Search this site

< 返回 HarPie 住宅 Nathalie Thibodeau Architecte 项目名称：HarPie 住宅 地点：旺特沃斯，加拿大 建筑事务所： Nathalie Thibodeau Architecte 建筑面积：590 m² 完工时间：2025年 摄影：Maxime Brouillet 设计特色： 位于加拿大旺特沃斯湖畔与道路之间一片狭长地带之上，娜塔莉·蒂博多建筑事务所设计的 HarPie 住宅是一次关于场地敏感性与克制当代设计语言的精彩示范。这座建筑面积约 590 平方米的湖滨住宅于 2025 年竣工，清晰呈现了建筑如何在深植地景的同时，保有强烈的时代气息。 项目最核心的设计动作，在于对场地自然坡度的积极回应。建筑师借助地形高差，在开放性与私密性之间建立了清晰的空间等级。起居空间朝向水面大方展开，而面向道路的一侧则刻意内敛，形成遮蔽。这一经过深思熟虑的定位，赋予住宅真正意义上的宁静感，湖景不再只是一幅背景，而成为日常生活中的能动元素。 住宅由三个独立体量组成，沿共享空间到私密空间的渐变轴线展开排布。整体建筑坐落于一方石基之上，仿佛从脚下嶙峋的岩石中自然生长而出。这一有力的锚固姿态在统一建筑整体构图的同时，也进一步强化了建筑与大地之间的深层联结。每个体量均经过精准定位，分别回应特定的朝向、景观与使用方式。 HarPie 之所以卓然而立，在于它对传统木屋语言的精妙再诠释。设计师并非照搬乡土原型，而是将其本质特征，坡屋顶轮廓、天然材料以及建筑与场地之间扎根般的关系，提炼升华为一种简洁克制的建筑表达。传承与清晰之间的张力，正是这一项目最为出彩之处。 室内空间以木材与石材营造温润触感，被设定为抵御辽阔外部景观的私密庇护所。光线通过精心设置的开口得到细腻调控，在整栋建筑中维系着一以贯之的平静氛围。HarPie 有力证明，深刻的场地策略、材料的真实性以及形式的克制，足以共同成就一种安静而非凡的建筑。 设计团队： 娜塔莉·蒂博多建筑事务所（Nathalie Thibodeau Architecte）是一家立足魁北克的建筑实践机构，其工作的出发点是一个根本性的追问：人究竟如何真正地栖居于空间之中？事务所的业务聚焦于住宅与工作场所建筑领域，在场地回应性、空间敏感性与建造严谨性的交汇处展开实践。 事务所由主创建筑师娜塔莉·蒂博多领衔，她同时持有魁北克建筑师协会（OAQ）与魁北克私人执业建筑师协会（AAPPQ）双重执业资质。建筑师西蒙·伊莎贝尔亦为核心团队成员，具备 OAQ 注册建筑师及经 Passivhaus Institut 认证的被动式建筑设计师资质。这一复合专业背景使 NTA 得以站在建筑品质与环境责任深度融合的实践前沿。 被动式建筑（PassivHaus）标准是事务所核心设计理念的重要组成部分。NTA 将其视为提升建造标准、优化居住舒适度与增强建筑长期耐久性的系统框架，而非设计的限制条件。事务所坚信，当今的 PassivHaus 技术指标将成为未来负责任建造的基准规范。在每一个项目中，NTA 始终追求精准而审慎的建筑表达，致力于重新诠释人们占据和体验空间背后更为深层的内在动因。 设计团队 旅游探访 590 m² 旺特沃斯，加拿大 2025 前一项 后一项

< 返回 波兹南奢华公寓 Studio GAB 项目名称：波兹南奢华公寓 地点：波兹南，波兰 设计团队：Studio GAB 建筑面积：107 m² 竣工时间：2025年 摄影：Oni Studio 设计特色： 项目 - 位于波兰波兹南的奢华公寓由Studio GAB设计，展现了当代都市居住的精致典范，以清晰、优雅和微妙的亲密感为设计理念。这套107平方米的公寓布局既拥抱开放性又保持私密性，创造出一个既宽敞又经过精巧设计分区的居住空间。 该项目最引人注目的设计成就在于其巧妙平衡开放性与私密性的空间策略。公寓核心是起居室与相邻厨房，通过隔墙巧妙分离。这一解决方案保持空间明亮通风，同时让厨房保持略微隐蔽，确保主要生活区域保持干净、整洁的氛围。卧室被构想为私人静修空间，配有独立浴室，提供舒适和隐私，而第三个房间作为灵活的客房空间。 室内设计的显著特色是对天然材料的运用。地面铺设优雅大理石，赋予奢华感和永恒性，而定制木质内装增添温暖和触觉品质，在精致与舒适之间取得平衡。这些元素共同创造出精致与自然简约之间的对话，塑造出既宁静又温馨的氛围。 材料表达体现了与空间的深度对话。Studio GAB的设计强调功能性而不牺牲美感。自然光线、精致纹理和克制的色彩搭配汇聚一起，将紧凑的都市公寓转变为和谐温馨的生活环境。这个项目体现了工作室的设计哲学：创造不仅在美学上引人注目，而且深度契合日常生活节奏的空间。 设计团队 - Studio GAB由Katarzyna Osipowicz-Grabowska和Piotr Grabowski于2016年创立，已确立其作为杰出建筑实践机构的地位，总部位于波兹南，通过屡获殊荣的住宅设计和深思熟虑的适应性改造项目确立了自身地位。工作室的首个项目——Nowa Górka住宅——荣获享有盛誉的SARP 2016奖项荣誉提名，为其致力于卓越建筑品质奠定了发展轨迹。 在Osipowicz-Grabowska和Grabowski的创意指导下，Studio GAB追求以居住者与建成环境之间基本关系为核心的设计方法论。工作室的设计起点是接受者与环境的关系——人与建筑以及周围环境的关系。其设计方法的关键是巧妙理解客户需求并将其转化为建筑运营方式。 工作室的设计哲学围绕"不仅解决空间问题"的理念展开，对地点、现有组织、项目和预算的理解使他们能够创造新的机会，发现潜力并为特定地点增添新价值。在环境意识和人口变化加深的时代，其项目基于最可能和理性的技术解决方案有意识地创建，使设计的建筑经久耐用并允许未来适应其他用途。 该实践理解建筑为个性化学科，每个案例都努力不重复以前获得的模式。两位主创均在波兹南理工大学建筑学院从事建筑教育，Katarzyna自2019年任教，Piotr自2020年任教。教学建立了更具反思性和分析性的态度，专业经验通过对自己项目更有意义的方法得到补充。著名作品包括获得SARP 2016奖项荣誉提名的Nowa Górka住宅、Czerniakowski港船员办公楼竞赛一等奖以及Burkietowicz集团办公楼投资竞赛一等奖。 设计团队 旅游探访 107 m² 波兹南，波兰 2025 前一项 后一项

