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< 返回 SKIN1004旗舰店 LMTLS 设计特色： 项目 – 这家位于首尔明洞中心的SKIN1004旗舰店，它粗犷的岩石立面与这个邻里典型的玻璃店面形成了强烈对比。项目空间巧妙地在城市环境中汲取“未被触碰的自然”的本质，使用代表“马达加斯加”未开垦景观的丰富的大地色调、有机形状和纹理。走进嶙峋的石头门脸，游客穿过芦苇环绕的“小径”，遇见飘动的巨幅多媒体自然场景，让人完全没入原生态的多感官体验。一楼展览区和二楼休息厅及零售区域之间精心制造的照明效果和视觉连通性加强了这两个空间的凝聚力，它们通过一个有机雕塑中心装置连接在一起。这一极具创新精神的设计由韩国LMTLS设计工作主导，它摆脱了对自然的老套描绘，以充满活力的沙质色调和粗粝质感掩盖了复杂而精心设计的天然灵感与当代风格的融合。这种具创造性的方法塑造了一个引人入胜又意想不到的避风港，与外面喧嚣的城市生活形成强烈对比，作为一个独特的零售环境存在让人神往- 就好像其产品是从地球原生环境提纯出来的一样。 团队 – LMTLS是一家总部位于纽约和首尔的建筑设计工作室，其三位共同创始人Daeho Lee、Beomki Lee和Jaeyual Lee在麻省理工学院(MIT)攻读建筑学硕士学位期间开始了合作。通过他们多年来的默契合作，目前已获得不俗的口碑，其致力于通过创新的设计推动变革，为每个项目找到最佳的设计方向。 Feature： Project - The new SKIN1004 flagship store in the heart of Myeong-dong, Seoul emerges as a striking presence with its textured rock façadecontrasting with the glass storefronts typical of the neighborhood. The space artfully brings the essence of “untouched nature” into the urban setting through rich earth tones, organic shapes and textures that reference the untamed landscapes of Madagascar. Upon entering the craggy stone frontage, visitors traverse reed-lined “trails” and encounter swaying video walls depicting natural scenes, fostering an immersive multisensory connection with raw, primordial nature. Carefully orchestrated lighting and visibility between the exhibition-focused ground floor and the product lounge and retail area above enhance the continuity between the spaces tied together by an organic sculptural centerpiece. The innovative scheme spearheaded by Korean firm LMTLS liberates the brand identity from clichéd representations of nature with vibrant sand-hued tones and rough-hewn textures belying the sophisticated blend of natural inspirations filtered through contemporary form. The creative approach shapes an intriguing and unexpected haven contrasting the teeming urban activity outside, standing as a distinctive retail environment where cosmetics emerge as if concentrated from the very essence of the earth. Design Team - LMTLS is a New York & Seoul based architectural design group whose three co-founders, Daeho Lee, Beomki Lee, and Jaeyual Lee, began their collaboration at the Massachusetts Institute of Technology (MIT) during their Master of Architecture studies. Founded in 2015, the firm is committed to catalyzing change through innovative design, navigating towards the optimal design direction for each project. As stated in their manifesto: "Beyond limits, our creative design thinking transcends constraints, weaving a tapestry of boundless possibilities. Embracing diverse approaches, free from stereotypes, we manifest an endless expression without boundaries." 设计团队 旅游探访 350 m² 韩国 首尔 2023 前一项 后一项

< 返回 木屋 S.O.S Architects 项目名称：木屋 地点：清莱，泰国 设计团队：S.O.S Architects 面积：705 m² 完工时间：2026年 摄影：Rungkit Charoenwat 设计特色： 泰国清莱的山地林区之中，S.O.S Architects 设计的木屋是一座建筑面积达705平方米的商业度假建筑。项目于2026年竣工，由主持建筑师 Chaikla Dangboon 与 Tariya Tiwan 主导设计，其核心立场是将建筑融入自然环境，而非将其作为独立物体强加于场地之上。 建筑体量的形态直接来源于周边山地地貌。各组成体量层叠排布，以呼应连绵山脊的轮廓；倾斜的屋顶线条顺应丘陵起伏，使整座建筑在视觉上自然消隐于环境之中。这一形式逻辑并不止步于外立面，室内天花板的斜向几何延续了建筑外形的语言，使空间体验具有一种与山地景观同源的有机连贯性。 大尺度开口与精心布置的天窗将室外景致引入室内，既框取了四周的森林全景，又捕捉了全天候中阳光在木质表面上流动变化的光影效果。室内氛围因此兼具庇护感与沉浸感，令人在遮蔽之中仍与自然保持深切的联结。 木屋最为突出的特质，在于其对材料的根本性重新定义。事务所与 Champaca Wood 合作，将拆解自当地传统民居的旧柚木屋面瓦片重新用作建筑外皮，同时以通常在加工过程中废弃的边材余料作为室内墙面饰材，光线在其粗粝纹理上投下丰富而细腻的阴影层次。端面木料余块则被压制为拼花地板，以工业废料为原料，生成精致的几何图案与独特的材质肌理。这一系列选择共同表明：可持续性并不必然构成建筑品质的制约，在这个项目中，它恰恰成为建筑性格、质感与场所认同的根本来源。木屋归根结底是一次克制而有力的宣言，关乎一种倾听场地的建筑态度。 设计团队： S.O.S Architects 总部位于泰国，其名称本身即凝缩了核心理念："简约之感"（Sense of Simplicity）。事务所现由主持建筑师 Chaikla Dangboon 与 Tariya Tiwan 领衔，业务范围涵盖建筑设计、室内设计及既有建筑改造，兼顾住宅与商业建筑类型，并以同等严谨的专业态度对待各类项目。 事务所的设计方法论并非起步于某种预设的形式语言，而是建立于细致入微的观察之上，包括对使用者行为模式、空间使用习惯以及项目特定条件的深入理解。复杂性在此并非需要回避的障碍，而是有待提炼的设计原料。每个项目均经历严格的减法过程，识别并剔除冗余元素，最终保留在功能层面不可或缺、在场地语境中最为恰当的设计决策。其成果呈现为逻辑清晰、构成均衡、具有长效空间性能的建筑作品。 S.O.S Architects 有意回避可识别的标志性风格。事务所将每项委托视为独立的定制化命题，设计语言由业主的个体特质塑造，而非源于反复套用的形式惯例。尽管各项目在外观上可能存在显著差异，一以贯之的思维严谨性始终统摄着整体创作脉络，体现于每一层级的设计决策之中，也贯穿于对建筑持久价值的持续追求。 设计团队 旅游探访 705 m² 清莱，泰国 2026 前一项 后一项

< 返回 The Nue Black Aesthetic 新黑人美学设计展 截止日期：2027-8-8 展览由作家、记者及A Vibe Called Tech创始人Charlene Prempeh客座策划，邀请16位当代设计师参与，包括Ini Archibong、Simone Brewster、Mac Collins、Tosin Oshinowo、Samuel Ross和Bianca Saunders等。展览提出“黑人设计并非单一面貌”的观点，重新讨论谁在塑造设计文化，以及设计如何承载复杂的历史和身份经验。 展览共设置六个部分，展出超过100件作品，范围从家具和建筑到时装、雕塑、陶瓷和装置。展览还将以Ini Archibong的新场域委托作品作为收束，进一步连接设计、工艺、声音和空间体验。 展览时间为2026年11月6日至2027年8月8日，地点为伦敦设计博物馆。门票已经开始销售，价格和开放时间以博物馆官方网站为准。 立刻前往 前一项 后一项

