的住宅戏剧性地挑战传统居住模式，呈现为对当代巴西多功能生活方式、环境可持续性和结构创新融合的深刻冥思。它通过精心的空间组织和材料选择，创造出一个将艺术创作、音乐实践与日常居住无缝交织的生活体验。 项目的绝妙之处在于对复杂功能需求的根本性回应与重新构想。面对容纳家庭生活、艺术工作室、音乐工作室和聚会空间的多元化项目书，建筑师采用三层建造系统作为住宅的组织策略，同时实现无障碍设计和卓越的热工、声学及视觉舒适度。这种设计策略创造了建筑与功能需求的持续对话，实现了结构上的创新效果，使建筑在纤细柱子上呈现整体轻盈感。 ARKITITO的设计语言流利地表达着当代巴西建筑方言，运用战略性的几何形态和材料分层来重新定义城市语境中的居住体验。建筑以简洁几何元素，三角形、正方形和圆形的组合，创造唤起不同感知的内部空间。其形态呈现几乎原始的雕塑感，悬置于纤细柱子之上，传达整体轻盈性。这种大胆的形式策略不仅强化了建筑的视觉识别度，同时巧妙地适应了当代多代同堂家庭生活对功能多样性与空间品质的双重需求。 最引人瞩目的是，建筑师通过混凝土、钢材和交叉层压木材(CLT)的巧妙操控创造分层的结构系统。混凝土底座容纳三间卧室，受后花园庇护，提供较低噪音水平的保护。第二层采用钢材建造，形成支撑主要楼层的网格结构。第三层包含起居室、厨房、工作室和音乐空间，采用交叉层压木材建造。这种结构设计被整合为建筑语言的一部分，实现环境效率优先的同时创造出建筑永久开放的视觉效果。 住宅组织为三个功能层级。混凝土基座适应场地条件，容纳私密空间，包括三间卧室，为两个女儿(9岁和13岁)以及一位最近加入家庭的80岁长者提供无障碍居住环境。钢结构层作为结构支撑框架，承载上层生活空间。交叉层压木材层集中布置公共空间，包括起居室、厨房、艺术工作室和音乐工作室，通过玻璃框架围合。外部，整个三角形外壳，屋顶和侧立面均覆盖木瓦。不同的天花板高度使住宅感觉永久开放，如同与花园融为一体的阳台，最大化自然采光和通风，消除对空调的需求。 材料策略延续了这种建筑与环境可持续性和谐共生的设计理念。通过使用预制构件强化与建造效率的整合，简化组装过程，创造清洁的建筑工地，同时减少材料浪费、水和能源消耗以及整体建造时间和废弃物。起居室地板采用巴西石材，在整个空间形成连续图案。项目以环境高效的建造方法替代传统施工，减少环境影响并强化气候性能，展示了ARKITITO对环境责任和建筑创新的承诺。 设计团队： ARKITITO建筑事务所作为当代巴西建筑实践的杰出代表，由手足建筑师尚塔尔·菲卡雷利和蒂托·菲卡雷利于2009年在圣保罗创立，自成立以来已确立其在当代住宅、商业和企业设计以及语境敏感型建筑语言创新领域的先锋地位。这家立足圣保罗的事务所通过设计与城市需求的协调整合，重新定义当代巴西建筑师在国际设计话语中的角色。 ARKITITO为建筑实践带来了卓越的空间优化设计视角和对建造智慧整合方法的深刻理解。该事务所因其将项目和谐融入功能需求与美学语境的承诺而获得认可，创造定制化的空间体验。其作品集涵盖城市住宅、商业和企业空间、翻新改造、适应性再利用项目以及历史建筑修复，展现多元化却连贯统一的设计方法论。 该事务所的设计哲学强调建筑应该超越传统限制，不仅仅是为了满足功能需求而设计，更是为了创造形式交流性和受控且充沛的自然光运用。通过对场地特定性认知和空间最大化的深度关注，开展从住宅到商业及企业项目的多元化作品，相信最好的建筑是通过精准和深思熟虑的建造过程产生的语境响应式干预。ARKITITO相信建筑应该成为居住者需求的载体，通过策略性的结构智慧和材料选择创造独特的建筑体验。 除实践外，通过对预制构件与现代建造方法的深思熟虑结合、结构解决方案和环境效率的运用、以及经过验证的可持续设计智慧，ARKITITO已确立自己作为当代巴西建筑话语重要贡献者的地位，创造出既具功能回应性又保持建筑卓越性的作品。在菲卡雷利姐弟的持续领导下，该事务所目前在圣保罗充满活力的建筑景观中占据独特地位，专注于创造通过空间优化、结构创新和形式交流性来实现建筑品质的空间体验。 设计团队 旅游探访 350 m² 圣保罗，巴西 2022 前一项 后一项

< 返回 GODIVA Bakery 京都四条店 Torafu Architects 项目名称：GODIVA Bakery ゴディパン 京都四条店 地点：京都，日本 设计团队：Torafu建筑设计事务所 面积：101.1 m² 竣工时间：2025年 摄影：长谷健太 设计特色： 总部位于东京的Torafu建筑设计事务所近日在京都四条完成了"GODIVA Bakery ゴディパン 京都四条店"的设计，这是比利时巧克力品牌GODIVA旗下的一家小型零售面包店，紧邻京都市中心历史悠久的锦市场。这间建筑面积101平方米的店铺，以有乐町东京旗舰店所建立的空间语言为基础，将其转译为一种专属于京都层叠城市肌理的回应，将品牌的核心理念——"町のパン屋さん meets GODIVA"（街区面包店与GODIVA的相遇）——凝练为一处兼具节日气息与日常根基的空间。 Torafu此次设计最具决定性的举措在于立面的处理：它在历史街景与商业内部之间搭建起过渡。圆润柔和的帆布挑檐、木制建具与手绘插画共同构成亲切的街道表情，在不打断周边建筑连续性的前提下，自然而然地将行人引入其中。大尺度的开口消解了街道与室内之间的界限，陈列的面包与温暖的室内氛围得以从人行道上清晰可见。 室内，一道连续的弧形操作台将常温陈列、冷藏商品与收银功能整合为一件家具，引导客流穿越紧凑的平面布局。操作台柔和的轮廓与上方弯曲的天花相互呼应，其形态灵感来源于GODIVA标志性的巧克力可颂面包，将品牌符号悄然转化为建筑语言。室内通体的暖红色调与外立面厚重的砖石形成材质上的共鸣，从街道望去，整体呈现出温馨而富有感召力的氛围。 店铺后方设有一处精心框景的生产区开口，令烘焙与巧克力制作的过程若隐若现，为空间赋予深度与真实感。最终呈现的，是一间既属于所在街区，又承载着GODIVA与Torafu建筑设计事务所精准匠心的店铺。 设计团队： Torafu建筑设计事务所由铃野浩一与秃真哉于 2004 年共同创立，总部位于东京，业务涵盖建筑设计、室内设计、展览空间规划、产品设计及装置艺术。事务所以建筑学思维为核心，将每个项目视为重新审视空间、材料与人类行为之间关系的契机，形成了形式精准而感知温暖的设计语言。 事务所的作品谱系横跨商业零售与餐饮室内、住宅建筑、公共装置及工业设计产品。代表作品包括“Template in Claska”、“Nike 1Love”、“空气之器”及“格列佛桂徒”。“空气之器”于 2015 年入选蒙特利尔美术馆永久馆藏，充分体现了事务所在不同尺度与学科之间自如转换的能力。事务所曾获得多项国际设计殊荣，包括 Red Dot 至尊奖、iF 设计奖、优良设计奖，以及 2011 年米兰国际家具展 Elita 设计奖最优秀奖。 两位主持人同时深度参与日本各高等院校的建筑教育工作。铃野浩一现任立命馆大学客座教授及东京艺术大学讲师，秃真哉曾长期执教于昭和女子大学。对建筑实践与建筑教育的双重投入，构筑了事务所以探索与匠心为本的实践文化。 设计团队 旅游探访 101.1 m² 京都，日本 2025 前一项 后一项

Nati Minas & Studio 是一家总部位于圣保罗的建筑、室内设计与舞台设计事务所，其工作植根于一种独特的设计理念：每一个项目都应成为居住者本身的精准写照。事务所由建筑师纳塔莉亚·米纳斯（Natalia Minas）创立，她拥有逾十年的建筑执业经验，已主持完成超过八十个项目。事务所业务横跨住宅与商业领域，提供涵盖空间设计、施工图文件、现场施工监理及家具软装策划的全流程一体化服务。 < Back Nati Minas & Studio Brazil Nati Minas & Studio 是一家总部位于圣保罗的建筑、室内设计与舞台设计事务所，其工作植根于一种独特的设计理念：每一个项目都应成为居住者本身的精准写照。事务所由建筑师纳塔莉亚·米纳斯（Natalia Minas）创立，她拥有逾十年的建筑执业经验，已主持完成超过八十个项目。事务所业务横跨住宅与商业领域，提供涵盖空间设计、施工图文件、现场施工监理及家具软装策划的全流程一体化服务。 米纳斯分别毕业于圣保罗长老会麦肯兹大学与巴塞罗那自治大学建筑学专业，并通过麻省理工学院专业教育项目系统研修了循环经济领域课程。2022年，她凭借在建筑、设计与城市规划领域的卓越成就入选福布斯30岁以下精英榜单；2024年，荣获《Casa & Jardim》杂志年度Sintonia奖项。现阶段事务所项目团队由大浦小百合（Sayuri Oura）、凯利·达朗科（Kelly Daronco）、比亚·梅洛（Bia Melo）与吉尔梅·科斯塔（Guilherme Costa）组成。 事务所的设计方法论将倾听与理解作为首要的设计工具，将每位委托方的身份认同、日常习惯与空间愿景转化为具体的建筑形式。由此产生的建筑既不回望过去，也不依附潮流，而是回应性的、前瞻性的，并具有深度的个体特征。每个项目通过对物件、艺术品与植物的审慎编排完成最终呈现，Nati Minas & Studio 始终致力于打造兼具明确功能目的与真实居住温度的空间环境。 WEBSITE PROJECT

Omar Gandhi Architects（OGA），成立于2010年，短短十余年间已跻身全球建筑设计的翘楚行列。该事务所的作品横跨创新住宅、城市更新到大型公共工程等多个领域，始终站在加拿大当代建筑设计的最前沿，荣获众多国际殊荣，彰显其卓越实力。 Founded in 2010, Omar Gandhi Architects (OGA) has rapidly established itself as a vanguard in contemporary Canadian architecture. With design studios in Toronto and Halifax, the firm has cultivated a portfolio that spans from innovative residential projects to large-scale public works, each embodying a unique dialogue between site-specificity and architectural ingenuity. < Back Omar Gandhi Architects 加拿大（CANADA） Omar Gandhi Architects （OGA），成立于2010年，短短十余年间已跻身全球建筑设计的翘楚行列。该事务所的作品横跨创新住宅、城市更新到大型公共工程等多个领域，始终站在加拿大当代建筑设计的最前沿，荣获众多国际殊荣，彰显其卓越实力。 事务所的设计理念深植于对场域特性的深刻理解和建筑类型的创新演绎，塑造了一系列享誉全球的标志性建筑。OGA的建筑哲学超越了单纯的形式追求，致力于创造与环境共鸣、挑战使用者空间体验的建筑作品。这一理念体现在他们对地形、材料和细节的精心考量中。 OGA在多伦多和哈利法克斯设有设计工作室，通过协作性和研究导向的方法开展项目。事务所在构造表现力、材料创新和环境分析方面的专长，使其能够创造出前沿的、性能导向的建筑作品。 在首席建筑师Omar Gandhi的带领下，OGA的作品完美融合了加拿大传统建造方法与现代设计语言，不仅视觉冲击力强，还兼具高度功能性和环境适应性。从不列颠哥伦比亚省的施洛特费尔特住宅到新斯科舍省的峡谷小屋，OGA展现了将现代建筑与自然地貌和谐共生的卓越才能。 OGA曾获加拿大艺术委员会专业罗马奖和加拿大总督建筑奖章等重要奖项，进一步巩固了其在当代建筑实践中的领先地位。这种独特的艺术视野与技术实力的结合，使OGA持续引领北美建筑设计的创新潮流。 Founded in 2010, Omar Gandhi Architects (OGA) has rapidly established itself as a vanguard in contemporary Canadian architecture. With design studios in Toronto and Halifax, the firm has cultivated a portfolio that spans from innovative residential projects to large-scale public works, each embodying a unique dialogue between site-specificity and architectural ingenuity. OGA's design philosophy is rooted in a deep engagement with context, where each project becomes an evolution or abstraction of familiar architectural typologies. The firm's approach involves a meticulous unraveling of client briefs, coupled with an astute analysis of site conditions, resulting in boldly reimagined forms that challenge conventional spatial experiences. Under the leadership of Principal Omar Gandhi, alongside Associates Jeff Shaw, Stephanie Hosein, and Jordan Rice, the practice has garnered international acclaim. Notable projects like the Schlotfeldt Residence in British Columbia and the Rabbit Snare Gorge cabin in Nova Scotia exemplify OGA's mastery in harmonizing modern interventions with rugged landscapes. The firm's work is characterized by its tectonic expressiveness, materiality, and attention to detail. OGA's designs often feature a juxtaposition of robust forms with delicate architectural refinements, creating spaces that are at once striking and intimately connected to their environment. Recognized with prestigious accolades including the Canada Council for the Arts Professional Prix de Rome and the Canadian Governor General's Medal in Architecture, OGA continues to push the boundaries of architectural discourse, cementing its position as a formidable force in contemporary design. WEBSITE PROJECT