< 返回 电影衍生品馆 柳翔建筑设计事务所 项目名称：电影衍生品馆 设计团队：柳翔建筑设计事务所 面积：3083㎡ 地点：四川省凉山州西昌，中国 设计特色： 项目 – 坐落于西昌安宁河谷的电影衍生品博物馆，是建筑艺术、电影文化、自然环境和民族传统和谐共融的绝佳典范。该馆由建筑师柳翔设计，是雄心勃勃的西昌建川电影博物馆聚落项目中的一颗明珠。 博物馆最引人注目的特色是由五个圆柱体量巧妙组合而成的整体结构，灵感源自传统的电影胶片和放映机。这些高低错落、大小各异的圆形体块，在西昌高原热带景观的衬托下，仿佛在跳动着充满活力的建筑之舞。中心圆柱作为主厅，周围四个圆柱则分别容纳了专题展厅，每个展厅都致力于展示电影周边产品的不同方面。 建筑设计巧妙融入了当地彝族丰富的文化元素，圆形元素在彝族艺术和节日中的广泛应用在此得到了完美诠释。这种文化敏感度延伸到了室内设计，伞状展厅向传统彝族工艺致敬，令人叹为观止。 博物馆外立面采用了穿孔钛金属板，搭配木纹肌理，营造出光影交错的效果，仿佛在向电影摄影技术致敬。弧形玻璃入口大厅打破了传统博物馆设计的桎梏，为游客奉上了热情的欢迎礼。 电影衍生品博物馆面积逾3000平方米，不仅收藏了丰富的电影相关文物，还提供了互动空间，巧妙地将电影历史与当代文化串联起来。凭借其创新的设计理念和深厚的文化底蕴，这座博物馆无疑将成为西昌的新地标，邀请人们共同探索精彩纷呈的电影世界及其广泛深远的影响力。 团队 – 南京柳翔建筑设计事务所（LXD）自2003年创立以来，已在行业内获得了广泛好评。作为美国LXD建筑设计事务所在南京的分支机构，该公司巧妙地将国际视野与本土洞察力融为一体。 在首席建筑师柳翔的带领下，LXD的跨学科团队在建筑设计、城市规划和室内设计领域均有卓越表现。其项目组合令人印象深刻，涵盖了高层办公楼、大型城市综合体、文化中心、博物馆和教育设施等多种类型。 LXD的设计理念核心在于在严格的技术和预算限制下创造创新解决方案。这种方法在歌剧院和国家级旅游规划方案等标志性项目中得到充分体现，展示了公司的多面性和创意实力。 公司的城市规划部门在社区规划、步行友好街道设计和新城开发等方面做出了重要贡献。他们的整体性设计方法将可持续设计原则与文化敏感度巧妙结合，打造出和谐且功能完善的城市环境。 LXD始终致力于推动建筑学话语的边界，通过他们深思熟虑、因地制宜的设计不断塑造建成环境。他们的作品体现了对形式、功能和文化语境之间微妙关系的深刻理解，使其在中国当代建筑实践中占据了领先地位。 Project：Film Derivative Museum Team：LIU XIANG DESIGN.INC（LXD） Size：3083 m² Location：Xichang, China Feature： Project - Nestled in the Anning River Valley of Xichang, China, the Film Derivative Museum stands as a testament to the harmonious integration of architecture, cinematic art, natural environment, and cultural heritage. Designed by architect Liu Xiang, this striking edifice is part of the ambitious Xichang Jianchuan Film Museum settlement, a sprawling complex dedicated to celebrating the magic of cinema. The museum's most distinctive feature is its composition of five cylindrical volumes, inspired by traditional film reels and projectors. These circular forms, varying in height and size, create a dynamic silhouette that seems to dance against the backdrop of Xichang's tropical highland landscape. The central cylinder serves as the main hall, while the surrounding four house specialized exhibition spaces, each dedicated to different aspects of film memorabilia and merchandise. Drawing influence from the rich cultural tapestry of the local Yi ethnic minority, the building incorporates circular motifs prevalent in Yi art and festivals. This cultural sensitivity extends to the interior, where umbrella-shaped exhibition halls pay homage to traditional Yi craftsmanship. The museum's facade, clad in perforated titanium panels and accented with wood-grain textures, creates a play of light and shadow reminiscent of cinematic techniques. A curved glass entrance hall breaks away from conventional museum design, offering a welcoming gesture to visitors. Covering over 3,000 square meters, the Film