< 返回 金沙酒业文旅区综合体 殊至建筑 项目名称：金沙酒业文旅区 地点：毕节，中国 设计团队：hyperSity Architects殊至建筑 建筑面积：21966平方米 竣工时间：2025年 摄影：Weiqi Jin 设计特色： 项目 - 金沙酒业文旅区由hyperSity Architects殊至建筑设计，展现了通过历史遗存转化和网格化空间组织重新构想传统酒厂的创新空间解决方案。项目位于贵州省金沙县大水岭，赤水河流域上游，其设计理念源自推动品牌从"卖酒"向"卖生活方式"转型的愿景，突出了在当代文化旅游环境中通过建筑打破传统工业封闭壁垒的可能性。 该项目最引人注目的成就在于其革命性的"控制性网格"设计理念。建筑师没有采用常规的工厂配置，而是基于"一分钟步行可达性"原则划分网格单元，创造出与酿酒工艺节奏产生共鸣的动态组织。从项目构思之初，这种网格就标定了概念起点：一座从生产逻辑向外延展的文旅综合体，每个单元都与固定功能和灵活空间保持直接关系。网格呼应"12987"酿酒工艺（一年生产周期、二次投料、九次蒸煮、八次发酵、七次取酒）的秩序与灵活性。 建筑形态通过精妙的历史原型演化组织，分布于保留、抽象、延伸、叠加四个阶段但具备丰富的空间层次。展厅按原貌修复保留历史特征，博物馆采用几何重构，廊道与庭院创造"室内外无缝连接"的展陈体验。体验中心采用"大院套小院"的布局形态，研发中心垂直叠加成"山形"体量，嵌入中庭与空中连廊增强团队互动。 立面处理展现当代设计的精妙，简洁而有效，通过青砖与混凝土材料强化历史文脉的在场性，为整体提供质朴质感同时确保场地记忆的延续性。开口的战略性布置，不仅满足采光通风需求，更提供视觉焦点，强化了文旅综合体的开放特质。 材料运用体现了与地域文化的深度对话。金沙酒业文旅区被构想为一个建筑姿态，向赤水河流域酿酒传统以及历史建筑与当代功能之间的本质连接致敬，展现出当代中国文旅建筑在处理文化传承和产业创新时的成熟度和创新性。项目通过透明走廊促进生产观摩体验，将轻量化生产过程向访客开放。绿地与广场向公众开放，定期举办酱香型白酒科普活动，实现企业与公众的连接。四座核心建筑（展示中心、博物馆、体验中心、研发中心）实现"三个连接"：连接生产与体验、连接产业与城市、连接企业与公众。70亩核心区域内，网格单元根据固定功能（博物馆、酿造技艺展示区）和灵活空间（临时活动场地）进行配置，创造适宜酿酒微生物的微环境，同时消解传统工厂的工业感。 设计团队 -- hyperSity Architects殊至建筑于2012年由主创建筑师史洋在荷兰鹿特丹创立，已确立其作为创新建筑实践机构的地位，在鹿特丹和北京运营两个国际工作室。事务所目前由创始人兼主创建筑师史洋领导，核心设计团队由拥有荷兰注册建筑师规划师执照、具备国际知名事务所丰富实践经验的专业人士组成。 在史洋的创意指导下，事务所追求将创新理念融入中国多元空间实践的整体设计方法论。每个项目都转化为回应场地特质的创新系统，不同层面形成包容性动态，体现了事务所对城市更新和乡村振兴的承诺。 事务所的设计哲学围绕"场地特质与当代语言"的理念展开，这一原则体现在以空间创新、文化传承和功能复合为特征的项目中。hyperSity的作品集展现了在创造平衡历史记忆与当代功能和谐环境方面的持续卓越，确立了事务所作为中国当代建筑话语重要贡献者的地位。 该实践将建筑理解为扩展学科，业务涵盖多种尺度类型，包括院落住宅、办公空间、美术馆、文化园区规划及儿童教育设施。著名完成作品包括荣获2019年中国最美书店奖的合院里的书店、成为创新型办公行业空间典范的woo space联合办公品牌，以及参加2016年威尼斯建筑双年展平行展的大栅栏茶儿胡同22号院改造项目。hyperSity的跨学科实践超越传统建筑，涵盖参与雷姆·库哈斯策展的2020年古根海姆美术馆"乡村，未来"展览（设计中国展区装置），以及包括海南电影园区高层建筑、林芝文旅开发项目、酱酒文化产业园、首钢高炉结构适应性再利用等在建项目。金沙酒业文旅区作为hyperSity在酱香白酒产业的首个大型综合体项目，展现了事务所应对产业转型需求和文化传承责任的能力，为金沙酒业建立了"生产加体验"一体化的品牌窗口，同时补充了城市公共文化载体。 设计团队 旅游探访 21966 m² 毕节，中国 2025 前一项 后一项

< 返回 五月天咖啡厅 SPACE DOT 项目名称：五月天咖啡厅 地点：骊州 ， 韩国 设计团队：SPACE DOT 建筑面积：330 m² 竣工时间：2022年 摄影：SPACE DOT 设计特色： 项目 - SPACE DOT在韩国骊州太平里这个历史悠久的村庄中创建了一座静谧的咖啡厅，这里曾是学者们前往首都途中艰难旅程的歇脚之地。这座330平方米的五月天咖啡厅将这个具有文化意义的场所转化为城市居民寻求远离都市生活喘息的现代圣地。 该项目最独特的特色在于其对一棵名为"오월이"（意为"五月"）高大雪松的建筑回应。这棵雄伟的树木从单一主干向天空分叉成两臂，直接启发了咖啡厅的双建筑配置。建筑师将A栋定位为厨房和服务区域，而B栋则通过四面落地窗全景开放，提供山脊线的无遮挡视野。 SPACE DOT的设计理念围绕创造一个"拥抱天空的空间"，呼应雪松向上伸展的形态。建筑物战略性地位于村庄的最高点，最大化室内与景观的连接。戏剧性的入口序列沿着令人印象深刻的石墙展开，让人联想到传统韩式庄园建筑，在揭示咖啡厅宁静庭院之前营造期待感。 材料选择致敬了场地被破坏的地形——这是开发对山地地形造成创伤的后果。石材和木材饰面原产于原始景观，既是美学选择也是环境纪念。建筑两侧宁静的反射池捕捉不断变化的天空，而温暖木材与白色空间空隙的相互作用创造出深刻宁静的氛围。 这种文化记忆、自然灵感和当代酒店设计的整合，使五月天咖啡厅不仅仅是一个商业空间——它成为韩国传统旅行者歇脚点的现代诠释。 团队 - SPACE DOT成立于2021年，由李胜元（Seungwon Lee）和金京一（Kyung Il Kim）共同创立。该事务所专注于酒店和商业建筑设计，以其对空间基础主义的独特理解而闻名——认为建筑始于汇聚成线条、表面，最终形成连贯空间体验的单个点。 事务所的代表作品体现了其对语境响应式设计的承诺，在短短几年内获得了国际认可，包括2024年联合国教科文组织主办的凡尔赛建筑奖餐厅类别、2025年世界三大设计奖项之一的iF设计奖室内建筑类别，以及2024年全球餐厅与酒吧设计奖亚洲咖啡厅类别。 在李胜元和金京一的持续领导下，SPACE DOT已确立了其在韩国新兴建筑实践中的地位。该事务所的设计方法论超越了传统的美学考量，优先考虑感官和情感参与，同时保持功能性能。他们在适应性场地策略、材料真实性和生物亲和性设计整合方面展现出特殊的专业能力。 SPACE DOT的创作理念强调每个项目都应承载独特的品牌叙事，将场所的文化意义与当代功能需求相结合。他们相信空间是最贴近我们生活的艺术形式，因此致力于创造不仅在视觉上令人印象深刻，更能在感官和情感层面与使用者产生共鸣的建筑体验。五月天咖啡厅项目充分展现了他们将品牌概念转化为建筑体验的卓越能力。 Project Name: MAY DAY CAFE Location: Yeoju-si, South Korea Design Team: SPACE DOT Total Floor Area: 330 m² Completion: 2022 Photography: Courtesy of SPACE DOT Feature: Project - SPACE DOT transformed a site in the historic village of Taepyeong-ri, Yeoju into May Day Cafe. Completed in 2022, the project fully embodies the core philosophy of providing "complete rest" spaces for urban dwellers. Taepyeong-ri has historically been a place where scholars traveling to Hanyang for civil service examinations would pause to rest, named for its peaceful and harmonious energy. The design of May Day Cafe began with a clear concept: creating a space that could "embrace the sky." The architects were inspired by a towering cedar tree named "Owol-i" (May) at the center of the site, whose form—branching skyward from a single trunk into two arms—directly influenced the cafe's twin-building configuration. The architects positioned Building A to house the kitchen and staff areas, while Building B opens panoramically through floor-to-ceiling windows on all four sides, offering unobstructed views of the mountain ridgeline. The core highlight of the project is its sensitive response to the site's disrupted topography from development. To conceal the incongruous retaining walls created by construction, Building A was strategically arranged as a screen, while Building B, positioned at the village's highest point, maximizes connection with the natural landscape. The architects chose stone and wood as primary materials—elements once native to the land—as a gesture of homage to the nature lost to development. In terms of material selection, the architects deliberately chose elements that echo the site's original natural state. Stone and wood finishes serve not only as aesthetic choices but also as environmental memorials. Tranquil reflecting pools on either side of the building capture the ever-changing colors of the sky as they shift with wind, while a large window beneath the grand roof fully frames the sky and scenery of Taepyeong-ri, and lower side windows bring in natural light that transforms with the seasons. The lighting design emphasizes the seasonal variations of natural light, with the interplay of warm timber and overall white spatial voids creating a soothing and serene atmosphere. The central cedar "Owol-i" serves not only as the source of design inspiration but also becomes a key element symbolizing the cafe's identity—a space providing May-like warmth, comfort, and stability for rest. By combining cultural memory, natural inspiration, and contemporary architectural design, SPACE DOT created a modern sanctuary that transcends traditional commercial spaces, authentically expressing a contemporary interpretation of Korea's traditional rest stops, providing a place of tranquility and restoration for weary urban travelers. Design Team - SPACE DOT was established in 2021 by Seungwon Lee and Kyung Il Kim. The firm specializes in hospitality and commercial architecture design, known for its unique understanding of spatial fundamentalism—believing that architecture begins with individual points that aggregate into lines, surfaces, and ultimately cohesive spatial experiences. The firm's representative works demonstrate their commitment to contextually responsive design, gaining international recognition within just a few years, including the UNESCO Prix Versailles 2024 for Restaurants, the iF Design Award 2025 in Interior Architecture (one of the world's top three design awards), and the Restaurant & Bar Design Awards 2024 Asia-Café category. Under the continued leadership of Seungwon Lee and Kyung Il Kim, SPACE DOT has established its position among Korea's emerging architectural practices. The firm's design methodology transcends conventional aesthetic considerations, prioritizing sensory and emotional engagement while maintaining functional performance. They demonstrate particular expertise in adaptive site strategies, material authenticity, and biophilic design integration. SPACE DOT's creative philosophy emphasizes that each project should carry unique brand narratives, combining the cultural significance of place with contemporary functional requirements. They believe space is the art form closest to our lives, therefore committed to creating architectural experiences that not only impress visually but also resonate with users on sensory and emotional levels. The May Day Cafe project fully demonstrates their exceptional ability to transform brand concepts into architectural experiences. 设计团队 旅游探访 330 m² 骊州，韩国 2022 前一项 后一项