< 返回 Río住宅 LABarq 项目名称：Río住宅 地点：圣地亚哥德克雷塔罗，墨西哥 设计团队：LABarq 建筑面积：559平方米 竣工时间：2025年 摄影：Ariadna Polo 设计特色： LABarq设计的Río住宅展现了如何通过创新的V形构型策略和巧妙的地形响应设计哲学融合技术，将一座位于不规则梯形地块上的住宅转化为充满景观连续性和空间透明性的当代居住之家。 这座559平方米的住宅戏剧性地坐落在起伏地形之上，呈现为对当代墨西哥住宅生活方式、地形适应性和建筑轻盈感融合的深刻冥思。它通过精心的空间组织和材料选择，创造出一个将功能性与自然环境无缝交织的居住体验。 项目的绝妙之处在于对场地挑战的根本性回应与重新构想。面对不规则梯形地块的复杂条件，建筑师采用V形平面构型创造中心花园作为住宅的组织核心，同时框定周围自然景观的视野。这种设计策略创造了建筑与自然环境的持续对话，实现了空间上的消解效果，使建筑在树木间视觉后退。 LABarq的设计语言流利地表达着当代墨西哥建筑方言，运用战略性的立面对比和结构轻盈化来重新定义自然景观中的居住体验。前侧和侧面立面呈现庄重坚实的形态作为私密性屏障，而后侧则通过落地玻璃窗完全开放，消解室内外边界。这种大胆的二元性策略不仅增加了空间的私密性，同时巧妙地适应了当代家庭生活对开放性与私密性的双重需求。 最引人瞩目的是，建筑师通过纤细钢柱、钢板和金属拉索的巧妙操控创造轻盈的结构系统。第一个体量的侧墙悬浮于地面之上，强化了轻盈感和透明性的感知。在卧室中，金属拉索不仅调节阳光，还引导视线，增强与外部环境的连接。这种结构设计被整合为建筑语言的一部分，实现大跨度的同时创造出"建筑漂浮于景观之上"的视觉效果。 住宅组织为两个主要体量。第一个倾斜体量适应地形坡度，容纳社交空间，包括双层高客厅和餐厅、具有独立出入口的办公室以及扩大内部空间的夹层。外部设有泳池和火塘，在建筑与景观之间创造连续性。第二个体量在首层集中布置服务空间，包括厨房、电视室、露台和交通核心，以及设有储藏室和服务区的地下室。上层专门用于私密空间，主卧室配有步入式衣柜，三间次卧战略性地朝向西北立面开放，在不影响私密性的前提下实现可控视野。 材料策略延续了这种建筑与语境和谐共生的设计理念。通过使用本地资源强化与语境的整合，包括圣托马斯大理石、胡桃木饰面和仿木肋状镶板，与可控砾石的干旱花园和本土低耗水植被相互作用。项目以可持续景观替代传统草坪，减少环境影响并强化与地域的连接，展示了LABarq对环境责任和地域真实性的承诺。 设计团队 ：LABarq作为当代墨西哥建筑实践的杰出代表，由建筑师胡安·卡洛斯·凯利和建筑师宝琳娜·莫雷诺于2013年在克雷塔罗创立，自成立以来已确立其在当代住宅、商业和机构设计以及语境敏感型建筑语言创新领域的先锋地位。这家立足克雷塔罗的事务所通过设计与自然景观的协调整合，重新定义当代墨西哥建筑师在国际设计话语中的角色。 LABarq为建筑实践带来了卓越的地形响应性设计视角和对材料整合方法的深刻理解。该事务所因其将项目和谐融入周边形态与自然景观的承诺而获得认可，创造消解室内外界限的空间体验。其创新贡献获得了诸多重要奖项，包括墨西哥城亚里士多德235住宅综合体荣获的Obra大奖、Distrito Marqués项目获得的Interceramic奖，以及Lomas del Campanario Norte项目在Noldi Schreck奖中获得的第三名。 该事务所的设计哲学强调建筑应该超越形式限制，不仅仅是为了满足功能需求而设计，更是为了与周边环境和自然景观有机融合。通过对场地特定性认知和空间连续性的深度关注，开展从公寓、住宅到商业及机构项目的多元化作品，相信最好的建筑是通过精准和深思熟虑的过程产生的语境响应式干预。LABarq相信建筑应该成为居住者生活方式的载体，通过策略性的空间组织和本地材料选择创造独特的建筑体验。 除实践外，该事务所通过对本地材料与现代建造方法的深思熟虑结合、地形条件和结构创新的运用、以及经过验证的可持续景观智慧，LABarq已确立自己作为当代墨西哥建筑话语重要贡献者的地位，创造出既具环境回应性又保持建筑卓越性的作品。在凯利和莫雷诺的持续领导下，该事务所目前在墨西哥充满活力的建筑景观中占据独特地位，专注于创造通过材料整合、结构创新和语境敏感性来实现建筑品质的空间体验。 设计团队 旅游探访 559 m² 圣地亚哥德克雷塔罗，墨西哥 2025 前一项 后一项

< 返回 哥本哈根生活场所 EFFEKT 设计特色： 哥本哈根最新的建筑新作品"生活场所"（Living Places Copenhagen）由EFFEKT设计，正在重新定义可持续城市生活。这个开创性项目展示了住宅设计的革命性方法，证明了环保建筑可以既经济实惠又时尚美观。"生活场所"项目的核心亮点在于其令人印象深刻的碳足迹，仅为3.8公斤二氧化碳/平方米/年——惊人地比当前丹麦建筑标准低三倍。这一成就是通过精心选择材料和创新的建筑技术实现的，而且没有牺牲成本或美学效果。 该开发项目包括七个原型，其中五个开放式展馆和两个全尺寸住宅，每个都体现了项目的核心原则：健康、可负担、简约、可共享和可扩展。EFFEKT的设计巧妙地整合了这些元素，创造出既能促进社区交流又能与自然保持紧密联系的空间。"哥本哈根生活场所"的与众不同之处在于其对可持续性的整体方法。该项目不仅专注于减少排放，还通过优化日光和新鲜空气循环来优先考虑居住者的健康，从而营造出一流的室内环境。 作为国际建筑师协会世界建筑师大会的官方合作伙伴，"生活场所"充当着一个活生生的实验室，展示了我们已经拥有了建筑可持续发展未来所需的工具。这个项目不仅推动了绿色建筑的边界，还挑战整个行业进行合作和创新，以实现更可持续的明天。 Copenhagen's latest architectural marvel, Living Places Copenhagen, designed by EFFEKT, redefines sustainable urban living. This groundbreaking project showcases a revolutionary approach to residential design, proving that eco-friendly architecture can be both affordable and stylish. At the heart of Living Places Copenhagen lies its impressive carbon footprint of just 3.8 kg CO2/m2/year - a staggering three times lower than current Danish building standards. This feat is achieved through meticulous material selection and innovative building techniques without compromising cost or aesthetics. The development features seven prototypes, including five open pavilions and two full-scale homes, each embodying the project's core principles: health, affordability, simplicity, shareability, and scalability. EFFEKT's design seamlessly integrates these elements, creating spaces that foster community while maintaining a strong connection to nature. What sets Living Places Copenhagen apart is its holistic approach to sustainability. The project doesn't just focus on reducing emissions; it prioritizes occupant wellbeing through optimized daylight and fresh air circulation, resulting in a best-in-class indoor climate. As an official partner of the UIA World Congress of Architects, Living Places Copenhagen serves as a living laboratory, demonstrating that the tools for a sustainable future in architecture are already at our disposal. This project not only pushes the boundaries of green building but also challenges the industry to collaborate and innovate for a more sustainable tomorrow. 设计团队： EFFEKT是一家总部位于哥本哈根的建筑设计协作公司，成立于2007年，在建筑、城市规划和研究领域颇有建树。在联合创始人图·福格德（Tue Foged）和西努斯·林格（Sinus Lynge）的富有远见的领导下，公司已发展到拥有55名全职专业人员的规模，每一位都为EFFEKT的使命贡献力量，即通过设计创造持久的积极影响。 EFFEKT在丹麦语中意为"影响"，这个名字恰如其分地体现了公司的理念。该公司以整体性视角对待每个项目，旨在产生显著的社会、经济和环境价值。EFFEKT的作品涵盖广泛，从创新的城市规划方案到屡获殊荣的建筑，如冒险营地森林塔（Camp Adventure Forest Tower）和哥本哈根生活场所（Living Places Copenhagen）项目。 EFFEKT的设计理念聚焦于对环境的敏感度和可持续解决方案，致力于解决地方、区域和全球尺度的挑战。他们的工作不断突破界限，这一点在城市村落项目（Urban Village Project）和再生村落（Regen Villages）等项目中得到充分体现，这些项目重新构想了未来的可持续生活方式。 凭借一系列荣誉，包括Nykredit可持续发展奖和多项美国建筑师协会（AIA）国际设计奖，EFFEKT已确立了其在可持续建筑领域的思想领袖地位。公司对研究和创新的承诺进一步体现在《城市发展的甜甜圈理论》等出版物中，以及他们对生物基建筑材料的持续探索。 随着EFFEKT继续塑造建筑环境，他们以影响为导向的方法仍然处于建筑学讨论的前沿，激励新一代设计师创造有意义、可持续的空间，其影响远远超越传统客户需求的范畴。 EFFEKT, a Copenhagen-based architectural collaborative founded in 2007, has emerged as a formidable force in the realms of architecture, urbanism, and research. Under the visionary leadership of co-founders Tue Foged and Sinus Lynge, the firm has grown to encompass a team of 55 full-time professionals, each contributing to EFFEKT's mission of creating lasting positive impact through design. True to its Danish name meaning "impact," EFFEKT approaches each project with a holistic perspective, aiming to generate significant social, economic, and environmental value. The firm's portfolio showcases a diverse range of projects, from innovative urban planning schemes to award-winning structures like the Camp Adventure Forest Tower and Living Places Copenhagen. EFFEKT's design philosophy centers on contextual sensitivity and sustainable solutions, addressing challenges at local, regional, and global scales. Their work consistently pushes boundaries, as evidenced by projects such as the Urban Village Project and Regen Villages, which reimagine sustainable living for the future. With a string of accolades including the Nykredit Sustainability Award and multiple AIA International Design Awards, EFFEKT has solidified its position as a thought leader in sustainable architecture. The firm's commitment to research and innovation is further exemplified by publications like "The Doughnut for Urban Development" and their ongoing exploration of biobaserede byggematerialer (bio-based building materials). As EFFEKT continues to shape the built environment, their impact-driven approach remains at the forefront of architectural discourse, inspiring a new generation of designers to create meaningful, sustainable spaces that resonate beyond the confines of traditional client briefs. 设计团队 旅游探访 2230 m² 丹麦，哥本哈根 2024年 前一项 后一项