< 返回 石之花园住宅 EASTERN Design Office 设计特色： 项目 – EASTERN Design Office在日本创造了一处非凡的住宅庇护所，将建筑塑造为纪念碑式的原始形态。石园住宅是一件雕塑般的混凝土杰作，其特色是两面长达47米的延伸长墙，其中开窗。这种大胆减少装饰的做法，让几何分明的长方体量自成宏论。通过剔除多余细节，建筑师塑造了一种深具力量与简单本质的作品，宛若远古遗址般于自然环境中耸立。建筑外形坚硬朴素之际，偶尔点缀些许优雅抒情 - 曲线长墙流动如行星軌迹，地坪高低起伏营造起伏地形。庭园中巨石的陈设进一步强化这原始野性，凭借沉稳威严的气质与大地色彩，石园住宅让人联想到沙漠的博大空旷、海平线的穹壤无垠、天体的孤寂漂泊。这是一个追溯本质的场所，供人于自然永恒循环中静静思索。 团队 – EASTERN Design Office由中村安奈和神野太阳于2003年在日本京都创立，迅速成为日本最具发人深思及哲理探索的先锋建筑设计事务所。其作品演绎了广阔的范畴，囊括住宅、商业建筑、城市规划等。从备受赞誉的"裂缝之家"(2005年)到近期个性十足的"黑忍者酒店"(2019年)，他们的作品淬铸了朴素而富诗意的极简主义风格，将建筑还原为初始雕塑般的本质。该设计工作室在知名设计竞赛中屡获肯定，足见其理念严谨,包括早年就在中国天津的重大项目中获奖。他们的作品亦曾在世界建筑节获取肯定。在Nakamura和Jinno的领导下，设计团队继续推陈出新，让建筑成为形而上探索的载体，每一作品都成为对人类存在本质的空间、光影、材料与造型的有趣剖析与思索。 Feature： Project - EASTERN Design Office has crafted an extraordinary residential sanctuary in Japan that distills architecture down to its most monolithic and primordial forms. The Stone Garden Residence is a tour-de-force of sculpted concrete, characterized by two elongated walls that stretch 47 meters across the site, punctuated only by a solitary towering aperture. This daring exercise in reduction eschews ornament, allowing the robust geometry of the rectilinear volumes to speak for itself. By stripping away extraneous detail, the architects have produced a work of profound simplicity and power that seems to emerge from the landscape itself like a ancient remnant. The austerity of the architectural forms is counterbalanced by moments of elegant lyricism - gently curved walls suggest planetary contours, while subtle changes in paving level imbue the hardscape with a sense of undulating terrain. Massive boulders situated in the garden further reinforce the primeval quality. With its commanding presence and remarkable mineral palette, the Stone Garden Residence conjures the sublime emptiness of the desert, oceanic horizons, and celestial bodies. This is an environment distilled to its essence - a place for contemplation amidst the eternal cycles of nature. Design Team - Founded in 2003 by principals Anna Nakamura and Taiyo Jinno, EASTERN Design Office has emerged as one of Japan's most provocative and philosophical architecture practices. Headquartered in the cultural capital of Kyoto, the firm challenges conventional notions of spatial experience through highly conceptual and formally experimental works. EASTERN's portfolio showcases an impressive range, spanning residences, commercial buildings, urban interventions and speculative proposals. From the celebrated Slit House (2005) to recent works like the cavernous Hotel Ninja Black (2019), their designs manifest a stark yet poetic minimalism that distills architecture to its most primordial and sculptural essence. The studio's intellectual rigor is evidenced by their recognition in prestigious competitions, including prizes for major projects in Tianjin, China early in their tenure. Their output has also garnered acclaim through the World Architecture Festival Awards. Under Nakamura and Jinno's design leadership, EASTERN continues to push boundaries and posit architecture as a vehicle for metaphysical exploration. Each built work becomes a profound meditation on fundamental aspects of human existence through space, light, material and form. 设计团队 旅游探访 235 m² 日本 2023年 前一项 后一项

< 返回 TOM WOOD SHIBUYA TORAFU ARCHITECTS 地点：东京涩谷，日本 设计团队：TORAFU ARCHITECTS 面积：300 ㎡ 建成时间：2026年 施工：D.BRAIN 照明设计：BRANCH LIGHTING DESIGN 木质家具：北田浩二郎 植物设计：TOO GARDEN 摄影：Keishin Horikoshi 设计特色： TOM WOOD SHIBUYA位于东京涩谷一层沿街空间，是挪威珠宝品牌TOM WOOD在日本开设的第二家旗舰店。面对人流与信息高度密集的城市环境，设计没有把店铺处理成封闭的陈列盒子，而是以门式框架构成清晰的入口界面，让街道的流动、店内的秩序与品牌一贯克制的材料语言在同一视野中相遇。 穿过入口，空间围绕一座长约7.2米的中央玻璃展柜展开。展柜既是珠宝陈列的核心，也是组织动线的尺度基准；顾客可以沿其四周自然回游，在不同距离和角度中观看产品。原有偏心柱没有被隐藏，设计以不锈钢柜台环抱柱体，把结构限制转化为空间节点，也让连续的行走节奏获得停顿。 沿墙设置的通高玻璃展柜尽量收起五金构件，以安静、连续的背景承托尺度细小而具有雕塑感的珠宝。销售区旁嵌入休息区，北田浩二郎设计的木质座椅取意于斯堪的纳维亚森林中的倒木，为明亮而冷静的金属与玻璃空间引入温度。回游与停留不再被严格分开，浏览、交谈与试戴可以在同一条空间路径上自然发生。 店铺后部设置档案抽屉与TOM WOOD LAB。透过开口和玻璃界面，维修、刻字、尺寸调整等珠宝工艺成为顾客能够感知的日常过程，零售空间由此从产品展示延伸到长期保养与制作文化。实验室的专业设备、不锈钢工作台和定制照明并未被完全藏在后台，而是成为品牌关于工艺与责任的可见部分。 材料选择延续TOM WOOD既有门店的触觉特征，同时回应日本本地制作。喷砂混凝土、镜面与发丝纹不锈钢、高透明玻璃，以及本地松木和橡木共同构成克制而富有层次的环境。TORAFU ARCHITECTS没有依靠强烈造型制造注意力，而是在涩谷的喧闹中插入一段明亮、流动而安静的空间，使建筑、陈列与服务共同呈现品牌的新阶段。 设计团队： TORAFU ARCHITECTS由建筑师铃野浩一与秃真哉于2004年在东京共同创立。铃野浩一先后就读于东京理科大学与横滨国立大学，曾任职于Coelacanth K&H及墨尔本Kerstin Thompson Architects；秃真哉毕业于明治大学，并曾在青木淳建筑计划事务所工作。两位创始人此后持续共同主持事务所的设计实践。 事务所以建筑思维为工作基础，实践范围横跨建筑、室内、展览空间、产品设计、空间装置与影像制作。团队并不以项目尺度划分设计的重要性，而是从人的动作、物件的使用方式和场所关系中寻找空间结构，使家具、展柜、室内与建筑能够在同一套逻辑中相互回应。 事务所的代表作包括TEMPLATE IN CLASKA、NIKE 1LOVE、港北住宅、airvase、Gulliver Table与Big T等。其“Light Loom”获得2011年Elita Design Award最高奖，airvase于2015年被蒙特利尔美术馆纳入永久收藏。TOM WOOD SHIBUYA延续了团队在零售空间中的长期探索：通过精确的构造、回游动线与物件尺度，让品牌体验在克制的环境中逐渐展开。 设计团队 旅游探访 300 m² 东京涩谷，日本 2026 前一项 后一项

< 返回 里亚斯海岸住宅 no.10 NOMURA Co., Ltd. 项目名称：里亚斯海岸住宅 地点：日本 设计团队：no.10 NOMURA Co., Ltd. 建筑面积：567 m² 竣工时间：2024年 摄影：Takumi Ota 设计特色： 项目 - 日本建筑工作室no.10 NOMURA Co., Ltd.在日本海沿岸完成了里亚斯海岸住宅项目，创造了一座巧妙回应戏剧性海岸环境的混凝土住宅，将日本里亚斯海岸的独特特征融入建筑设计的核心理念。该项目位于以复杂锯齿状海岸线和壮观"洞门"岩石构造而闻名的景观之中，俯瞰日本海的壮丽景色。 项目最引人注目的设计特色在于其对当地城市肌理的精妙重新诠释——建筑师巧妙地将该地区独特的"枡形"巷道配置直接融入建筑的首层平面设计中。这种传统的方形街道模式，具有弯曲的交叉口以抵御严酷的北风，被转化为建筑语言，创造了一个分段的建筑体量，既与周围的城镇景观和谐融合，又保持了功能上的连贯性。 建筑的形态以非凡的敏感度追随自然地形。在南侧立面，结构向上层逐步后退，创造出类似山丘的轮廓，确保与城市景观的视觉连续性。相反，北侧立面大胆地高于周围环境，形成三维几何介入，既服务于美学目的，也具有实用功能，将风流引导远离城市核心。 最引人注目的是建筑的材料表达策略，直接映射了海岸地质特征。下层采用露骨料混凝土饰面，唤起岩石海岸线的质感，而上层则展示用当地杉木板模板制作的木纹混凝土，代表着覆盖海岸悬崖顶部的茂密植被。这种双层材料策略无缝延伸到室内空间，在建筑表达与自然环境之间创造了前所未有的统一性。 骨料和杉木板模板材料均为当地可获得的材料，建筑师希望通过本土材料的表达将场地独特的景观编织到未来之中。通过对本土材料、传统城市模式和当代建筑语言的深思熟虑的综合，这座住宅成为情境设计的典范模型，增强而非破坏其非凡的环境设置。 设计团队 - no.10 NOMURA Co., Ltd.作为一家杰出的空间设计咨询公司，成立于2020年1月，作为日本最负盛名的建筑空间创造者和管理者之一——乃村工艺社的专业设计部门。该公司的创立愿景源于其前身设计团队onndo的卓越成绩，该团队曾与国际知名的Nendo Inc.设计工作室建立合作联盟。 在首席设计师青野恵太的创意指导下，no.10追求涵盖室内设计、建筑设计、产品设计和综合设计咨询服务的整体设计方法论。青野的多元文化背景——1975年出生于苏黎世，毕业于大阪艺术大学——为公司独特地将西方和东方设计理念融合成连贯空间叙事的能力提供了支撑。 公司的设计哲学以追求"从始至终的优雅简约"为核心，这一原则体现在以精致材料调色板、精确空间比例和情境敏感性为特征的项目中。no.10的作品集展现了在创造平衡功能性能与体验丰富性环境方面的持续卓越表现，确立了公司作为日本当代建筑话语重要贡献者的地位。 该事务所的设计思维围绕着对事物本质的探索，从项目的开始到结束都寻找平衡点和重心所在。通过室内设计、建筑设计、产品设计和设计咨询等综合专业服务，no.10致力于通过创新设计实践扩展乃村工艺社的全球影响力，在国际舞台上展现日本设计的精髓与创新。 Project Name: House on the Rias Coast Location: Japan Design Team: no.10 NOMURA Co., Ltd. Total Floor Area: 567 m² Completion: 2024 Photography: Takumi Ota Feature: Project - Japanese architecture studio no.10 NOMURA Co., Ltd. completed the House on the Rias Coast project along the Sea of Japan coastline, creating a striking concrete residence that ingeniously responds to its dramatic coastal setting, weaving the unique characteristics of Japan's Rias coastline into the very core of its architectural concept. The project is positioned within a landscape renowned for its intricate indented coastline and spectacular "cave gate" rock formations, overlooking the magnificent views of the Sea of Japan. The project's most compelling design feature lies in its sophisticated reinterpretation of the local urban fabric -- the architects masterfully incorporated the area's distinctive "Masu-gata" alley configuration directly into the building's ground floor plan design. This traditional square-shaped street pattern with cranked intersections designed to deflect harsh northerly winds has been transformed into architectural language, creating a fragmented building volume that harmoniously integrates with the surrounding townscape while maintaining functional coherence. The building's form follows the natural topography with remarkable sensitivity. On the south elevation, the structure steps back toward the upper floors, creating a hill-like silhouette that ensures visual continuity with the cityscape. Conversely, the north facade rises boldly above its surroundings, forming a three-dimensional geometric intervention that serves both aesthetic and practical purposes by channeling wind patterns away from the urban core. Most striking is the building's material expression strategy, which directly mirrors the coastal geological characteristics. The lower level features concrete with an exposed aggregate finish that evokes the rocky shoreline texture, while the upper floors showcase wood-grained concrete formed with local cedar planks, representing the lush vegetation that crowns the coastal cliffs. This two-tiered material strategy extends seamlessly into the interior spaces, creating an unprecedented unity between architectural expression and natural environment. Both the aggregate and cedar board formwork materials are locally sourced, with the architects hoping that the expression of local materials would weave the site's unique landscape into the future. Through this thoughtful synthesis of local materials, traditional urban patterns, and contemporary architectural language, the house stands as an exemplary model of contextual design that enhances rather than disrupts its extraordinary environmental setting. Design Team - no.10 NOMURA Co., Ltd. stands as a distinguished spatial design consultancy, established in January 2020 as the specialized design division of NOMURA Co., Ltd.—one of Japan's most prestigious creators and managers of architectural spaces. The founding vision of no.10 emerged from the proven track record of its predecessor design team, onndo, which operated in collaborative alliance with the internationally acclaimed Nendo Inc. design studio. Under the creative direction of Chief Designer Keita Aono, no.10 pursues a holistic design methodology that encompasses interior design, architectural design, product design, and comprehensive design consulting services. Aono's multicultural background—born in Zurich in 1975 and educated at Osaka University of Arts—informs the firm's unique ability to synthesize Western and Eastern design sensibilities into coherent spatial narratives. The firm's design philosophy centers on the pursuit of "elegant simplicity from start to finish," a principle that manifests in projects characterized by refined material palettes, precise spatial proportions, and contextual sensitivity. no.10's portfolio demonstrates consistent excellence in creating environments that balance functional performance with experiential richness, establishing the firm as a significant contributor to Japan's contemporary architectural discourse. The practice's design thinking revolves around exploring the essence of things, seeking balance points and centers of gravity from the beginning to the end of projects. Through comprehensive professional services including interior design, architectural design, product design, and design consulting, no.10 is committed to expanding NOMURA Co., Ltd.'s global presence through innovative design practices, showcasing the essence and innovation of Japanese design on the international stage. 设计团队 旅游探访 567 m² 日本 2024 前一项 后一项

< 返回 Nazuna京都东本愿寺酒店 STUDIO ALUC 项目名称： Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji 地点： 京都，日本 设计团队： STUDIO ALUC 项目面积： 595㎡ 竣工时间： 2024年 摄影： Kenta Hasegawa 设计特色： 项目 – 日本建筑事务所STUDIO ALUC完成了一项令人瞩目的改造项目，将一座有着百年历史的京都町屋改造成"Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji"精品酒店。这座595平方米的建筑位于东本愿寺御影堂门对面，展现了历史保护与现代设计创新之间的完美平衡。 建筑师最显着的干预是通过连接屋顶将原本分离的东西两翼统一起来，同时保持建筑的历史完整性。STUDIO ALUC没有掩盖建筑在百年间经历的多次改造痕迹，而是刻意突出这些时间的交汇点，创造出他们所描述的"不同时代工艺相遇时呈现出独特的美感与韵味"。 空间布局体现了对传统町屋建筑的深刻理解，同时融入现代奢华设施。西翼保留了原有的土间（传统入口空间），现在与两个精心布置的庭院（坪庭）相连，这些庭院巧妙地解决了传统町屋采光不足的问题，同时创造出室内外空间的私密联系。 项目最独特之处在于其精致的住宿设计。西翼二层设有三间客房，透过樱花可以欣赏到寺院景观，每间都配备了桧木浴缸。东翼则打造了独特的复式客房，横跨二三层，通过传统箪笥楼梯通达。每个房间都融入传统工艺元素，从外露的屋顶梁到用回收材料制作的床之间（装饰性壁龛），创造出真实而奢华的住宿体验。 这项改造的与众不同之处在于它对历史细节的细致关注，同时无缝融入现代舒适需求。主创建筑师龟田淳和佐佐木寛奈创造了一个空间，不仅仅是保护历史，更通过深思熟虑的设计干预让客人能够主动体验历史，架起过去与现在的桥梁。 团队 – STUDIO ALUC 由龟田淳（Jun Kameda）和佐々木寛奈（Hirona Sasaki）于 2020 年创立，是一家独具特色的东京设计事务所，致力于在不同空间尺度上无缝融合概念开发与实际执行。该事务所的理念围绕在当代社会中探索人类体验与空间真实性之间的本质关系。 STUDIO ALUC 采用全面的设计方法，涵盖产品与家具设计、室内建筑、景观规划等多个领域，其作品涉及商业空间、酒店、住宅项目及展览设计等。其方法论兼顾理性分析与感官体验的精准平衡，并常与跨学科专业人士合作，包括建筑师、景观设计师和摄影师，以实现整体化的设计解决方案。 在创立 STUDIO ALUC 之前，两位创始人曾在 TONERICO:INC. 深耕多年，他们的作品屡获国际认可，其中 “sisu” 项目荣获 2023 年 A' Design Award 铜奖及 iF 设计奖。近期的荣誉彰显了 STUDIO ALUC 在当代日本设计领域的崭露头角，而其最新的酒店项目——Nazuna京都东本愿寺酒店，则充分展现了他们以当代设计手法敏感诠释历史背景的能力。 Project Name: Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji Location: Kyoto, Japan Design Team: STUDIO ALUC Lead Architects: Jun Kameda, Hirona Sasaki Project Area: 595㎡ Completion: 2024 Photography: Kenta Hasegawa Feature： Project - Japanese architecture firm STUDIO ALUC has completed an exquisite renovation of a 100-year-old machiya in Kyoto, transforming the traditional townhouse into Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji. The 595-square-meter project, situated opposite the historic Mikage-do Gate of Higashi Honganji Temple, exemplifies a masterful balance between preservation and contemporary design innovation. The architects' most significant intervention was unifying two previously separate structures – the east and west wings – through a connecting roof while maintaining the building's historical integrity. Rather than concealing the multiple layers of renovation that the building has undergone over its century-long existence, STUDIO ALUC deliberately highlighted these temporal intersections, creating what they describe as "points where carpentry from different eras meet reveal a unique beauty and charm." The spatial organization reflects a deep understanding of traditional machiya architecture while incorporating modern luxury amenities. The original earthen floor (doma) in the west wing has been preserved and now flows into two carefully positioned courtyard gardens (tsuboniwa) that serve as natural light wells. These courtyards ingeniously solve the typical lighting challenges faced in traditional machiya while creating intimate connections between interior and exterior spaces. The project's most distinctive feature is its sophisticated accommodation design. The west wing's second floor houses three rooms offering views of the temple through cherry blossoms, each equipped with hinoki cypress baths. The east wing features unique duplex rooms spanning the second and third floors, accessed via traditional tansu (chest of drawers) staircases. Each room incorporates elements of traditional craftsmanship, from exposed roof beams to reclaimed-material tokonoma (decorative alcoves), creating an authentic yet luxurious guest experience. What sets this renovation apart is its careful attention to historical detail while seamlessly integrating modern comfort requirements. Lead architects Jun Kameda and Hirona Sasaki have created a space that doesn't simply preserve history but allows guests to actively experience it through thoughtful design interventions that bridge past and present. Design Team - Founded in 2020 by Jun Kameda and Hirona Sasaki, STUDIO ALUC has established itself as a distinctive Tokyo-based design practice that seamlessly integrates concept development and execution across various spatial scales. The firm's philosophy centers on discovering the essential relationships between human experience and spatial authenticity in contemporary society. The studio's comprehensive approach spans from product and furniture design to interior architecture and landscape planning, with their portfolio encompassing commercial spaces, hospitality venues, residential projects, and exhibition design. Their methodology is characterized by a meticulous balance between rational analysis and sensory experience, often collaborating with cross-disciplinary professionals including architects, landscape designers, and photographers to achieve holistic design solutions. Prior to establishing STUDIO ALUC, both principals honed their expertise at TONERICO:INC. under the mentorship of industry veterans Hiroshi Yoneya, Ken Kimizuka, and Yumi Masuko. Their work has garnered international recognition, including the 2023 A' Design Award Bronze and iF Design Award for the 'sisu' project. The practice's recent accolades demonstrate their emerging influence in contemporary Japanese design, while their recent hotel project, Hotel Nazuna Kyoto Higashihonganji, exemplifies their ability to sensitively interpret historical contexts through contemporary design interventions. 设计团队 旅游探访 595m² 京都，日本 2024 前一项 后一项