< 返回 苏州当代美术馆 BIG 项目名称：苏州当代美术馆 地点：苏州市 ， 中国 设计团队：BIG，ARTS Group Co., Ltd., Front Inc. 建筑面积：60000 m² 竣工时间：2026年 摄影：Ye Jianyuan，StudioSZ Photo / Justin Szeremeta 设计特色： BIG为苏州当代美术馆打造了一座60000平方米的文化地标，沿金鸡湖畔而建，在中国历史悠久的园林之城重新诠释传统中国园林建筑。该美术馆由BIG与ARTS Group和Front Inc.合作设计，其建筑语言源自廊，这是苏州数百年园林传统中的基本元素，即带顶的走廊。 项目最卓越的设计在于其村落式构成，十二个相互连接的展馆统一在连续、轻柔起伏的屋顶之下，呼应着传统瓦檐的轮廓。目前已完成十座展馆，其余两座将在2026年延伸至金鸡湖上，并通过有顶走道连接。这种亭台与庭院的配置使美术馆能够穿梭于相邻的苏州摩天轮支柱之间，创造出创始人比亚克·英格尔斯所描述的根茎结构，连接城市与滨水区。 建筑的立面采用波纹曲面玻璃和暖色调不锈钢，映射着周围的天空、水面和园林，消解了建筑与景观之间的界限。从上方，特别是从摩天轮吊舱观看时，不锈钢屋瓦形成了英格尔斯所称的真正的第五立面，在湖泊映衬下呈现出优雅的锥形轮廓。 室内四座展馆容纳主要画廊空间，其他展馆则设有宏伟入口、多功能厅、剧院和餐厅。自然光线通过高侧窗和天窗渗入，以变幻的阴影和反射为展览注入活力。桥梁和隧道在地上和地下连接各个展馆，提供灵活的流线路线，可适应季节变化和不同的展览方案。 景观设计从访客中心附近的硬质铺装逐渐过渡到绿化，最终到达湖边的水生植物区，创造了从城市肌理到自然滨水区的无缝衔接。该美术馆按照中国绿色建筑评价标准二星级认证进行设计，整合了被动遮阳、自然通风和本地采购的材料。 美术馆以物质主义展览开幕，这是由BIG策划的展览，探索塑造当代建筑的十种材料。该展览扩展了比亚克·英格尔斯在意大利设计杂志Domus担任客座主编期间的工作，每期聚焦一种材料。展览通过BIG总部、丹麦海事博物馆、谷歌Bay View和The Plus等20个项目的大型模型，邀请观众体验定义BIG作品的触感和空间特质。 设计团队 BIG (Bjarke Ingels Group)由比亚克·英格尔斯于2006年创立，已发展成为全球最具创新精神的建筑实践之一，在哥本哈根、纽约、伦敦、巴塞罗那、深圳、奥斯陆、洛杉矶、苏黎世和不丹设有九个办公室。截至2023年，该事务所拥有超过700名员工，由创始人兼创意总监比亚克·英格尔斯领导，与包括Catherine Huang、Kai-Uwe Bergmann、Jakob Lange和Sheela Maini Sogaard在内的24位合伙人共同管理。 BIG的设计理念以务实的乌托邦主义为核心，将斯堪的纳维亚传统建筑价值观中的经济性与极简主义与当代空间实验相结合。该事务所通过挑战传统类型学的项目脱颖而出，同时回应场地、气候和功能需求。代表性的已建成作品包括哥本哈根带有人工滑雪坡的垃圾发电厂Amager Bakke、曼哈顿的庭院式塔楼VIA 57 West、挪威基斯特福斯雕塑公园的扭曲桥博物馆，以及加州的谷歌Bay View园区。 该事务所的作品组合涵盖文化机构、住宅开发、商业塔楼和城市基础设施，遍布六大洲。BIG的项目获得了众多荣誉，包括2021年世界建筑节年度最佳建筑奖(Amager Bakke)、多项CTBUH高层建筑奖项以及美国建筑师协会的认可。该事务所在持续扩大全球影响力的同时，始终坚守可持续设计原则和建筑创新的承诺。 苏州现代美术馆项目由负责合伙人比亚克·英格尔斯和Catherine Huang领导，项目经理Molly Hsiao Rou Huang统筹，项目建筑师包括Tyrone Cobcroft、Kekoa Charlot和Tseng-Hsuan Wei，设计负责人为Matteo Pavanello。团队汇集了来自全球的建筑专业人才，与当地合作方ARTS Group Co., Ltd.、Front Inc.以及上海水石景观设计公司共同完成这一标志性文化项目。 设计团队 旅游探访 60000 m² 苏州市，中国 2026 前一项 后一项

< 返回 大森幕屋住宅 HUNE Architects 项目名称：大森幕屋住宅 地点：东京，日本 设计团队：HUNE Architects 建筑面积：77.85 m² 竣工时间：2025年 摄影：Yurika Takano 设计特色： 项目 -大森幕屋住宅由HUNE建筑事务所设计，坐落于东京品川区邻近JR铁路线的紧凑场地，展现了古代幕屋建筑智慧与当代家庭生活需求的完美融合。这座77.85平方米的两层木结构住宅以其独特的织物般屋顶形态，重新定义了紧凑都市空间内多代同堂家庭的居住体验。 该项目最引人注目的成就在于其智慧的离散空间堆叠策略。建筑为四口之家设计，每位成员拥有不同爱好并需要个人空间而不过度干扰彼此。HUNE的设计回应是将卧室以L型配置，半层错开以适应前方道路的上升坡度。在睡眠区之上，沿楼梯离散堆叠了低矮休憩区、家庭用餐空间和兴趣工作室，营造出超越场地有限尺寸的空间开阔感。 建筑叙事通过精妙的屋顶构造展开，展现出卓越的结构创新。决定性的建筑元素是那延展的白色屋顶，构思为轻柔地铺在整个组合之上的布料。中央立柱将屋顶向上推起形成屋脊，从中四片屋顶平面（包括曲面）向周边下降。这种配置创造了屋顶与地板层之间持续变化的关系，屋顶与地面的距离感随人的动线不断改变。从玄关沿楼梯上行时，空间逐渐在眼前展开，使居住者感知到通过屋顶距离和人的移动所带来的内外距离感变化。 材料选择体现了创新工程技术的实用性。弯曲屋顶采用创新的薄板层压结构，将15毫米杉木板弯曲成总厚度45毫米的三层组合，饰以白色涂料以在室内漫射光线。通过工厂和现场的MEMS加速度传感器测量面外振动，确认45毫米厚曲面集成板的固有振动频率比15毫米厚单板高约2.5倍，证实其具备相当于40毫米厚单板的面外弯曲刚度。建筑采用木结构框架体系，配备筏板基础，在6.744米的最大高度内实现了建筑面积40.62平方米、容积率93%的高效空间利用。 立面处理展现了策略性开窗设计的精致性。在屋顶各部分之间的缝隙中开凿的窗户引入自然光，从侧面照亮弯曲屋顶表面，将每个时刻变化的光色漫射到整个空间。这种精心编排的开口系统将周边都市环境转化为日常生活不断变化的背景幕布，同时柔软的屋顶在室内外之间保持适当距离，温柔地保护家庭免受铁路噪音和外界喧嚣的侵扰。 项目的另一大特色是其对幕屋原型的当代诠释和高性能建筑实践。幕屋是古代将布张开、撑起而形成空间的简易帐篷式小屋，既作为住居建造，也作为神的居所和人神相遇之地，甚至被视为人体本身的象征。设计通过将力量松弛的布料自然下垂形成场所的意象，以人类活动与自然力学的平衡创造临时幕屋空间，并将其转化为永久的居住建筑。设计团队设想家庭成员各自在布料下形成的空间中找到属于自己的居处，以各自喜欢的方式度过时光。大森幕屋住宅证明了设计能够在不牺牲空间品质、结构创新或居住舒适的前提下，实现传统建筑智慧的当代转译。 设计团队 - HUNE建筑事务所成立于2019年，由主持建筑师玉木浩太、李家懿和林盛领导，现已发展成为日本领先的建筑实践机构，以其在当代住宅和创新空间策略领域的前瞻性方法而闻名。事务所总部位于东京，业务延伸至日本各地项目，展现了卓越的设计实力。 在玉木浩太、李家懿和林盛的创意指导下，事务所领导着充满活力的跨学科团队，包括建筑师、设计师和研究人员。玉木浩太毕业于东京大学，曾在伊东豊雄建筑设计事务所工作并在野村不动产从事商业开发，于2006年获得东京大学辰野賞（最优秀毕业设计奖）。李家懿生于英国，毕业于巴斯大学和伦敦建筑联盟学院，拥有英国建筑师注册委员会和英国皇家建筑师协会注册建筑师资格，现任芝浦工业大学客座讲师。林盛拥有东京大学工学博士学位，现任东京都立大学准教授，其作品曾获得2019年北美照明学会奖和日本标识设计奖银奖。他们的协作方式体现了对建筑本质的深刻思考和对人性化环境的持续追求。 事务所的设计哲学聚焦于创造人类能够真正表现人性的环境。HUNE认为社会已演变为一个无缝连接的连续体，物理限制已经消解，人类正在获得新的身体感知。然而在这场技术革命中，事务所努力将人们带回其本质属性，持续探问何为真正的人类巢穴。他们的设计方法论强调超越传统建筑概念，以更自由的思维持续追问人类巢穴的本质，始终如一地交付平衡创新性与实用性、空间品质与居住舒适的项目。 HUNE建筑事务所作为全方位服务的建筑实践机构，在多元建筑类型中展现专业能力，涵盖住宅建筑、商业设施、文化建筑、结构创新研究和空间实验项目。事务所通过涵盖从实验性住宅到创新公共建筑的多样化作品集，在日本当代建筑领域建立了新的典范，展现出对创造真正人性化环境的持续承诺。其2024年优良设计奖获奖项目HAUN TABATA证明了事务所在当代日本建筑实践中的卓越地位。事务所相信建筑作为人类巢穴的本质价值，并在所有工作中注入对使人类生活真正回归本质的要素的奉献精神。 设计团队 旅游探访 77.85 m² 东京，日本 2025 前一项 后一项

< 返回 CM住宅 AtelierM + Nicolas Krause 项目名称：House CM 地点：布宜诺斯艾利斯，阿根廷 设计团队：AtelierM + Nicolas Krause 建筑面积：315 m² 竣工时间：2022年 摄影：AtelierM 设计特色： 项目 -- 坐落于阿根廷布宜诺斯艾利斯埃斯科瓦尔的House CM，由AtelierM与Nicolas Krause共同设计，展现了将规范限制转化为建筑创新的智慧表达。这座315平方米的住宅位于一个封闭社区最后可用地块之一，其独特的三体量配置和横向悬浮手法成为设计的根本要素，突出了传统住宅类型学在当代语境中的大胆重新诠释。 该项目最引人注目的成就在于其革命性的空间组织策略。建筑师们没有遵循严格的坡屋顶规范带来的传统形象，而是将法规要求作为概念起点，创造出一个融合典型形态与当代空间体验的建筑构成，提出对郊区住宅潜力的全新解读。从最初的设计构思起，三个简单的坡屋顶砖体量就标定了概念起点：一座从典型形态向外构建的住宅，每个功能区域都与创新的空间关系保持直接联系。 建筑形态通过精妙的体量编排组织，一个体量横向搁置在另外两个之上，分布于紧凑而高效的空间配置中。内部为住宅的完整功能区域，围绕开放的底层公共空间展开，与后方森林景观保持直接关系，寻求对自然环境的透明性和开放性。抬升设计朝向多功能应用，通过解放地平面与城市天际线和自然景观融为一体。 立面轻盈而连贯，通过单一砖材料强化体量的整体性，墙体、屋顶和结构元素无缝融合，为整体提供材料一致性和永恒性。维护免费的砖材选择，战略性地适应环境可持续性需求，标示着设计的耐久性特质并强化了住宅的创新性格。 材料运用体现了与可持续性的深度对话。House CM被构想为一个建筑重新诠释，向传统建造技术、环境责任以及建成材料与自然之间的本质连接致敬，通过交叉通风、自然采光控制和被动式热性能展现出当代阿根廷建筑在处理规范约束时的成熟度和创新性。 设计团队 -- AtelierM由Matias Mosquera于2020年在阿根廷布宜诺斯艾利斯创立，已确立其作为致力于循环经济原则和可持续设计创新的领先建筑实践地位。该工作室作为协作性创意工坊运作，在不同尺度和类型中进行持续实验，同时对环境责任和材料耐久性保持严格关注。 在Mosquera的指导下，在合伙人Camila Gianicolo、Francisco Gómez Paratcha、Cristian Grasso、Carolina Tobar和Milagros Vita的支持下，事务所因其前卫的当代建筑方法获得了国际认可。实践哲学以永恒探索为中心，将每个设计过程视为即兴创作，参数化技术与古老建造工艺相融合，生成出乎意料的场地特定解决方案。 AtelierM的方法论超越了传统可持续性指标，通过闭环系统追求事务所所称的"生产性建筑"，重新教育居住者行为，同时最小化对外部基础设施网络的依赖。这一承诺体现在优先考虑自然通风策略、被动式热性能和材料持久性的项目中，砖材、木材和区域性采购材料构成了工作室的建构词汇。 事务所的设计哲学围绕将限制转化为创新机遇的理念展开，这一原则体现在以材料一致性、环境被动策略和空间流动性为特征的项目中。AtelierM的作品集展现了在创造平衡功能性能与环境和谐的建筑方面的持续卓越，确立了事务所作为当代可持续住宅建筑重要贡献者的地位。 该实践将建筑理解为扩展学科，涵盖跨学科协作、材料实验和社会责任。事务所的作品获得了显著认可，包括2025年Architizer将其列为阿根廷最佳建筑和设计公司第七名、2024年CAPBA建成作品奖第二名，以及多次金特列齐尼奖荣誉提名。Mosquera自2018年起同时担任布宜诺斯艾利斯大学建筑设计教授，确保实践在专业创新之外保持学术严谨性。通过综合专业服务包括建筑设计、参数化技术应用和可持续建造咨询，AtelierM致力于通过创新的可持续设计实践重新定义住宅建筑，在国际舞台上展现阿根廷设计的本质和创新。著名作品包括获奖的House CM、ZigZag住宅、MeCa住宅以及遍布阿根廷的多个住宅和公共项目，每个项目都展现了事务所应对多样化功能要求和环境挑战的能力。 设计团队 旅游探访 315 m² 布宜诺斯艾利斯，阿根廷 2022 前一项 后一项

Atlas Architects由董事Aaron Neighbour与Ton Vu于2015年4月共同创立，是一家总部位于墨尔本的建筑设计事务所，设有Footscray与冲浪海岸（Surf Coast）两处工作室。事务所以"通过可持续、创新且务实的建筑设计提升社区生活品质"为核心愿景，深耕低层住宅领域，持续输出注重空间品质、环境性能与长期宜居性的建筑作品。 < Back Atlas Architects Australia Atlas Architects由董事Aaron Neighbour与Ton Vu于2015年4月共同创立，是一家总部位于墨尔本的建筑设计事务所，设有Footscray与冲浪海岸（Surf Coast）两处工作室。事务所以"通过可持续、创新且务实的建筑设计提升社区生活品质"为核心愿景，深耕低层住宅领域，持续输出注重空间品质、环境性能与长期宜居性的建筑作品。 两位董事均以优异成绩获得皇家墨尔本理工大学（RMIT University）建筑学硕士学位，并同时持有被动房研究所（Passive House Institute）颁发的认证被动房设计师资格，使事务所在严谨的技术能力与成熟的设计思维之间形成了高度融合。Neighbour深耕建筑测量领域，精通澳大利亚国家建筑规范，尤其擅长将建筑形态与沿海及自然景观进行相互协调的整合设计。Vu则将其成长于西贡城市巷弄中所形成的空间敏感性与社区意识带入建筑实践，并长期于RMIT大学及墨尔本大学从事建筑与城市设计领域的学术研究与教学工作。 事务所以精简而协作的团队结构运营，确保在设计及施工文件编制的各个阶段均能与业主保持紧密沟通。事务所荣获2024年度澳大利亚By Design Cult大众评选奖，进一步确立了其在澳大利亚建筑设计行业中的专业地位。其作品体现出对材料选用、被动式环境策略与人本化居住空间组织的高度克制与严格把控，这些特质共同构成了Atlas Architects对技术完善且真正宜居建筑的一贯追求。 WEBSITE PROJECT

< 返回 Audeum 声音博物馆 Kengo Kuma and Associates 项目名称：声音博物馆 设计团队：隈研吾建筑都市设计事务所 面积：11009 m² 地点：首尔，韩国 设计特色： 项目 –隈研吾最新力作"声音博物馆"（Audeum）在首尔江南区惊艳亮相，以其创新的声音、建筑与自然元素的融合，重新定义了传统博物馆的体验模式。这座11009平方米的建筑杰作，超越了传统展览空间的界限，打造出一场沉浸式的多感官旅程。 建筑最引人注目的特色是其精妙的外立面设计——由垂直排列的铝制百叶构成，营造出动态的光影交织效果。这个精心设计的立面系统犹如森林间漫射的阳光，随时间推移呈现出变幻莫测的外观。铝管的看似随意却精心策划的排列，在城市肌理与自然环境之间达成了精妙的平衡。 室内空间则巧妙地实现了从金属外表到温润内部的过渡，这要归功于隈研吾独创的"木织帘"技法。这一独特的建筑细节将传统木质装修提升到新的高度，打造出声学效果出众的空间，在强化博物馆声音主题的同时，与自然材质保持着深层的联系。 声音博物馆的与众不同之处在于其对感官体验的整体性追求。它超越了传统的声音展示，巧妙地编织了声音、光线、气流和香氛的交响，开创了全新的博物馆类型。建筑本身化身为一件乐器，旨在唤醒参观者的自然感知能力，在首尔繁华都市中构建了一方声音探索的净土。 在这个数字体验主导的时代，声音博物馆应运而生，成为一个重要的平衡点——这是一个颂扬人类感知本质的空间，树立起当代文化地标的新标杆。 团队 – 1990年，著名日本建筑师隈研吾（1954年生）创立了隈研吾建筑都市设计事务所(Kengo Kuma and Associates，简称KKAA)。经过多年发展，该事务所已成为全球领先且富有经验的情境驱动设计公司，在东京、巴黎、北京和上海均设有办事处，在40多个国家完成了众多创新项目，巧妙融合建筑与自然环境。 隈研吾的设计理念强调与场地的深度联系，巧妙运用自然材料，通过细致入微的干预手法，打造出既尊重当地文化与生态，又能提升人文体验的建筑作品。从大型文化设施到尺度宜人的度假别墅，KKAA的作品涵盖多种尺度和类型，但无一例外地体现了可持续发展和对人与环境关系的深刻理解。 在隈研吾的带领下，KKAA不断推进当代建筑的边界，融合创新技术和传统工艺，实现了远见卓识的设计，重塑了建筑环境的角色定位。迈入第四个十年，KKAA凭借卓越的设计品质和持续的创新精神，已经成为建筑及设计行业的全球重要力量。 Project：Audeum (audio museum) Team：Kengo Kuma and Associates Size：11009 m² Location： Seoul, South Korea Feature： Project - Kengo Kuma's latest masterpiece, Audeum (audio museum), emerges as a groundbreaking sensory museum in Seoul's vibrant Gangnam district, redefining the conventional museum experience through an innovative fusion of sound, architecture, and natural elements. This 11,009-square-meter structure stands as a testament to the evolution of cultural spaces, transcending traditional visual exhibitions to create an immersive, multi-sensory journey. The building's most striking feature is its sophisticated exterior envelope, composed of vertically stacked aluminum louvers that create an ever-changing play of light and shadow. This dynamic façade system, reminiscent of dappled sunlight filtering through a forest canopy, transforms the building's appearance throughout the day and seasons. The seemingly random arrangement of aluminum pipes achieves a delicate balance between chaos and order, responding organically to urban and natural contexts. Interior spaces reveal a masterful transition from the metallic exterior to warm, tactile environments through Kuma's innovative "wood drape" technique. This distinctive architectural detail elevates traditional wood finishing methods, creating acoustically optimized spaces that enhance the museum's audio-focused exhibits while maintaining a profound connection to natural materials. What sets The Audeum apart is its holistic approach to sensory engagement. Moving beyond conventional audio exhibits, the space orchestrates a sophisticated interplay of sound, light, wind, and fragrance, creating an unprecedented museum typology. The architecture itself becomes an instrument, designed to attune visitors to their natural sensory capabilities while providing a sanctuary for acoustic exploration in the heart of Seoul's metropolitan landscape. In a world increasingly dominated by digital experiences, The Audeum emerges as a vital counterpoint – a space that celebrates the fundamentally analog nature of human perception, establishing itself as a pivotal cultural landmark for the contemporary era. Design Team - Founded in 1990 by renowned Japanese architect Kengo Kuma, Kengo Kuma and Associates (KKAA) has established itself as a global leader in thoughtful, context-driven design. With a team of highly skilled professionals across offices in Tokyo, Paris, Beijing, and Shanghai, the firm has completed innovative projects in over 40 countries, seamlessly blending architecture with the natural environment. Kuma's design philosophy emphasizes a deep connection to place, using natural materials and sensitive interventions to craft buildings that elevate the human experience while respecting local cultures and ecologies. From large-scale cultural institutions to intimate residential retreats, KKAA's portfolio showcases a mastery of scale and typology, united by a commitment to sustainability and an innate understanding of how architecture can foster meaningful relationships between people and their surroundings. With Kuma at the helm, KKAA continues to push the boundaries of contemporary architecture, integrating innovative technologies and traditional craftsmanship to realize visionary designs that redefine the role of the built environment. As the firm enters its fourth decade, its reputation for excellence and innovation continues to grow, solidifying its position as a global leader in the field. 设计团队 旅游探访 11009 m² 首尔，韩国 2024 前一项 后一项

< 返回 风之道露台 Naruse Inokuma Architects 项目名称：风之道露台 地点：东京，日本 设计团队：成瀬猪熊建筑设计事务所 建筑面积：1675.39 m² 竣工时间：2024年 摄影：西川公朗 设计特色： 项目 - 坐落于东京新宿区中井街区的风之道露台，是成瀬猪熊建筑设计事务所设计的合作住宅项目，将该地区独特的山坡地形转化为建筑策略。这个拥有20个住宅单元的开发项目位于林芙美子纪念馆对面，处于一个独特的城市景观中，其特征是从北部高地延伸至南部河流的八条平行坡道。 建筑师发现了这些朝南坡道的非凡品质，即使在人口稠密的住宅区，它们也能让风、光和景观得以渗透。设计没有采用传统的建筑形式，而是选择将这一城市框架直接内化到场地中。设计将建筑体量分为六个部分，由五条宽度在1米至1.3米之间的平行缝隙分隔。尽管狭窄，这些垂直间隙确保了天空依然可见，微风得以流通，自然光能够到达室内空间，即便南侧有建筑物存在。 建筑叙事通过两条垂直的流线组织展开：一条内部走廊服务于12个单元，一条外部北侧路径连接8个单元。这些看似分离的路径通过缝隙保持视觉联系，同时在建筑后部汇合形成连续的环路。这种配置允许居民，特别是儿童，自由穿越整个开发项目，甚至可以在建筑内玩捉迷藏和追逐游戏。 该项目刻意避免创建大型公共区域，而是通过路径和缝隙培养人际关系。这种方法反映了当代集体生活，20户拥有不同生活方式的家庭以轻松的氛围共存，就像生活在一个街区中，而非被迫亲近。广场般的入口区域采用转折角度，创造出供自发聚会的空间口袋。 材料选择体现了功能性与环境响应的结合。钢筋混凝土结构配合部分钢框架提供了结构完整性，而建筑组织优先考虑自然通风和采光。建筑师对城市形态的深刻理解转化为一种建筑策略，使城市的骨架成为居住体验的核心组织原则，创造出既现代又深深扎根于场地特定条件的社区生活模式。 设计团队 - 成瀬猪熊建筑设计事务所由成瀬友梨和猪熊纯于2007年共同创立，是一家总部位于东京的建筑事务所，专注于建筑、景观和室内设计，尤其强调创新的居住类型学和适应性再利用。事务所的两位主持建筑师均毕业于东京大学建筑学专业，领导着一个多学科团队，通过严谨的空间研究和场地分析来处理每个项目。 该事务所获得了广泛认可，包括2023年AACA奖和多个优良设计奖，在不同项目规模上展现出持续的卓越表现。其作品集涵盖合作住宅开发、酒店室内、商业设施和机构空间，代表作品包括获奖的Onn中津川酒店和KOIL创新中心，后者荣获JID奖大奖。 成瀬猪熊建筑设计事务所的设计方法论优先考虑城市肌理与建筑干预之间的关系，常常从场地特定条件中提取组织原则。这一方法在风之道露台等项目中得以体现，地形特征决定了空间配置，以及他们早期在神乐坂的坂之上露台合作住宅项目。事务所保持着紧密的学术联系，两位主持建筑师均在日本顶尖大学担任教职，促进实践与理论研究之间的持续对话。 目前的设计团队由成瀬友梨和猪熊纯领导，成瀬友梨担任代表取缔役兼一级建筑师，猪熊纯担任社长兼一级建筑师。团队成员包括山形阳平、大林恵理子、金田骏也等人。这种多学科团队结构确保了设计理念的延续性，同时为当代居住模式带来了创新视角。成瀬猪熊建筑设计事务所的作品始终展现出对当代城市语境中密度、流线和社区形成的精妙处理。 设计团队 旅游探访 1675.39 m² 东京，日本 2024 前一项 后一项