< 返回 JNG House BodinChapa Architects 地点：曼谷，泰国 设计团队：BodinChapa Architects 面积：446 m² 建成时间：2024年 摄影：Witsawarut Kekina 设计特色： JNG House位于泰国曼谷，是BodinChapa Architects与业主在长期交流中共同完成的一座446 m²私人住宅。设计没有以复杂形式作为出发点，而是从家庭成员的生活方式、使用习惯与未来变化中逐步删去不必要的部分，让总图、动线、空间氛围和材料选择都回到清晰而具体的日常需求。建筑由此成为一种克制的生活框架，在开放、私密与长期居住之间建立稳定关系。 抵达序列从场地前部独立设置的车棚开始。车棚不仅容纳车辆，也在街道与住宅之间形成第一重缓冲；入口标高被适度抬高，进一步遮挡外部视线，使中央庭院不会在抵达时被一次看尽。访客沿着有顶通道进入后，白色体量、弧形转角与连续挑檐逐步展开，庭院及其内部生活才在行进中被缓慢揭示。 景观庭院位于住宅中心，是家庭生活与访客抵达共享的空间核心。它把客厅、首层卧室和二层私密区域组织在同一视线网络中，同时为两层空间引入光线、绿意与通风。首层客厅、餐厅和泰式厨房保持连续，食品储藏区与大尺度滑动门让厨房可以在开放交流与隔绝烹饪气味之间灵活转换；储藏室、客卫及厨房入口则被整合进连续的定制柜体，令公共空间保持安静、整洁的背景。 自然光通过两处线性天窗深入住宅。楼梯厅上方的天窗把日光同时带入上下两层，消解交通空间常见的暗角，也使木质踏步、白色墙面与转折平台在一天中呈现细微变化；主卧浴室的另一处天窗则兼顾采光与自然通风，有助于降低湿度。设计由此没有依赖装饰性构件，而是让光线成为空间层次和时间感的主要来源。 住宅前部的设备用房与主要结构柱被反射不锈钢面板包覆。镜面把庭院、天空和周围白色体量映入表面，使原本厚重的支撑在视线上逐渐退隐，二层因此显得比实际结构更轻，仿佛悬浮在首层之上。弧形墙角与圆润檐口进一步连接各个体量，在不削弱几何秩序的前提下，缓和了白色建筑的边界，也为整座住宅带来更友好的抵达感。 设计团队： BodinChapa Architects亦称BDCA，是一家以泰国大城府为基地的建筑事务所，由Bodin Mueanglue与Phitchapa Lothong共同主持设计。两位建筑师与年轻设计师组成紧密的小型团队，项目类型涵盖住宅、餐饮、办公与改造空间，并持续在曼谷、大城府及泰国不同地区展开实践。 事务所关注地方经验如何在当代建造中获得新的表达。Bodin Mueanglue成长于清莱，对当地艺术和传统木作保持长期兴趣；Phitchapa Lothong则成长于大城府，较早接触木材、砖以及历史建筑中的地方材料。这些地域背景使团队倾向于把在地智慧、常见材料与现代施工技术并置，在简洁的空间组织中重新呈现材料价值。 BodinChapa Architects的设计并不追求固定的形式标签，而是在每个项目中重新讨论居住、环境与日常行为之间的关系。JNG House由Phitchapa Lothong与Bodin Mueanglue担任主创建筑师，通过车棚、抬高入口、中央庭院、线性天窗与反射不锈钢等一系列克制操作，把业主的生活方式转化为清晰、舒适且能够长期使用的住宅秩序。 设计团队 旅游探访 446 m² 曼谷，泰国 2024 前一项 后一项

< 返回 扎耶德国家博物馆 Foster + Partners 项目名称：扎耶德国家博物馆 地点：阿布扎比，阿联酋 设计团队：Foster + Partners 建筑面积：88870 m² 竣工时间：2025年 摄影：Nigel Young 设计特色： 项目 - 坐落于阿布扎比萨迪亚特文化区核心位置的扎耶德国家博物馆，是 Foster + Partners 设计的阿联酋国家博物馆，追溯了阿联酋的历史，从最早的人类居住证据到塑造其文化与身份的文明，以建筑的形式回应了在沙漠环境中维持生命的挑战以及阿联酋深厚的文化传统。 博物馆的五座轻质钢制翼状结构是自然通风系统的组成部分。塔楼顶部的通风口利用翼型背风侧的负压，将热空气从中庭抽出，同时借助翼尖热量积聚产生的热效应。经过深埋沙漠地下管道自然冷却的空气，通过低位通风系统流入中庭。翼状结构采用玻璃幕墙，将自然光引入下方展厅，每座翼状结构均可独立调节。 博物馆空间位于一座土丘之中，其纹理化的多面切割面板抽象呈现了阿联酋的地形地貌。土丘将室内空间与太阳辐射热隔离，形成保护屏障，防止热量进入建筑。当访客步入博物馆，他们进入光线充盈的中庭 Al Liwan，这里既是聚会空间也是导向空间，举办传统舞蹈和诗歌等表演活动。 六个永久展厅中，四个吊舱形展厅悬浮在 Al Liwan 上方，提供可控环境以保护展出的敏感文物。塔楼的三层夹胶玻璃调节进入大堂和展厅空间的日光量。玻璃幕墙包含高密度网格夹层，每个吊舱配有电致变色玻璃天窗，可根据外部光照水平改变透明度。 "扎耶德国家博物馆讲述了谢赫扎耶德创建阿联酋的故事以及其遗产的诸多方面，包括他绿化沙漠的愿景。建筑本身即是可持续性的表达，五座空气动力学翼状结构是环境系统不可或缺的组成部分，作为热烟囱发挥作用，将凉爽空气引入公共空间。它们也象征着谢赫扎耶德对传统猎鹰运动的热爱，已成为城市天际线的标志。" 诺曼·福斯特 | 创始人兼执行主席，Foster + Partners 每个吊舱形展厅策展呈现特定主题，而连接的节点空间提供将它们联系在一起的背景信息。访客可以选择自己的路线穿越不同展厅，通过雕塑般的螺旋楼梯或电梯前往上层。在地面层，博物馆入口附近还有两个永久展厅空间，以及一个临时展览空间、一家高级餐厅和一间咖啡厅。 在博物馆建筑外，谢赫扎耶德对自然的热爱通过 Al Masar 花园得以呈现，花园将建筑与海岸连接。花园整合了景观与遗产，旨在成为新的社区资产，提供社交、游戏和沉思的空间。访客还可以从地面层沿着遮荫路径前往土丘顶部的观景平台，平台位于钢制塔楼底座，提供周边区域的全景视野。 材料经过精心选择，以呼应当地环境并映射七个酋长国的历史建筑，这些建筑反映了不同地区沙子颜色的变化。基于这一传统，博物馆的外部和室内空间都映射了萨迪亚特岛独特的温暖白色沙色。该项目与阿布扎比文化旅游部密切合作交付。 设计团队 - Foster + Partners 由诺曼·福斯特于1967年创立，已发展成为全球可持续建筑、城市规划、工程设计及综合设计领域的领先事务所。五十余年间，这家事务所从 Foster Associates 演变为全球最具影响力的建筑公司之一，在全球13个工作室雇佣超过1,400名专业人员。 在创始人兼执行主席诺曼·福斯特的领导下，事务所采用独特的合伙人制度，所有合伙人均为股东，对项目交付和设计质量承担共同责任。设计委员会在各开发阶段审查每个项目，强化了协作机制，确保与事务所核心设计理念的一致性。 事务所的方法论以综合设计为核心，将建筑团队与结构工程、环境工程、可持续性咨询、城市规划、景观建筑、工业设计、工作场所策略及室内设计等专业部门整合。这种多学科框架能够从多元视角全面探索设计方案，项目从初步概念草图到战略设计发展，再到施工文件编制及竣工交付的过程无缝衔接。 Foster + Partners 的设计哲学自创立之初便根植于创新与可持续性，体现了从建筑先例中汲取经验、同时通过负责任的设计应对当代挑战的承诺，显著提升建成环境与城市体验品质。事务所因众多标志性项目获得广泛认可，包括香港国际机场一号客运大楼、汇丰总行大厦、德国国会大厦重建、大英博物馆伊丽莎白二世大中庭以及苹果园区，展现出在不同项目规模和类型上的持续卓越表现。 目前的设计团队由诺曼·福斯特担任创始人兼执行主席领导，合伙人制度确保了设计理念的延续性，同时为当代建筑实践带来创新视角。事务所保持着紧密的学术和研究联系，内部技术与研究团队推动建筑创新，同时通过全球工作室网络应对不同地域和文化语境的设计挑战。Foster + Partners 的作品始终展现出对环境响应、技术创新和场地特定条件的精妙处理，扎耶德国家博物馆项目充分体现了这些原则在极端气候条件下的应用。 设计团队 旅游探访 88870 m² 阿布扎比，阿联酋 2025 前一项 后一项