< 返回 东急歌舞伎町塔 永山裕子+久米设计 设计特色： 项目 – 东京新落成的东急歌舞伎町塔是一座令人瞩目的综合体项目，颂扬了这个著名娱乐区的蓬勃活力与精神。由永山裕子建筑事务所、久米设计和Tokyu Architects & Engineers合作设计，这座48层高塔的外立面设计别出心裁，向曾经坐落于该址的喷泉致敬。设计团队采用了独一无二的手法，在塔楼上层安装了超过4000块印花玻璃，陶瓷点状图案象征着喷泉的活力水花。下方的玻璃幕墙则精心雕琢了波浪形纹路，令人联想到水流飞溅的动态景象。底层以类似青海波图案的铸铝框架建筑外表皮，融入了传统日式文化元素，其颜色来源于前米兰剧院的红棕色外墙，作为对过往岁月的一种致敬，构筑了半透明的外立面效果。整体设计远离了传统摩天大楼那种睥睨威严的表达，而是努力捕捉歌舞伎町自由奔放的生命活力，塑造了一种若即若离的飘渺之感。正如永山裕子所言:"这种流动的设计已成为当地全新的地标符号"。在室内设计上其延续了波浪的主题，天花板仿佛在起伏流动，部分玻璃幕墙更营造出漫流的水波之感，其他墙壁搭配金属材料如管状铝件组合，塑造出喷泉冰瀑等不同奇妙氛围。整个空间氛围赋予人们沉浸式的体验，如同投身于一处精心构筑的泉水中，让其感到暂时逃离现实的囹圄。 团队 – 永山裕子建筑事务所由日本建筑师永山裕子于2002年在东京创立，近年来迅速成为日本最富创意和雄心勃勃的建筑设计团队之一。该事务所以挑战传统、将传统元素重新诠释为当代建筑语言而著称。在永山裕子的领导下，事务所屡获殊荣，其富有诗意的Teshima Yokoo House于2014年获颁日本建筑师协会青年建筑师奖。著名地标Goddess of the Forest Central Garden更于2017年荣获山梨县建筑文化奖及2018年东京建筑奖卓越奖。最近其Jins Park Maebashi还获得2023年iF设计大奖。其设计团队巧妙融合了建筑、艺术及环境元素，无论是住宅、文化、商业还是公共建筑，均展现出大胆概念化的设计风格，通过赋予空间叙事性，升华使用者的体验。凭借无穷无尽的创意激情与精湛技艺，永山裕子建筑事务所持续开拓超越功能性需求，启发人与自然世界更深层连结的建筑创作之路。 Feature： Project - The newly completed Tokyu Kabukicho Tower in Tokyo is a striking mixed-use development that celebrates the iconic energy and spirit of the city's famous Kabukicho entertainment district. Designed by a team including Yuko Nagayama & Associates, KUME SEKKEI Co., and Tokyu Architects & Engineers, the 48-story tower features a distinct facade that pays homage to the fountain that once graced the site's public plaza. In a unique design move, over 4,000 printed glass panels adorn the tower's upper levels, their ceramic dot patterns representing the dynamic spray of the former fountain. Below, intricate wave patterns across the glazing and gradient window arches further evoke the sense of flowing water. The lower portion features a lace-like cast aluminum exterior incorporating traditional Japanese waveform motifs in a translucent veil. The design rejects the typical authoritarian expression of skyscrapers, instead aiming to capture the free-spirited vitality of Kabukicho through an ephemeral, almost phantom-like form. As Yuko Nagayama & Associates explains, "This wavering design has become a new symbol of the district." Inside, the wave-like motif continues in ceilings that appear to undulate and water-inspired features like chain-link glazing meant to mimic liquid flow. The immersive environment extends the fountain concept to provide an imaginative escape. Design Team - Founded in 2002 by principal architect Yuko Nagayama, YUKO NAGAYAMA & ASSOCIATES has rapidly emerged as one of Japan's most creative and ambitious architectural practices. Headquartered in Tokyo, the firm is renowned for its explorative designs that challenge conventions and reinterpret traditional elements into contemporary architectural language. Under Nagayama's visionary direction, the studio has garnered numerous accolades, including the prestigious 2014 JIA Young Architect Award for their poetic Teshima Yokoo House. Their landmark Goddess of the Forest Central Garden captured the 2017 Yamanashi Cultural Prize of Architecture and 2018 Tokyo Architecture Award for Excellence. Most recently, their JINS PARK Maebashi project received a 2023 iF Design Award. The firm's multidisciplinary team, including design principals Tomosuke Hanatsumi and Misaki Ide, seamlessly integrates architecture, art, and environment. Their diverse portfolio spans residential, cultural, commercial, and public projects unified by a bold, conceptual approach that elevates user experiences through evocative spatial narratives. With restless creativity and technical mastery, YUKO NAGAYAMA & ASSOCIATES continues pioneering architecture that transcends mere functional needs to inspire deeper connections between the built and natural worlds. 设计团队 旅游探访 87400 m² 日本，东京 2023年 前一项 后一项

< 返回 FENIX艺术博物馆 MAD建筑事务所 项目名称：FENIX艺术博物馆 地点：鹿特丹，荷兰 设计团队：MAD建筑事务所 建筑面积：8000 m² 竣工时间：2025年 摄影：Iwan Baan, Titia Hahne, Iris van den Broek 设计特色： 项目 - MAD建筑事务所将鹿特丹港区一座具有历史意义的16000平方米航运仓库改造为FENIX艺术博物馆，这是一座专门通过艺术视角探索移民主题的全新文化机构。该项目于2025年完工，标志着MAD建筑事务所首个欧洲公共文化建筑项目的落成，同时也是首座由中国建筑事务所在欧洲建造的博物馆。 FENIX艺术博物馆的设计围绕一个清晰的概念展开：在尊重工业遗产的基础上，创造连接过去与未来的文化空间。建筑师没有彻底重建这座百年仓库，而是通过精心的修复和当代介入，保留了建筑的历史特征，包括恢复172米长立面至1950年代的战后外观，修复特色滑动门并重新涂成原始绿色。 项目的核心亮点是位于建筑中心的"龙卷风"（Tornado）——一座双螺旋楼梯，由297块抛光不锈钢板包覆，从地面层螺旋上升穿透屋顶，通向24米高的户外观景平台。这一动态结构不仅提供了壮观的鹿特丹和马斯河全景，更成为整个博物馆的视觉和精神核心。龙卷风内部是一条550米长的双螺旋木质楼梯，采用可持续的挪威Kebony改性木材制成。 材料选择方面，建筑师特意保留了仓库原有的混凝土柱和开放空间，创造了跨越两层的灵活展览空间。地面层包含展览和活动空间，而楼上画廊则专门陈列FENIX收藏品。建筑中央的玻璃屋顶为龙卷风提供自然采光，同时照亮下方的入口中庭。 可持续性设计方面，建筑配备了6750平方米的景天植物绿色屋顶，按照呼应龙卷风形态的同心圆图案布局。建筑采用热能储存系统（TES），将建筑多余热量储存在土壤中，通过热泵产生适宜的室内温度，可节省高达60%的供暖能耗和80%的制冷能耗。 通过将历史保护、当代介入与可持续技术相结合，MAD建筑事务所创造了一个超越传统博物馆概念的文化目的地，真实地表达了FENIX博物馆通过艺术探索人类迁徙历史的使命，同时为鹿特丹港区注入了新的活力。 设计团队 - MAD建筑事务所成立于2004年，由马岩松创立，目前由马岩松、党群和早野洋介共同领导。该事务所致力于发展未来主义、有机化、技术先进的设计，体现了对东方自然亲和力的当代诠释。 事务所的代表作品包括鄂尔多斯博物馆（2011年）、哈尔滨大剧院（2015年）、光之隧道（2018年，日本）和海口云洞图书馆（2021年）等，其中哈尔滨大剧院被《电讯报》评为"世界最佳音乐厅"，并荣获ArchDaily年度建筑奖文化建筑类别奖项。 在马岩松、党群和早野洋介的持续领导下，MAD已获得多项国际认可，包括多次荣获A+设计奖、世界建筑新闻奖（WAN Awards）和高层建筑与城市住宅委员会奖（CTBUH）。马岩松毕业于北京建筑工程学院和耶鲁大学建筑学院；党群毕业于清华大学建筑学院和伊利诺伊理工学院；早野洋介毕业于京都工艺纤维大学和哥伦比亚大学建筑学院，三人的国际化背景为事务所带来了多元视角。 MAD的设计方法论强调基于居民精神和情感需求的未来城市愿景，努力在人性、城市和环境之间创造平衡。他们将建筑视为连接传统与现代、东方与西方的桥梁，在FENIX艺术博物馆项目中充分展现了这一理念。 Project Name: FENIX ART MUSEUM Location: Rotterdam, Netherlands Design Team: MAD Architects Total Floor Area: 8000 m² Completion: 2025 Photography: Iwan Baan, Titia Hahne, Iris van den Broek Design Features: Project - MAD Architects transformed a historic 16,000-square-meter shipping warehouse in Rotterdam's port district into the FENIX Art Museum, a major new cultural institution exploring migration through the lens of art. Completed in 2025, this project marks MAD Architects' first public cultural building in Europe and represents the first museum built by a Chinese architecture firm in Europe. The design of FENIX Art Museum began with a clear concept: creating a cultural space that connects past and future while respecting industrial heritage. Rather than completely rebuilding the century-old warehouse, the architects implemented careful restoration and contemporary interventions, preserving the building's historic character including restoring the 172-meter-long façade to its 1950s post-war appearance and refurbishing the characteristic sliding doors in their original green color. The core highlight of the project is the centrally positioned "Tornado"—a double-helix staircase clad in 297 polished stainless steel panels that spirals from the ground floor through the roof to an outdoor viewing platform 24 meters above ground level. This dynamic structure not only provides spectacular panoramic views of Rotterdam and the Maas River but also serves as the visual and spiritual core of the entire museum. Inside the Tornado is a 550-meter-long double-helix wooden staircase made from sustainable Norwegian Kebony modified wood. In terms of material selection, the architects deliberately preserved the warehouse's original concrete columns and open spaces, creating flexible exhibition areas across two floors. The ground floor contains exhibition and programming spaces, while the upper galleries are dedicated to the FENIX Collection. A glass roof above the central atrium provides natural light for the Tornado while illuminating the entrance lobby below. Regarding sustainable design, the building features a 6,750-square-meter green roof planted with sedum arranged in concentric patterns echoing the Tornado's form. The building employs a Thermal Energy System (TES) that stores excess heat in the soil and uses a heat pump to generate appropriate indoor temperatures, saving up to 60% in heating energy and 80% in cooling energy. By combining historic preservation, contemporary intervention, and sustainable technology, MAD Architects has created a cultural destination that transcends traditional museum concepts, authentically expressing FENIX Museum's mission to explore human migration history through art while injecting new vitality into Rotterdam's port district. Design Team - MAD Architects was established in 2004 by Ma Yansong and is currently led by Ma Yansong, Dang Qun, and Yosuke Hayano. The firm is committed to developing futuristic, organic, technologically advanced designs that embody a contemporary interpretation of the Eastern affinity for nature. Representative works include Ordos Museum (2011), Harbin Opera House (2015), Tunnel of Light (2018, Japan), and Cloudscape of Haikou (2021), with Harbin Opera House being recognized as one of "The World's Best Concert Halls" by Telegraph and winning the ArchDaily Building of the Year Award in the Culture Architecture category. Under the continued leadership of Ma Yansong, Dang Qun, and Yosuke Hayano, MAD has gained international recognition, including multiple A+ Awards, WAN Awards, and Council on Tall Buildings and Urban Habitat (CTBUH) awards. Ma Yansong graduated from Beijing University of Civil Engineering and Architecture and Yale School of Architecture; Dang Qun graduated from Tsinghua University School of Architecture and Illinois Institute of Technology; Yosuke Hayano graduated from Kyoto Institute of Technology and Columbia University Graduate School of Architecture, their international backgrounds bringing diverse perspectives to the firm. MAD's design methodology emphasizes a vision for future cities based on residents' spiritual and emotional needs, striving to create balance between humanity, the city, and the environment. They view architecture as a bridge connecting tradition and modernity, East and West, a philosophy fully demonstrated in the FENIX Art Museum project. 设计团队 旅游探访 8000 m² 鹿特丹，荷兰 2025 前一项 后一项

< 返回 2025年大阪世博会中国馆 本土设计研究中心 项目名称：2025年大阪世博会中国馆 地点：大阪梦洲岛，日本 设计团队：本土设计研究中心 建筑面积：3509 m² 竣工时间：2025年 摄影：Li Ji, Arch-Exist 设计特色： 项目 - 本土设计研究中心在2025年大阪世博会上打造了3509平方米的中国馆，这是外国自建展馆中规模最大的项目之一。该建筑以"中国竹简"为设计概念，将竹子、汉字和古代卷轴等文化丰富的象征元素融入建筑设计中。通过现代数字时代的视角重新诠释古代信息载体竹简，展馆不仅讲述了中国数千年的历史，更展示了生态文明的发展进程，完美体现了"构建生命共同体：面向明日社会的绿色发展"这一主题。 该项目最独特的特色在于其对空间序列的精心编排。建筑师没有创造传统的展览大厅，而是运用竹简逐渐展开的空间母题，将狭长的场地转化为引人入胜的花园式展览路径。参观者在高度、光线和景观不断变化的蜿蜒空间中穿行，体验东方美学的精妙雅致。主题展览依次展开，创造出如同宏伟山水画卷般的动态旅程。 位于世博会场核心区域的中国馆南临主要道路，西邻中央景观区"静谧之森"。建筑的西立面设置了纤细的格栅帘幕，仿若竹制屏风。帘幕后方是竹林小径，远处树木轻柔摇摆。这种相互作用营造出东方园林氛围，使参观者能够透过层层面纱与"静谧之森"互动，体验东方哲学核心理念——人与自然的和谐共存。 "竹简"概念超越了单纯的立面设计，它塑造形式、暗示功能、定义材料、传达文化。在古代中国，竹简是极为重要的知识载体；在现代，它象征着传统与信息革命之间的桥梁。展馆的"中国竹简"从小尺度发展到纪念性尺度，从平面形式演变为立体形式，从字面表达转向抽象表现，从静态立面进化为沉浸式深度体验。这一发展历程映射了文明的进步，从传统文字信息传播过渡到现代电子数据传播，体现了从历史走向未来的旅程。 在材料选择上，展馆设计与建造优先考虑绿色可持续性。虽然由于当地法规和时间限制，原计划的现代竹结构改为钢结构，但竹材仍是主要外装材料，因其生长周期短、高碳吸收能力、生物降解性、柔韧性和低导热性而被选用。屋顶采用半透明聚碳酸酯板和膜状天花板，模拟宣纸效果，将自然光柔和地引入空间。竹墙间的缝隙允许微风和阳光渗透，促进展览与环境的互动，将建筑空间与主题内容融为一体。 作为临时性世博建筑，中国馆采用完全模块化的预制工法，确保了效率、质量以及会后拆卸和再利用的便利性。这种设计方法避免了高耗能的暗色展厅，提高了生态效率，体现了展馆从概念到建造全过程的可持续发展理念。 团队 - 本土设计研究中心成立于2014年2月19日，其前身是创建于2003年的崔恺工作室，由中国工程院院士、中国建筑设计研究院有限公司总建筑师崔恺主持。该中心代表着二十年建筑卓越成就，已确立其在情境响应式设计领域的先锋地位，强调将自然与文化遗产资源融入当代建筑解决方案。 经过二十年的实践，中心已完成200余个项目，其中建成作品超过100项，在多样化建筑类型中展现出卓越的适应性，包括博物馆、剧院、文化中心、图书馆、教育校园、历史建筑更新以及酒店、商务办公楼等公共建筑及公共景观。该中心在新型绿色建筑和城市更新方面有深入研究，同时对乡村振兴项目保持强烈关注。这些年来共获得地方、国家及国际建筑奖项100余项，在业界有着广泛的影响。 在崔恺院士的带领下，本土设计研究中心一直坚持立足本土的建筑创作道路，设计哲学以"扎根本土主义"为核心，从每个项目的特定环境中寻找自然和人文历史资源，在此基础上创作出有鲜明地域特色的建筑。这一方法论为中心赢得了100余项地区、国家和国际奖项，在建筑学术领域确立了重要影响力。 本土设计研究中心强调认真负责的服务意识，平等开放的交流氛围，务实严谨的工作态度，以及团结友爱的集体精神。中心每年都吸收青年的设计英才加入，也接待大量的优秀实习生，还为集团培养和输送了许多骨干人才。除了经常性的专业学习培训，还参加国内外学术论坛、展览、考察，出版作品专辑和发表学术论文等等，形成了一个有活力、有追求、享有良好声誉的设计团队。 目前本土设计研究中心拥有65名专业人员，组织架构包括一个研究室、三个设计工作室和一个行政办公室，持续吸引新兴人才，同时通过国际论坛、出版物和学术合作促进协作知识交流，保持其作为充满活力且备受尊敬的设计咨询机构的地位。中国馆项目充分展现了他们将文化概念转化为建筑体验的卓越能力。 Project Name: China Pavilion at Expo 2025 Osaka Location: Yumeshima Island, Osaka, Japan Design Team: Native Design Research Center Building Area: 3,509 m² Completion: 2025 Photography: Li Ji, Arch-Exist Design Features: Project - Native Design Research Center created the China Pavilion at the 2025 Osaka World Expo, covering 3,509 square meters as one of the largest foreign self-built pavilions at the event. Inspired by the concept of "Chinese Bamboo Scrolls," the architectural design integrates culturally rich symbols such as bamboo, Chinese characters, and ancient scrolls. By re-imagining bamboo slips—an ancient medium of information—through the lens of today's digital age, the pavilion narrates China's millennia-long history, showcases its ecological civilization advancements, and embodies the theme of "Building a Shared Future for Life: Green Development for Tomorrow's Society." The project's most distinctive feature lies in its sophisticated spatial choreography. Rather than creating conventional exhibition halls, the architects employed a gradually unfolding spatial motif of bamboo scrolls, transforming the elongated site into a captivating, garden-like exhibition route. Visitors are guided through winding spaces that shift in height, light, and scenery, evoking the subtle elegance of Eastern aesthetics. Themed exhibitions unfold sequentially, creating a dynamic journey reminiscent of a majestic landscape scroll. Located in the core area of the Expo site, the China Pavilion faces a major road to the south and neighbors the central landscape area, "Serene Forest," to the west. The pavilion's western facade features slender grille curtains resembling bamboo screens. Behind these curtains lie bamboo-lined paths, while beyond them, trees sway gently. This interplay creates an Eastern garden ambiance, allowing visitors to interact with the "Serene Forest" through the veiled layers, experiencing the harmonious coexistence of humanity and nature central to Eastern philosophy. The "bamboo scroll" concept transcends mere facade design—it shapes form, implies function, defines materials, and conveys culture. In ancient China, bamboo slips were vital carriers of knowledge; today, they symbolize a bridge between tradition and the information revolution. The pavilion's "Chinese Bamboo Scrolls" evolve from small to monumental scales, flat to three-dimensional forms, literal to abstract expressions, and static facades to immersive depths. This progression mirrors civilizational advancement, transitioning from transmitting traditional textual information to disseminating contemporary electronic data, embodying a journey from history to the future. In terms of material selection, the pavilion's design and construction prioritize green sustainability. Initially planned as a modern bamboo structure using domestically produced bamboo scrimber, it shifted to steel due to local regulations and timeline constraints. However, bamboo remains the primary cladding material, chosen for its short growth cycle, high carbon absorption, biodegradability, flexibility, and low thermal conductivity. Translucent polycarbonate panels and membrane ceilings on the roof mimic rice paper, filtering natural light into the space. Gaps between bamboo walls allow breezes and sunlight to permeate, fostering interaction between exhibitions and the environment while merging architectural space with thematic content. As a temporary Expo structure, the pavilion adopts fully modular and prefabricated construction, ensuring efficiency, quality, and ease of post-event dismantling and reuse. This approach avoids energy-heavy darkened halls and enhances eco-efficiency, demonstrating the pavilion's commitment to sustainable development throughout the entire process from concept to construction. Design Team - Native Design Research Center was established on February 19, 2014, evolved from the original Cui Kai Studio founded in 2003, under the leadership of Academician Cui Kai, Chief Architect of China Architecture Design & Research Group. The center represents two decades of architectural excellence and has established its position as a pioneer in contextually-responsive design, emphasizing the integration of natural and cultural heritage resources into contemporary architectural solutions. Over twenty years of practice, the center has delivered more than 200 projects with over 100 built works, demonstrating exceptional versatility across diverse typologies including museums, theaters, cultural centers, libraries, educational campuses, adaptive reuse projects, hospitality, and commercial developments. The center has conducted in-depth research in innovative green building design and urban regeneration, while maintaining strong commitment to rural revitalization projects. Over these years, it has garnered over 100 regional, national, and international architectural awards, establishing significant influence within the industry. Under Academician Cui Kai's leadership, Native Design Research Center has consistently adhered to the path of locally-rooted architectural creation. The design philosophy centers on "rooted localism," extracting natural and cultural historical resources from each project's specific environment to create architecturally distinctive responses that embody regional character. This methodology has earned the center over 100 regional, national, and international awards, establishing important influence within architectural academia. Native Design Research Center emphasizes responsible service consciousness, equal and open communication atmosphere, pragmatic and rigorous work attitude, and collective spirit of unity and friendship. The center annually attracts talented young designers, hosts numerous excellent interns, and has cultivated and contributed many key talents to the group. Beyond regular professional training, they participate in domestic and international academic forums, exhibitions, study tours, publish monographs, and academic papers, forming a dynamic, ambitious design team with excellent reputation. Currently, Native Design Research Center operates with 65 professionals organized into one research laboratory, three design studios, and one administrative office, continuously attracting emerging talent while fostering collaborative knowledge exchange through international forums, publications, and academic partnerships, maintaining its position as a dynamic and respected design consultancy. The China Pavilion project fully demonstrates their exceptional ability to transform cultural concepts into architectural experiences. 设计团队 旅游探访 3509 m² 大阪梦洲岛，日本 2025 前一项 后一项