< Back ZAHA HADID ARCHITECTS Apply Now HR Representative San Francisco, CA, USA Job Type Part Time Workspace Remote About the Role About the Company This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. Want to view and manage all your collections? Click on the Content Manager button in the Add panel on the left. Here, you can make changes to your content, add new fields, create dynamic pages and more. You can create as many collections as you need. Your collection is already set up for you with fields and content. Add your own, or import content from a CSV file. Add fields for any type of content you want to display, such as rich text, images, videos and more. You can also collect and store information from your site visitors using input elements like custom forms and fields. Be sure to click Sync after making changes in a collection, so visitors can see your newest content on your live site. Preview your site to check that all your elements are displaying content from the right collection fields. Apply Now

< 返回 木之伞 榊原节子建筑研究所 项目名称：木之伞 地点：大阪府泉大津市，日本 设计团队：榊原节子建筑研究所 建筑面积：29.81 m² 竟工时间：2024年3月 摄影：小川重雄 设计特色： 榊原节子建筑研究所近日完成了位于大阪府泉大津市的独立住宅项目"木之伞"。这座住宅专为一位即将退休、独居生活的业主而设计，建筑面积仅约29.81平方米，麻雀虽小，五脏俱全。设计最大的亮点，是以一把覆盖整体的木结构伞形屋顶统领全局，让这个小小的空间在尺度之外拥有了更丰富的精神气质，既有结构上的力量感，又有安静温暖的生活氛围。 建筑平面是一个标准的正方形，但并未与地块平行摆放，而是有意旋转了一定角度。这个看似简单的处理，实则带来了实用的好处：建筑四周自然围合出四个各有特点的室外空间，前侧是入口通道和停车位，后侧是晒洗区和小院子，每个角落都有自己的光线和用途，让有限的地块用起来比想象中宽裕许多。 这栋建筑最打动人的地方，是它的屋顶结构。截面为38毫米×180毫米的花旗松斜梁以螺旋上升的方式排列，梁底高度从2350毫米逐渐攀升至3350毫米，梁与梁首尾交叠的地方自然形成一圈连续的高侧窗，柔和的自然光由此洒入室内。屋顶的最高处向上延伸成一个筒状体量，通过天窗将阳光引入室内深处。这套屋顶系统只用一个结构动作，同时实现了空间的开阔感与居家的包裹感。登上阁楼，木构架近在眼前，那种被木头轻轻围住的踏实感油然而生。建筑外表面从墙面到屋顶再到筒身，全部统一铺贴沥青瓦，整体以一种连续、完整的姿态呈现，真正像一把伞一样，将居住者稳稳地护在其中。 设计团队： 榊原节子建筑研究所由主持建筑师榊原节子于2009年创立，总部设在大阪市福岛区，名古屋另设有分所，项目遍及日本各地。榊原节子持有日本一级建筑士执照，同时是日本建筑家协会和大阪府建筑士会的正式会员。她的成长路径颇为特别：本科念的是名古屋大学经济学专业，毕业后先后在JR东海和arte空间研究所积累了多年实践经验，才逐步走上独立执业的道路。这段跨领域的经历，让她在做设计时格外注重逻辑清晰和功能合理，形成了自己独特的设计风格。 事务所承接的项目类型很广，涵盖住宅新建、商业空间室内、旧建筑改造再利用、景观设计以及家具设计，从城市整体到室内细节，始终保持对空间品质的认真态度。多年来，事务所斩获了不少重要奖项，包括SD Review朝仓奖、JIA关西建筑家新人奖，以及2024年日本空间设计奖入选。无论接受什么样的委托，事务所都把与业主的深入沟通放在第一位，并始终思考如何让建筑真正扎根于它所在的那片土地。 设计团队 旅游探访 29.81 m² 大阪，日本 2024 前一项 后一项

< 返回 设计优选一周热度榜 2024.9.1-9.8 根据社交媒体与网站平台数据显示，2024年9月1日至9月8日全球设计优选一周热度排行如下： 1.“起伏如山” 京呆民宿（多么工作室） 在北京怀柔区邓各庄村，多么工作室将一处破旧的乡村院落蜕变为一座令人惊艳的精品民宿——京呆。这个项目巧妙地将当代设计语言与中国传统建筑元素融会贯通，为周围的山川秀色献上了一份独特的建筑致敬。 Atelier d'More has transformed a dilapidated rural compound into a striking boutique hotel that seamlessly blends contemporary design with traditional Chinese architecture. The Jing Stay, located in the historic Denggezhuang Village, offers a tranquil retreat that pays homage to its mountainous surroundings. 2. Sunburst 住宅（Toll Brothers） 在亚利桑那州斯科茨代尔市，Toll Brothers的Sunburst住宅如同现代沙漠生活的灯塔般崛起。这座5547平方英尺(约515平方米)的杰作荣获2024年美国金块奖（Gold Nugget Awards）的年度住宅大奖，以其创新设计和室内外空间的无缝融合，重新定义了单层豪宅的概念。 In the heart of Scottsdale, Arizona, the Sunburst model by Toll Brothers emerges as a beacon of contemporary desert living. This 5,547-square-foot masterpiece, crowned as the 2024 Gold Nugget Home of the Year, redefines single-story luxury with its innovative design and seamless integration of indoor and outdoor spaces. 3.“莫干山下玻璃亭屋” 山庾茶肆（奥室建筑） 在传统与现代的巧妙融合中，一座百年老宅华丽蜕变为令人心驰神往的商业茶馆。这个开创性项目坐落于莫干山脚下，为该地区仅存的“抬梁式重檐五开间”江南传统民居建筑注入了新的生命力。 In a striking fusion of heritage and modernity, a century-old wooden Chinese residence has been masterfully transformed into a captivating commercial teahouse. This groundbreaking project, nestled at the foot of Moganshan, breathes new life into one of the last remaining examples of traditional Jiangnan architecture in the area. 4. Arc’teryx 始祖鸟东京创作中心（Torafu Architects） 在东京充满活力的涩谷区中心，“Arc’teryx始祖鸟”东京创意中心如同创新设计和户外灵感的灯塔冉冉升起。由Torafu Architects的设计团队构思，这个改造项目将一座既有建筑转变为充满活力的创意与协作枢纽，标志着“Arc’teryx始祖鸟”在北美以外的首个创意中心诞生。 In the heart of Tokyo's vibrant Shibuya district, the Arc'teryx Tokyo Creation Center emerges as a beacon of innovative design and outdoor inspiration. Conceived by the visionary team at Suppose Design Office, this renovation project transforms an existing structure into a dynamic hub for creativity and collaboration, marking Arc'teryx's first creation center outside North America. 5. 魁北克 Orford 别墅（Thellend Fortin Architectes） 坐落于魁北克东部地区核心地带的奥福德住宅，出自Thellend Fortin建筑事务所之手，是当代住宅设计与自然环境和谐共融的典范之作。这座于独栋住宅取代了原址上的旧建筑，同时巧妙地保留了场地的丰富历史底蕴和令人屏息的自然景观。 Nestled in the heart of Quebec's Eastern Townships, the Orford House by Thellend Fortin Architectes is a striking example of contemporary residential design that seamlessly integrates with its natural surroundings. This single-family dwelling, completed in 2022, replaces an older structure while maintaining a deep connection to the site's rich history and breathtaking landscape. 6. “几何之美” 多伦多内维尔公园别墅（Reigo & Bauer） 坐落于加拿大多伦多东部的内维尔公园别墅住宅，出自Reigo & Bauer建筑事务所之手，堪称创新住宅设计的典范。这座面积2000平方英尺、拥有四间卧室的住宅巧妙地应对了狭窄且倾斜地块的挑战，将约束条件转化为建筑创新设计的机遇。 Nestled in Toronto's east end, the Neville Park House by Reigo & Bauer stands as a testament to innovative residential design. This 2,000-square-foot, four-bedroom home ingeniously tackles the challenges of a narrow, sloping site, transforming constraints into architectural opportunities. 7. Torrey View 生物科技园区（Flad Architects） 坐落于圣地亚哥如画风景中的Torrey View 生物科技园区，由Flad Architects设计，重新定义了现代生命科学园区的概念。该项目计划于2024年夏季开放，大胆融合了前沿设计与环保意识，提供总计515000平方英尺的尖端科研工作场所和配套设施。 Nestled in the picturesque landscape of San Diego, the Torrey View Campus by Flad Architects redefine the concept of a modern life science campus. Set to open in summer 2024, this ambitious project seamlessly blends cutting-edge design with environmental consciousness, offering 515,000 square feet of state-of-the-art scientific workplaces and amenities. 8. 美国 Longbranch 度假别墅（mwworks） 项目 – 坐落于华盛顿州凯斯湾的繁茂森林之中，由mwworks设计的Longbranch 度假别墅堪称建筑与自然和谐融合的典范。这座住宅重新定义了野奢别墅的概念，与周围的森林环境完美融为一体，同时提供豪华的生活体验。 Nestled in the verdant landscape of Key Center, Washington, the Longbranch Residence by mwworks is a masterclass in harmonious integration of architecture and nature. This 3,100-square-foot home, completed in 2023, redefines the concept of a rural retreat, seamlessly blending into its forested surroundings while offering a luxurious living experience. 9. “鹿角根” Čoarvemátta 文化教育中心（Snøhetta） 斯诺赫塔建筑事务所（Snøhetta）的最新杰作——乔阿维马塔（Čoarvemátta）文化教育中心，坐落于挪威考特凯诺，是萨米文化与当代建筑融合的典范。这座于2024年落成的建筑，总面积7200平方米，巧妙地将萨米国家剧院（Beaivváš）与萨米高中及驯鹿牧业学校统一在一个屋檐下。 Snøhetta's latest masterpiece, the Čoarvemátta Cultural and Educational Hub in Kautokeino, Norway, stands as a testament to the fusion of Sami culture and contemporary architecture. This 7,200-square-meter structure, inaugurated in 2024, houses both the Sami National Theatre Beaivváš and the Sami High School and Reindeer Herding School under one roof. 10. Kliphuis 山谷品酒体验馆（Slee & Co Architects） 坐落在南非斯泰伦博斯美丽的班胡克山谷中，"石屋"（Kliphuis）项目堪称因地制宜建筑设计的典范。这座由Slee & Co建筑事务所设计的423平方米建筑，与其令人惊叹的自然环境完美融合，展现了建筑形态与自然景观之间的和谐对话。 Nestled in the picturesque Banhoek Valley of Stellenbosch, South Africa, the Kliphuis for Capensis Wines emerges as a testament to thoughtful, site-specific architecture. Designed by Slee & Co Architects, this 423-square-meter structure seamlessly blends into its breathtaking surroundings, offering a harmonious dialogue between built form and natural landscape. 设计团队 旅游探访 9.1-9.8 35,000 views 2024 前一项 后一项