< 返回 Nazuna京都东本愿寺酒店 STUDIO ALUC 项目名称： Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji 地点： 京都，日本 设计团队： STUDIO ALUC 项目面积： 595㎡ 竣工时间： 2024年 摄影： Kenta Hasegawa 设计特色： 项目 – 日本建筑事务所STUDIO ALUC完成了一项令人瞩目的改造项目，将一座有着百年历史的京都町屋改造成"Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji"精品酒店。这座595平方米的建筑位于东本愿寺御影堂门对面，展现了历史保护与现代设计创新之间的完美平衡。 建筑师最显着的干预是通过连接屋顶将原本分离的东西两翼统一起来，同时保持建筑的历史完整性。STUDIO ALUC没有掩盖建筑在百年间经历的多次改造痕迹，而是刻意突出这些时间的交汇点，创造出他们所描述的"不同时代工艺相遇时呈现出独特的美感与韵味"。 空间布局体现了对传统町屋建筑的深刻理解，同时融入现代奢华设施。西翼保留了原有的土间（传统入口空间），现在与两个精心布置的庭院（坪庭）相连，这些庭院巧妙地解决了传统町屋采光不足的问题，同时创造出室内外空间的私密联系。 项目最独特之处在于其精致的住宿设计。西翼二层设有三间客房，透过樱花可以欣赏到寺院景观，每间都配备了桧木浴缸。东翼则打造了独特的复式客房，横跨二三层，通过传统箪笥楼梯通达。每个房间都融入传统工艺元素，从外露的屋顶梁到用回收材料制作的床之间（装饰性壁龛），创造出真实而奢华的住宿体验。 这项改造的与众不同之处在于它对历史细节的细致关注，同时无缝融入现代舒适需求。主创建筑师龟田淳和佐佐木寛奈创造了一个空间，不仅仅是保护历史，更通过深思熟虑的设计干预让客人能够主动体验历史，架起过去与现在的桥梁。 团队 – STUDIO ALUC 由龟田淳（Jun Kameda）和佐々木寛奈（Hirona Sasaki）于 2020 年创立，是一家独具特色的东京设计事务所，致力于在不同空间尺度上无缝融合概念开发与实际执行。该事务所的理念围绕在当代社会中探索人类体验与空间真实性之间的本质关系。 STUDIO ALUC 采用全面的设计方法，涵盖产品与家具设计、室内建筑、景观规划等多个领域，其作品涉及商业空间、酒店、住宅项目及展览设计等。其方法论兼顾理性分析与感官体验的精准平衡，并常与跨学科专业人士合作，包括建筑师、景观设计师和摄影师，以实现整体化的设计解决方案。 在创立 STUDIO ALUC 之前，两位创始人曾在 TONERICO:INC. 深耕多年，他们的作品屡获国际认可，其中 “sisu” 项目荣获 2023 年 A' Design Award 铜奖及 iF 设计奖。近期的荣誉彰显了 STUDIO ALUC 在当代日本设计领域的崭露头角，而其最新的酒店项目——Nazuna京都东本愿寺酒店，则充分展现了他们以当代设计手法敏感诠释历史背景的能力。 Project Name: Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji Location: Kyoto, Japan Design Team: STUDIO ALUC Lead Architects: Jun Kameda, Hirona Sasaki Project Area: 595㎡ Completion: 2024 Photography: Kenta Hasegawa Feature： Project - Japanese architecture firm STUDIO ALUC has completed an exquisite renovation of a 100-year-old machiya in Kyoto, transforming the traditional townhouse into Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji. The 595-square-meter project, situated opposite the historic Mikage-do Gate of Higashi Honganji Temple, exemplifies a masterful balance between preservation and contemporary design innovation. The architects' most significant intervention was unifying two previously separate structures – the east and west wings – through a connecting roof while maintaining the building's historical integrity. Rather than concealing the multiple layers of renovation that the building has undergone over its century-long existence, STUDIO ALUC deliberately highlighted these temporal intersections, creating what they describe as "points where carpentry from different eras meet reveal a unique beauty and charm." The spatial organization reflects a deep understanding of traditional machiya architecture while incorporating modern luxury amenities. The original earthen floor (doma) in the west wing has been preserved and now flows into two carefully positioned courtyard gardens (tsuboniwa) that serve as natural light wells. These courtyards ingeniously solve the typical lighting challenges faced in traditional machiya while creating intimate connections between interior and exterior spaces. The project's most distinctive feature is its sophisticated accommodation design. The west wing's second floor houses three rooms offering views of the temple through cherry blossoms, each equipped with hinoki cypress baths. The east wing features unique duplex rooms spanning the second and third floors, accessed via traditional tansu (chest of drawers) staircases. Each room incorporates elements of traditional craftsmanship, from exposed roof beams to reclaimed-material tokonoma (decorative alcoves), creating an authentic yet luxurious guest experience. What sets this renovation apart is its careful attention to historical detail while seamlessly integrating modern comfort requirements. Lead architects Jun Kameda and Hirona Sasaki have created a space that doesn't simply preserve history but allows guests to actively experience it through thoughtful design interventions that bridge past and present. Design Team - Founded in 2020 by Jun Kameda and Hirona Sasaki, STUDIO ALUC has established itself as a distinctive Tokyo-based design practice that seamlessly integrates concept development and execution across various spatial scales. The firm's philosophy centers on discovering the essential relationships between human experience and spatial authenticity in contemporary society. The studio's comprehensive approach spans from product and furniture design to interior architecture and landscape planning, with their portfolio encompassing commercial spaces, hospitality venues, residential projects, and exhibition design. Their methodology is characterized by a meticulous balance between rational analysis and sensory experience, often collaborating with cross-disciplinary professionals including architects, landscape designers, and photographers to achieve holistic design solutions. Prior to establishing STUDIO ALUC, both principals honed their expertise at TONERICO:INC. under the mentorship of industry veterans Hiroshi Yoneya, Ken Kimizuka, and Yumi Masuko. Their work has garnered international recognition, including the 2023 A' Design Award Bronze and iF Design Award for the 'sisu' project. The practice's recent accolades demonstrate their emerging influence in contemporary Japanese design, while their recent hotel project, Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji, exemplifies their ability to sensitively interpret historical contexts through contemporary design interventions. 设计团队 旅游探访 595m² 京都，日本 2024 前一项 后一项

< 返回 Aster by Joshua Paris餐厅 RooMoo Design Studio 项目名称：Aster 地点：上海，中国 设计团队：RooMoo Design Studio 建筑面积：309 m² 竣工时间：2025年 摄影：Wen Studio 设计特色： 项目 - 位于上海的Aster餐厅，由英国主厨Joshua Paris领衔，RooMoo Design Studio设计，呈现了一次将植物几何学转译为沉浸式空间体验的创新表达。这座309平方米的餐厅以其同名花卉紫菀为灵感，紫菀在希腊语中意为"星"，设计将花朵的自然结构——中心花盘被辐射花瓣环绕——转化为空间体验，邀请宾客在花心相聚，于星光下用餐。 该设计最独特的特征是其创新的"花冠"装置设计概念。头顶由39片模块化框架以15度为间距顺时针螺旋排列而成，每个框架承载一片由回收宣纸制成的半透明紫色花瓣。夜幕降临时，周边灯光从外向内扫掠花瓣边缘，将天花板转化为漂移的星云。这种三维起伏的装置与可持续性设计相结合，花瓣可以重新染色，框架可重复使用，在保有仪式感的同时兼顾维护与环保。 项目的建筑叙事通过精妙的空间层次展开，遵循"中心、放射、层叠"的设计手法。空间以中央环形吧台和环抱开放式厨房的就餐吧台为核心，形成花心，建立连续的360度服务半径。吧台作为社交中枢与出品舞台，环厨就餐席位将宾客置于烹饪现场的触手可及之处，实现与主厨的直接互动。吧台底部柔和的光晕与头顶装置相呼应，汇成自内而外的光场。这种垂直构图创造了动态的氛围体验，同时保持了空间的功能性与亲密感。 材料选择体现了当代设计的精致性与手工艺承诺。吧台及开放厨房就坐区采用手工塑形黏土固化而成的"岩面"肌理，呈现土壤断面的层理与时间感，将根性安放在可触摸之处。人字形橡木地板从中央吧台向外辐射，如同根系在土壤中延展。石材和木材边缘经过圆角处理确保舒适性,而裸露的混凝土结构为温暖的表面提供对比，橡木、石材与混凝土的材料组合如同花萼轻轻兜住的萼片。 立面处理展现了结构与装饰的亲密关系。沿窗布置的分层吊灯延续花卉主题,每一盏均以空间混凝土梁中心线为基准对齐,将结构节奏转译成可见的光序。装饰层内外高度呈细微级差,让每组吊灯各具特色,像花脉朝窗边渐次舒展。每组装饰灯底部同轴嵌入精确的下照单元,确保氛围光与功能光在桌面温柔重逢。 项目的显著特色是其精心编排的空间分层策略和社交价值。沿开放厨房侧廊拾级而上的夹层区域,以胡桃木与绒面营造私密氛围。为化解层高限制,顶面引入古铜色镜面天篷,以抽象花形图案分割,既拉伸垂直感又控制眩光。转入包间,上方"星尘"装置以半透明烟紫花瓣串联成星群,材质从硬到软形成梯度——石与木过渡到软包与织物。该项目由上海锐思派餐饮有限公司委托开发,RooMoo Design Studio负责整体室内设计,上海速霁装饰工程有限公司承担施工,上海佰姿照明工程设计有限公司担任照明顾问,上海逸筑装饰工程有限公司提供定制家具与灯具,展现了多方协作如何提升餐饮空间的美学品质与功能性。建筑通过引人注目的设计确保为上海餐饮文化做出有价值的长期贡献,证明了精致工艺与空间叙事可以在高密度都市环境中共存。这是一座为提升用餐体验而设计的空间,同时保持与可持续设计实践的强烈承诺。空间与城市的联系在精致平衡的对话中无缝整合,创造了用餐和社交互动的意义场所。 主厨Joshua Paris - 英国籍主厨Joshua Paris为Aster带来19年全球烹饪经验。16岁起远赴新西兰开启厨艺之路,足迹遍及新西兰、英国、澳大利亚与中国。曾在上海文华东方酒店58度扒房与名厨Richard Ekkebus共事,亦参与深圳柏悦酒店开业。此后加入法国名厨Paul Pairet的传奇餐厅UV,在极致、精准、无妥协的厨房训练中彻底重塑其料理哲学。他的烹饪信念极为鲜明:始终问"为什么",并将每一道菜磨炼至无法再改进。这种不妥协的精神,正是Aster的灵魂。 设计团队 - RooMoo Design Studio由张韬、张睿和Marine Bois于2017年在上海创立,现已确立其作为国际室内设计领域标杆之一的地位。如今,三位创始创意总监共同领导着一支充满活力的多元文化团队,在上海和法国蒙彼利埃附近设有工作室。 在创始合伙人张韬、张睿和Marine Bois的创意指导下,Aster项目设计团队包括Gino Wang。事务所的高度协作、基于研究的设计方法在创意过程早期整合客户愿景、在地文化和材料工艺。 事务所的设计哲学聚焦于将工业化与手工艺相结合,超越传统餐饮空间限制,追求创造具有情感共鸣和独特体验的空间。他们的设计方法论强调将每个项目视为全新探索,对材料进行深思熟虑的重新定义,为项目量身打造定制家具与灯具,通过设计巧思在功能性和美学之间建立平衡,实现可持续性和视觉卓越。工作室对可持续性和环境保护的承诺,以及对在地化手工艺的重视与尊重,体现在每一次设计构思之中。 显著成就包括荣获Dezeen Awards最佳餐厅室内设计的上海崃州吧,获得多项RBDA Awards的深圳B3餐酒馆和上海光晕餐酒馆,以及获得Dezeen Awards高度赞誉和DFA Awards铜奖的上海松慢民宿等标志性项目。在餐饮空间领域,RooMoo以西安大公鸡小酒馆、杭州大公鸡小酒馆和上海新天地大公鸡小酒馆等项目闻名,展现了工作室在创造品牌连贯性的同时赋予每个空间独特身份的能力。 RooMoo Design Studio通过涵盖酒店、餐厅、酒吧和商业空间的多样化作品集,在全球接待类空间设计领域建立了新的典范,展现出对创新、美学、手工艺和可持续性的持续承诺。工作室经验丰富的设计师团队和项目管理团队致力于在整个项目过程中提供完整且优秀的服务,每个项目皆由创意总监监督与管理,目标是不仅满足客户需求并且超越期待。 设计团队 旅游探访 309 m² 上海，中国 2025 前一项 后一项