< 返回 DesignTO Festival 2027 多伦多设计节项目征集 截止日期：2026-10-9 DesignTO自2011年创办以来，已通过年度设计节持续展示加拿大及国际设计实践。2027年活动计划于1月22日至31日举行，预计推出超过100场展览与活动，内容涵盖平面、产品、室内、建筑、时尚、工艺、数字媒体及跨学科设计。 独立项目可采用线上或线下展览、活动、橱窗装置等形式，由申请者自行策划、制作并落实场地。活动同时开放Guest Designer、Youth、Thematic Exhibition、Artist Sojourn和DesignTO Talks等不同参与渠道，各项目的资格、费用、材料和截止时间有所不同。 独立项目最终注册截止日期为2026年10月9日，提前优惠截止日期为8月31日。其他项目的截止日期集中在9月4日至25日之间，申请者应根据拟参与类别在官方网站查看对应要求。 立刻前往 前一项 后一项

< 返回 加拿大 La Cime 度假屋 NatureHumaine 设计特色： 坐落于魁北克圣贝亚特里克斯心脏地带的La Cime拉西姆木屋项目，堪称创新微型木屋设计的典范，巧妙地将建筑匠心与环保意识融为一体。这座仅46平方米的精巧杰作，架设在镀锌钢桩之上，为游客带来无与伦比的树顶体验，同时将对生态环境的影响降到最低。 该项目最引人注目的特点是其别具匠心的高架设计，将生活空间悬空于地面3.6米之上。这一巧妙的构思不仅保护了原有地貌，还营造出令人陶醉的漂浮感，让居住者仿佛置身于周围的树冠之中。木屋采用错层布局，巧妙地最大化了空间利用率，私密区域位于下层，公共空间则在上层，每个区域都经过精心设计，将德拉布勒河和茂密森林的壮丽景观尽收眼底。 La Cime对可持续发展的承诺体现在其获得的LEED金级认证以及对Novoclimat标准的严格遵守。预处理西松木外墙统一了建筑的外观，而内部则展现出白松木、抛光混凝土和编织绳索元素的和谐搭配。 Nestled in the heart of Sainte-Béatrix, Quebec, La Cime stands as a testament to innovative micro-chalet design, seamlessly blending architectural ingenuity with environmental consciousness. This compact 498 sq ft marvel, perched atop galvanized steel piles, offers an unparalleled treetop experience while minimizing its ecological footprint. The project's most striking feature is its thoughtful elevation, suspending the living spaces 12 feet above the ground. This ingenious design preserves the natural terrain and creates a mesmerizing floating sensation, immersing occupants in the surrounding canopy. The chalet's split-level layout cleverly maximizes space, with private areas below and communal spaces above, each carefully oriented to frame breathtaking views of the De la Boule River and dense forest beyond. La Cime's commitment to sustainability is evident in its LEED GOLD certification and adherence to novoclimat standards. Pre-aged western pine cladding unifies the structure's exterior, while the interior showcases a harmonious palette of white pine, polished concrete, and woven rope elements. Perhaps most intriguing is the chalet's tripartite composition: the main living volume, a suspended terrace with a circular hot bath, and a separate sauna, all interconnected by a sheltered walkway. This unique configuration and the openwork wooden slat shutter create a spa-like retreat that seamlessly integrates indoor and outdoor experiences. La Cime redefines micro-living, proving that limited square footage need not compromise luxury, sustainability, or connection to nature. 设计团队： 成立于2004年的NatureHumaine是一家位于加拿大蒙特利尔的建筑设计事务所，在魁北克的建筑界迅速崛起，成为创新设计的标杆。在首席合伙人Stéphane Rasselet的带领下，该事务所以创造沉浸式、精心打造的空间而闻名，巧妙地将建筑匠心与环保意识融为一体。 NatureHumaine的作品涵盖广泛，从微型木屋到城市住宅，再到商业空间和文化机构。他们的设计方法注重环境语境，对空间动态有敏锐的理解，并致力于可持续发展，这一点从他们多个LEED认证项目中可见一斑。该事务所屡获殊荣，包括多次荣获魁北克建筑师协会的卓越奖，以及在著名的Grands Prix du Design大奖中获得认可。 NatureHumaine的项目以巧妙的空间利用、创新的材料运用以及建筑形态与自然环境的和谐融合而著称。他们对建筑的整体性设计方法，考虑到城市、建筑和人类体验的生态系统，使NatureHumaine在当代加拿大设计的前沿占据一席之地，持续打造出不仅视觉上令人惊叹，而且深具宜居性和环境响应性的空间。 Founded in 2004, NatureHumaine is a Montreal-based architectural practice that has rapidly established itself as a beacon of innovative design in Quebec's architectural landscape. Led by principal partner Stéphane Rasselet, the firm has cultivated a reputation for creating immersive, thoughtfully crafted spaces that seamlessly blend architectural ingenuity with environmental consciousness. NatureHumaine's portfolio spans an impressive range of typologies, from micro-chalets to urban residences, commercial spaces, and cultural institutions. Their approach is characterized by a meticulous attention to context, a keen understanding of spatial dynamics, and a commitment to sustainability, as evidenced by their multiple LEED-certified projects. The firm's work has garnered numerous accolades, including multiple Awards of Excellence from the Ordre des Architectes du Québec and recognition in the prestigious Grands Prix du Design. NatureHumaine's projects are distinguished by their clever maximization of space, innovative use of materials, and a harmonious integration of built form with natural surroundings. Today, the practice continues to push boundaries under the leadership of Rasselet and a talented team of architects and designers. Their holistic approach to architecture, which considers the ecosystem of the city, the building, and the human experience, positions NatureHumaine at the forefront of contemporary Canadian design, consistently delivering spaces that are not just visually striking, but profoundly livable and environmentally responsive. 设计团队 旅游探访 498 ft² 加拿大，魁北克 2023年 前一项 后一项

< 返回 卡萨·瓦比蘑菇馆 OMA / 重松象平 项目名称：卡萨·瓦比蘑菇馆 地点：普埃尔托·埃斯孔迪多，墨西哥 设计团队：OMA / 重松象平 建筑面积：200 m² 竣工时间：2026年 摄影：Rafael Gamo 设计特色：OMA合伙人重松象平在墨西哥普埃尔托·埃斯孔迪多的卡萨·瓦比基金会完成了蘑菇馆的建造，这是OMA在墨西哥落成的首个建筑作品。项目坐落于基金会占地65英亩的自然景观之中，背靠马德雷山脉，面朝瓦哈卡州太平洋海岸线，在一项具体的农业功能中注入了对生长、社群与时间的建筑思考。 建筑的核心形态是一个纯粹的椭球体。这一几何选择以建筑逻辑的方式回应了蘑菇培育所需的室内环境条件：穹顶内部被划分为出菇室、培育室与储藏室三个功能区间，三者围绕中心集会空间布置。空间下半段如圆形剧场般层层退台，兼作阶梯状陈列架，用于摆放由当地工匠手工烧制的赤陶蘑菇培育罐。退台结构与椭圆平面相结合，产生出全景监视般的视觉体验，使蘑菇种植的全过程得以在单一视点中一览无余。 顶部圆形天窗将自然光引入洞穴般的室内，周边设置的辅助开口实现被动式自然通风。最高处平台层的框景门洞越过原生低矮灌木，将无遮挡的海岸全景纳入视野。建筑体量在地面处向内收束，将占地面积压缩至最小，以此保全场地内原生瓜亚坎树木的自然生长。 混凝土外壳采用现场浇筑工艺，以镘刀抹平表面，外侧压印麻布纹理，使其吸附场地中富含铁质的水分。这种对自然侵蚀的主动让渡，意味着建筑将随时间推移逐渐生锈，外观持续演变，成为一座字面意义上仍在生长的建筑。 设计团队：OMA（大都会建筑事务所）由雷姆·库哈斯、马德隆·弗里森多普、埃利亚·曾赫利斯与佐伊·曾赫利斯于1975年共同创立，历经半个世纪的发展，已成为当代建筑领域兼具思想深度与形式创造力的顶尖实践机构之一。事务所的设计跨越多种建筑尺度，涵盖市政基础设施、文化机构、商业综合体及住宅项目，在建筑学的传统边界内持续以批判性视角审视形塑建成环境的社会、政治与城市条件。 事务所现由七位合伙人共同主持：雷姆·库哈斯、雷尼尔·德格拉夫、重松象平、伊亚德·阿尔萨卡、克里斯·范·迪金、贾森·朗，以及执行合伙人建筑师大卫·贾诺滕。OMA在鹿特丹、纽约、香港与布里斯班均设有办公室，在六大洲承接文化、住宅、商业及基础设施等多种建筑类型项目，形成覆盖全球的多元实践版图。蘑菇馆所在的卡萨·瓦比基金会项目，标志着OMA在墨西哥的首个建成作品，也是事务所拉丁美洲实践版图的重要延伸。 作为建成实践的延伸，OMA设立了研究与设计工作室AMO，将建筑学的工作方法拓展至展览设计、视觉识别、城市政策与策展实践等跨界领域。OMA与AMO共同构建了一种批判性研究与物质性生产相互嵌合的实践范式，使建筑设计兼具智识根基与空间雄心。 设计团队 旅游探访 200 m² 普埃尔托·埃斯孔迪多，墨西哥 2026 前一项 后一项

< 返回 KOKUYO DESIGN AWARD 2027 对话主题国际产品设计奖 截止日期：2026-10-7 KOKUYO DESIGN AWARD是日本KOKUYO主办的国际产品设计竞赛，长期关注能够进入真实生活、学习和工作场景的设计。2027届主题“dialogue”强调创造者与使用者、使用者与物、物与周围环境之间的关系，并鼓励设计师从这些互动中发现新的“间隙”和可能性。 参赛类别包括文具、家具及工作、学习、生活工具，个人和团队均可报名。评审重点包括主题阐释、对社会问题的回应，以及未来产品化的可能性。奖项包括200万日元大奖、每项50万日元的优胜奖，以及面向学生的NEW GENERATION奖。 报名及作品提交时间为2026年7月24日至10月7日日本时间中午12点。获奖结果预计于2027年3月13日公布，具体参赛材料和提交步骤以官方网站为准。 立刻前往 前一项 后一项

< 返回 Chappe艺术馆 JKMM Architects 项目名称： Chappe艺术馆 (Chappe Art House) 地点： 塔米萨里，芬兰 设计团队： JKMM Architects 项目面积： 1210 m² 竣工时间： 2023年 摄影： Tuomas Uusheimo 设计特色： 项目 – JKMM建筑事务所在芬兰历史悠久的滨海小镇塔米萨里揭幕了Chappe艺术馆。这座1210平方米的建筑展现了现代建筑理念与传统芬兰工艺的完美融合。 这座由Albert de la Chapelle基金会委托建造的三层建筑，以其独特的黑云杉外墙引人注目，既向该地区丰富的木制建筑传统致敬，又彰显了其现代特色。建筑的独特形态创造了一个与18世纪城镇景观和谐共存的地标性建筑。 Chappe艺术馆的与众不同之处在于其创新的空间组织方式。建筑设计了具有大堂般开阔的空间，既可作为博物馆级别的展览场所，又能容纳社区活动。顶层设有主要展览馆，而地面层则设有宽敞的多功能门厅，与共享的博物馆花园相连，在物理和功能上与现有的拉塞堡博物馆建筑群形成联系。 在JKMM建筑事务所创始合伙人Asmo Jaaksi的带领下，建筑巧妙地将艺术装置融入建筑元素中，与芬兰艺术家Karin Widnäs和Petri Vainio等人展开合作。室内空间在上层展示了裸露的木结构，为展览环境增添温暖感和质感，同时保持着博物馆级别的环境控制以保护艺术品。 建筑的细致设计还体现在其与周围环境的关系上，精心设计的框景将海景和古城风貌尽收眼底。这种对环境的关注，加上其技术上的精湛和对无障碍设计的重视，使Chappe艺术馆成为该地区重要的文化催化剂，将这个传统的季节性目的地转变为全年运营的文化中心。该项目展示了当代文化建筑如何能够在创新设计方案中既尊重当地遗产，又通过创新设计推动社区活力。 团队 – JKMM建筑事务所成立于1998年的芬兰，已发展成为北欧地区最具影响力的建筑设计机构之一，以其整体设计方法和对社会责任的承诺而闻名。在创始合伙人Asmo Jaaksi的领导下，这家总部位于赫尔辛基的工作室现已拥有近100名设计师，他们共同致力于创造促进社会福祉的建筑作品。 该事务所的作品组合展现了在文化、市政和教育领域的非凡多样性，其中包括享誉国际的Amos Rex艺术博物馆和最近完成的Chappe艺术馆。他们的设计理念融合了六个核心原则：自然启发的形态、以人为本的方法、智慧简约、注重执行的方法论、定制化解决方案和整体性集成。 JKMM的专业领域涵盖建筑设计、室内建筑、城市设计和家具设计，使他们能够提供无缝融合不同尺度和学科的综合设计解决方案。他们对创新的承诺通过令人印象深刻的竞赛成绩得到证实，在100多个建筑竞赛中获奖，其中包括50多个一等奖，使其成为芬兰最成功的竞赛事务所。 该事务所的作品通过威尼斯双年展和芬兰建筑博物馆等重要展览获得全球认可，奠定了JKMM作为当代北欧建筑领军力量的地位。 Project Name: Chappe Art House Location: Ekenäs, Finland Design Team: JKMM Architects Area: 1,210 m² Completion: 2023 Photography: Tuomas Uusheimo Feature： Project - JKMM Architects has unveiled Chappe Art House, a striking contemporary cultural venue nestled in the historic coastal town of Tammisaari, Finland. The 1,210-square-metre building serves as a testament to the seamless integration of modern architectural principles with traditional Finnish craftsmanship. The three-storey structure, commissioned by the Albert de la Chapelle Foundation, stands out for its sophisticated black spruce cladding that pays homage to the region's rich timber architectural heritage while asserting its contemporary identity. The building's distinctive form creates a contextual landmark that harmoniously weaves into the fabric of the 18th-century townscape. What sets Chappe Art House apart is its innovative approach to spatial organization. The building features lofty, hall-like spaces that serve dual purposes – housing museum-grade galleries while accommodating community events. The top level houses the main exhibition galleries, while the ground floor opens into a generous multi-purpose foyer that connects to a shared museum garden, linking it physically and programmatically to the existing Raseborg Museum complex. JKMM Architects, led by founding partner Asmo Jaaksi, has masterfully integrated art installations as architectural elements, collaborating with Finnish artists such as Karin Widnäs and Petri Vainio. The interior spaces showcase exposed timber structure on the upper levels, introducing warmth and tactility to the gallery environments while maintaining museum-grade environmental controls for art preservation. The building's thoughtful design extends to its relationship with its surroundings, featuring carefully framed views of the sea and old town. This attention to context, combined with its technical sophistication and commitment to accessibility, positions Chappe Art House as a significant cultural catalyst for the region, transforming a traditionally seasonal destination into a year-round cultural hub. The project exemplifies how contemporary cultural architecture can both honor local heritage and drive community vitality through innovative design solutions. Design Team - JKMM Architects, established in 1998 in Finland, has emerged as one of the Nordic region's most influential architectural practices, renowned for their holistic approach to design and commitment to social responsibility. Led by founding partner Asmo Jaaksi, the Helsinki-based studio has grown to encompass nearly 100 designers who share a common vision of creating architecture that fosters societal well-being. The practice's portfolio demonstrates exceptional versatility across cultural, civic, and educational sectors, with notable projects including the internationally acclaimed Amos Rex Art Museum and the recent Chappe Art House. Their design philosophy interweaves six core principles: nature-inspired forms, human-centric approaches, intelligent simplicity, execution-focused methodology, bespoke solutions, and holistic integration. JKMM's expertise spans architecture, interior architecture, urban design, and furniture design, allowing them to deliver comprehensive design solutions that seamlessly blend different scales and disciplines. Their commitment to innovation is evidenced by their impressive track record of over 100 architectural competition wins, including more than 50 first prizes, making them Finland's most successful competition office. The firm's work has been recognized globally through prestigious awards and exhibitions, including the Venice Biennale and the Museum of Finnish Architecture, establishing JKMM as a leading force in contemporary Nordic architecture. 设计团队 旅游探访 1210 m² 塔米萨里，芬兰 2023 前一项 后一项

FAAB建筑事务所由亚当·比亚沃布热斯基（Adam Bialobrzeski）与亚当·菲古尔斯基（Adam Figurski）于2003年联合创立，两位创始人此前均在波兰国内及海外多家建筑事务所积累了五年以上的专业从业经验。事务所的业务范围横跨建筑设计、景观与城市设计、室内设计及视觉传达设计，并将前沿工程技术与专业咨询服务深度整合其中。凭借严谨的研究方法与精细的设计管理，FAAB持续输出具有形式张力与功能深度的建成作品，在波兰建筑行业中树立了鲜明的专业形象。 < Back FAAB Poland FAAB建筑事务所由亚当·比亚沃布热斯基（Adam Bialobrzeski）与亚当·菲古尔斯基（Adam Figurski）于2003年联合创立，两位创始人此前均在波兰国内及海外多家建筑事务所积累了五年以上的专业从业经验。事务所的业务范围横跨建筑设计、景观与城市设计、室内设计及视觉传达设计，并将前沿工程技术与专业咨询服务深度整合其中。凭借严谨的研究方法与精细的设计管理，FAAB持续输出具有形式张力与功能深度的建成作品，在波兰建筑行业中树立了鲜明的专业形象。 事务所目前由两位联合创始人与创意总监共同主持管理，三方协力推动事务所的长期战略规划与创作方向。在此核心团队的引领下，FAAB已在波兰多地完成了一系列重要的公民、文化及医疗类项目，涵盖华沙波兰科学基金会总部、贝乌哈图夫PGE办公楼，以及正持续推进中的索波特ECR医疗综合体。 FAAB的每个项目均由专属团队负责推进，团队以主创建筑师为核心，统筹项目管理工作，并由项目建筑师及跨领域外部专家网络协同支撑。这一协作模式以事务所所倡导的「好奇心、开放性与对卓越的持续追求」为内核驱动，使FAAB得以在复杂多变的当代建成环境需求面前，始终以智识深度与材料精准性作出有力回应。 WEBSITE PROJECT