< 返回 克拉克住宅 Austin Maynard Architects 项目名称：克拉克住宅 地点：墨尔本，澳大利亚 设计团队：Austin Maynard Architects 建筑面积：206 m² 竣工时间：2025年 摄影：Derek Swalwell 设计特色： 项目 - 澳大利亚建筑事务所Austin Maynard Architects将墨尔本诺斯科特(Northcote)区一座狭小的木板平房改造成一个经过精心分区的家庭住宅，在这里，室内外的传统界限逐渐消融。这个项目于2025年初完工，充分体现了该工作室将日常必需品转化为设计资产的理念。 Clarke House的改造始于一个看似简单的设计要求：创造允许家庭成员"独处而共存"的空间。建筑师没有采用典型的盒状扩建方式，而是设计了一个阶梯式、相互交叠的形态，由木质格栅屏幕统一起来，这一设计服务于多种功能——提供遮阳、确保隐私，并创造了将整体构成联系在一起的视觉语言。 "问题即机遇"是该工作室的信条，这一点在设计如何将自行车存放、垃圾桶和机械设备等平凡必需品直接融入建筑结构中得到了体现。沿着东侧边界，各种设备被隐藏在滑动屏风后面，而之前未充分利用的侧边小巷现在成为了自行车和垃圾桶的存放处。 室内布局引入了一系列口袋花园和采光井，战略性地布置以便为整个房子带来自然光线和通风，最大限度地减少对机械冷却的依赖，并创造了与绿色空间意想不到的视觉连接。最引人注目的是，传统上用于外部的木板外墙延续到了室内，模糊了新旧、内外之间的界限。 为了家中的青少年，建筑师在上层创造了一个半自主的"公寓"，配有通过隐藏门进入的秘密手工艺室——这一俏皮的设计满足了个人需求，同时保持了家庭的凝聚力。休息区如亭子般伸向花园，带有可完全收回的角落窗户，消除了生活空间与景观之间的界限。 这些设计干预以对可持续性的承诺为基础——该住宅采用100%电力运行，配备太阳能电池板、水暖供暖、高性能玻璃窗和全面隔热，体现了该工作室负责任设计的理念，既不牺牲创造力，也不影响宜居性。 团队 - Austin Maynard Architects成立于2002年，当时Andrew Maynard荣获亚太设计大奖的最高奖项。如今，该事务所已发展成为澳大利亚最具创新力的建筑实践之一。作为被Dezeen评为"年度建筑工作室"和被Archello评为"年度小型事务所"的设计团队，他们创造的建筑既具有概念上的雄心，又能对环境做出响应。 在联合总监Mark Austin（澳大利亚皇家建筑师学会会士FRAIA）和Andrew Maynard（FRAIA），以及执行总监Sophie Whittakers的领导下，这家总部位于墨尔本和霍巴特的工作室将每个项目视为独特的空间挑战，而非局限于类型学约束。他们的作品组合涵盖住宅、商业和概念性作品，特点是形式实验和材料创新。 该事务所采用理性的设计方法论，通过与客户的协作参与，解决宜居性、社区连接和可持续发展等问题。这种方法为他们赢得了享有盛誉的堪培拉奖章，使他们跻身于澳大利亚国家美术馆和国会大厦等杰出获奖者之列。 Austin Maynard Architects对环境责任的承诺体现在高性能建筑外壳、被动式设计策略和创新材料应用中。他们的作品证明，建筑的趣味性可以与技术精确性共存，创造出既实用、可持续又概念丰富的空间——这是建筑能力应对当代环境和社会挑战的见证。 Project Name: Clarke House Location: Northcote, Melbourne, Australia Design Team: Austin Maynard Architects Total Floor Area: 206 m² Completion: 2025 Photography: Derek Swalwell Feature: Project - Clarke House is the renovation and extension of a single-storey weatherboard cottage in Melbourne's Northcote district, once void of light, definition, separation, and all hope of personal space. Inspired by their year living in Japan, the owners (work-from-home professionals and their two teenage daughters) asked for more considered and purposeful space. "Something different" guided the design—modern but not stark or boxy, bright and open but also cosy and comfortable, areas to come together and entertain, and private spaces suited to each individual. In realising all aspects of the brief and embedding the solutions into the language of the building, the extension became an unusual stepping and overlapping shape. To unify, a batten screen is set over, providing shade and privacy (to both the owners and their neighbours) and bringing together new and old in a simple meeting of forms. The structural design is ingeniously configured with a new side entry, to bypass private space and reorient access into the centre of the house. The gate opens into the first of three pocket garden/light wells, inviting air flow and views of greenery, penetrating through to the laundry and the home office on each side. Off the entry, a perforated steel staircase leads directly up to the 'apartment', comprising two bedrooms, a central bathroom 'box', a secret pink craft room, and a study/TV/retreat, with a generous hammock utilising the high ceiling. To define the original part of the house with respect to the addition, the external materiality of painted weatherboards is continued internally. Not typically used as an interior wall finish, its application draws the exterior inside, creating visual and spatial separation between the old and newly built, and confusing the perception of inside and out. Bluestone paving is used as internal flooring inside the entry to further reinforce the intent. In strategically avoiding the expansive open-plan living from feeling as the owners feared, "too cavernous" the lounge room extends off the main entertaining zone. Providing just the right amount of space, the form sits slightly raised and protrudes, like a pavilion, sitting within the garden. Design Team - Austin Maynard Architects was established in 2002 when Andrew Maynard won the Asia Pacific Design Award's grand prize. The practice is led by Co-Directors Mark Austin and Andrew Maynard, both Fellows of the Royal Australian Institute of Architects (FRAIA), with Managing Director Sophie Whittakers overseeing daily operations. This Melbourne and Hobart-based studio employs a deliberative design methodology, addressing issues of liveability, community connection, and sustainable development through collaborative client engagement. Their work has been recognized as Architecture Studio of the Year by Dezeen and Small Firm of The Year by Archello, and they are recipients of the prestigious Canberra Medallion, placing them alongside notable buildings like the National Gallery of Australia, The Australian High Court, and Parliament House. The firm is characterized by regarding problems as opportunities, forging creative solutions to turn everyday necessities into design assets. For the Clarke House project, Kathryne Houchin worked alongside Andrew Maynard and Mark Austin as part of the project team, demonstrating their commitment to sustainable architecture—the project is fossil fuel free, 100% electric, with a 6.6KW solar system, electric heat pump hot water system and electric heat pump hydronic heating system, and comprehensive insulation throughout. Austin Maynard Architects' work demonstrates that architectural playfulness can coexist with technical precision, creating spaces that are simultaneously functional, sustainable, and conceptually rich—a testament to architecture's capacity to address contemporary environmental and social challenges. 设计团队 旅游探访 206 m² 墨尔本，澳大利亚 2025 前一项 后一项

< 返回 大苏尔别墅 Field Architecture 项目名称：大苏尔别墅 地点：大苏尔海岸，加利福尼亚，美国 设计团队：FIELD建筑事务所 建筑面积：687 m² 竣工时间：2022年12月 摄影：Joe Fletcher 设计特色： 项目 - FIELD建筑事务所在加利福尼亚大苏尔海岸设计的别墅是一座687平方米的当代住宅杰作，体现了建筑谦逊与环境共生的精妙融合。该项目坐落在受构造运动、冬季风暴、极端太阳辐射、大气盐分和海浪持续运动等自然力量塑造的崎岖场地上，创造出一种建筑与壮观景观和谐对话的非凡视觉效果。 该项目最具革命性的设计特色是其分离式双体量配置：两个石质建筑体通过一座桥梁连接，桥下横跨一条修复的季节性峡谷。这一大胆的组织策略不仅允许建筑师复活一条将圣卢西亚山脉雨水输送至太平洋的原生水道，更创造了一条已经吸引野生动物回归的栖息地走廊。建筑实际上为自然在其心脏地带的流淌让出了空间。 FIELD建筑事务所的设计策略围绕着建筑韧性与景观整合之间的核心平衡展开。厚重的锥形石墙呼应着下方层状的悬崖面，其纤细的灰色砌层与地质结构形成视觉对话。在这些扎根元素之上，分离的屋顶通过巧妙的可操作天窗系统显得漂浮其中，在视觉上与地平线和相邻的蒙特利柏树林融为一体。 主立面作为精心设计的框架发挥作用，将周围的复杂生态环境转化为一系列生动的画面。内部空间优先考虑灵活性和适应性，房间配置被设计为可灵活使用并适应家庭需求的未来变化和演变。从亲密聚会到更包容的定期活动，建筑都能服务于家庭的各种功能需求。 优化的遮阳系统、大型石墙的热质量、天窗通风以及屋顶上的大型太阳能阵列显著降低了能耗。能够承受太阳、风、盐分和火灾暴露的外部材料进一步提高了建筑的耐久性和寿命。所有结构木材均通过FSC认证，其中大部分为再生工程木材。现场化粪池系统消除废物、回收水资源并自然补充地下水位。 大苏尔别墅代表了场地特定海岸现代主义的典范：一种优先考虑生态修复、环境韧性和建筑谦逊的建筑语言，实现了建筑与其壮观环境的完美共生。 设计团队 - FIELD建筑事务所是一家专业从事创造属于土地并促进个人与他们所爱场所之间连接的建筑设计的全方位服务事务所。在父子团队斯坦·菲尔德(Stan Field)和杰斯·菲尔德(Jess Field)的领导下，该事务所对场所营造的兴趣跨越了几代人和多个国家，体现了独特的建筑智慧传承。 斯坦·菲尔德拥有卓越的建筑血统，师从传奇建筑师路易·康(Louis Kahn)，于1968年在宾夕法尼亚大学获得建筑学硕士学位。他拥有数十年的国际经验，曾担任耶路撒冷市首席建筑师，并在三个国家执业，其作品广受赞誉。杰斯·菲尔德出生于南非，从小就沉浸在建筑话语中，通过早期的素描和制图培养了设计流畅性，后来在加州大学伯克利分校以最高荣誉获得建筑学硕士学位，并获得艾斯纳创意成就最高奖。 该事务所的哲学基础以相信建筑应该促进与自然的对话为核心，使人类能够回归成为自然的"一部分"而不是"分离"于自然。这一理念驱动了他们独特的GROUNDSCAPE方法论——一个综合性场地解读过程，始于对每个场所想要成为什么的深刻尊重，探索场地条件、文化背景、可用资源和历史叙述。 FIELD建筑事务所的多学科方法认识到建筑位于艺术与科学、功能与形式的交汇点，将创造性洞察与严格的技术专业知识编织在一起，交付深思熟虑、鼓舞人心、可持续且真实的建成环境。该事务所由才华横溢的个人组成，协作实现每个项目的愿景，体现了丰富的材料敏感性、整体生态思维和工艺完整性的原则。 Project Name: Big Sur House Location: Big Sur Coast, California, USA Design Team: FIELD Architecture Total Floor Area: 687 m² Completion: December 2022 Photography: Joe Fletcher Design Features: Project - FIELD Architecture's Big Sur House is a 687-square-metre contemporary residential masterpiece that embodies the sophisticated fusion of architectural humility and environmental symbiosis. The project is situated on a rugged site shaped by tectonic action, heavy winter storms, extreme solar exposure, atmospheric salinity, and the constant motion of oceanic swells, creating an extraordinary visual dialogue between architecture and the spectacular landscape. The villa's most revolutionary design feature lies in its split pavilion configuration: two stone building masses connected by a bridge that spans a restored seasonal ravine. This bold organizational strategy not only allowed the architects to resurrect a native waterway that carries rainfall from the Santa Lucia mountains to the Pacific Ocean, but also created a habitat corridor that has already attracted returning wildlife. The building literally makes space for nature to flow through its heart. FIELD Architecture's design strategy revolves around the central balance between architectural resilience and landscape integration. Massive tapered stone walls echo the striated cliff faces below, their slender gray courses creating a visual dialogue with geological formations. Above these grounding elements, separated roofs appear to float through an ingenious operable clerestory system, visually merging with the horizon and adjacent Monterey cypress grove. The principal façades operate as carefully designed frames, transforming views of the surrounding complex ecological environment into a series of living tableaux. Interior spaces prioritize flexibility and adaptability, with room configurations designed for flexible use and future adaptation as family needs change and evolve. From intimate gatherings to more inclusive periodic events, the architecture serves the family across a range of functions. Optimized shading systems, thermal mass of large stone walls, clerestory venting, and a large solar array on the roof significantly reduce energy consumption. Exterior materials that can endure solar, wind, saline, and fire exposure further increase the building's durability and longevity. All structural timber is FSC certified, with the majority comprising recycled content engineered timber. An onsite septic system eliminates waste, recycles water, and naturally replenishes water tables. The Big Sur House represents a paradigm of site-specific coastal modernism: an architectural language that prioritizes ecological restoration, environmental resilience, and architectural humility in perfect symbiosis with its spectacular setting. Design Team - FIELD Architecture is a full-service, design-forward practice focused on creating architecture that belongs to the land and fosters connection between individuals and the places they love. Led by father-and-son team Stan Field and Jess Field, the firm's interest in place-making spans generations and countries, embodying a unique inheritance of architectural wisdom. Stan Field brings exceptional architectural pedigree, having studied under legendary architect Louis Kahn and earning his Master of Architecture from the University of Pennsylvania in 1968. He possesses decades of international experience, having served as Chief Architect to the City of Jerusalem and practiced in three countries where his work has been widely acclaimed. Jess Field, born in South Africa and immersed in architectural discourse from an early age, developed design fluency through early sketching and drafting, later earning his Master of Architecture from UC Berkeley with highest honors and winning the Eisner Prize for highest creative achievement. The firm's philosophical foundation centers on the belief that architecture should facilitate a conversation with nature, enabling humans to return to being "a part" of nature rather than "apart" from it. This ethos drives their distinctive GROUNDSCAPE methodology—a comprehensive site-reading process that begins with profound respect for what each place wants to become, exploring site conditions, cultural context, available resources, and historical narratives. FIELD Architecture's multidisciplinary approach recognizes architecture's position at the intersection of art and science, function and form, weaving creative insight with rigorous technical expertise to deliver thoughtful, inspiring, sustainable, and authentic built environments. The studio comprises talented individuals working collaboratively to realize the vision for each project, embodying principles of rich material sensibility, holistic ecological thinking, and integrity of craft. 设计团队 旅游探访 687 m² 加利福尼亚，美国 2022 前一项 后一项