Derivative Museum not only showcases an extensive collection of movie-related artifacts but also provides interactive spaces that bridge the gap between film history and contemporary culture. With its innovative design and cultural resonance, this museum stands as a new landmark in Xichang, inviting visitors to explore the fascinating world of cinema and its far-reaching influence. Design Team -LIU XIANG DESIGN.INC (LXD), founded in 2003, has established itself as a formidable presence in the architectural landscape of Nanjing, China. As the Nanjing branch of the American LXD architectural firm, it brings a unique blend of international expertise and local insight to its projects. Led by Principal Architect Liu Xiang, LXD's multidisciplinary team excels in architectural design, urban planning, and interior design. Their portfolio spans an impressive range of typologies, including high-rise office towers, large-scale urban complexes, cultural centers, museums, and educational facilities. LXD's design philosophy centers on creating innovative solutions within strict technical and budgetary constraints. This approach has yielded notable projects such as opera houses and national-level tourism planning schemes, showcasing the firm's versatility and creative prowess. The firm's urban planning division has made significant contributions to community planning, pedestrian-friendly streetscapes, and new town development. Their holistic approach integrates sustainable design principles with cultural sensitivity, resulting in harmonious and functional urban environments. With a commitment to pushing the boundaries of architectural discourse, LXD continues to shape the built environment through their thoughtful, context-driven designs. Their work reflects a deep understanding of the interplay between form, function, and cultural context, positioning them at the forefront of contemporary architectural practice in China. 设计团队 旅游探访 3083m² Xichang, China 2024 前一项 后一项

< 返回 奈美大岛之家 酒井建筑事务所 项目名称：奈美大岛之家 地点：鹿儿岛县奈美市，日本 设计团队：酒井建筑事务所 建筑面积：119.24 m² 竣工时间：2024年 摄影：石井纪久 设计特色：酒井建筑事务所主持建筑师酒井一徳在日本鹿儿岛县奄美大岛完成了这座彻底脱离公共电网的家庭住宅。这座命名为“奄美大岛之家”的建筑完全依靠太阳能运转，作为一座可居住的自立循环实验室而存在，是建筑师为其自邸所做的一次关于自立型微型基础设施的大胆实验。 项目的起点是建筑师三年前购入的一块山地，他最初设想在那里建造一座能够抵御自然灾害、同时回应农村急速老龄化与消亡的自立小屋。然而，他最终选择以自己的住宅作为实验场地，并在开工仪式前十天做出决断，切断与市政电网的连接。 奄美大岛气候严苛，高温多湿、突发性暴雨频繁，而日照时长却出人意料地与日本东北地区相近，这些条件共同构成了设计的核心挑战。酒井从岛上传统的分栋建筑形式中汲取灵感，将卫生间、卧室、储藏等不同功能体量以几何方式分散布置，在五栋之间形成模糊内外界限、贯通家庭与地域的共享过渡空间。 屋顶形式参照奄美传统高仓的架构，使四面通风得以实现，深远的出檐有效遮挡强烈日射并抵御突发性暴雨，从而省去了空调的需求。场地内设置堆肥装置，将厨余转化为菜园肥料，建筑废料则被收集用作木柴桑拿的燃料，形成资源在建造方与居住者之间的内部循环。这是一座安静却彻底的建筑宣言，它质疑当代居住生活对基础设施的依赖，将“栖居”重新定义为一种生态与文化双重意义上的自觉承担。 设计团队：酒井建筑事务所（SAKAI ARCHITECTS）由酒井萃于1979年在日本鹿儿岛创立，历经逾四十年的持续深耕，发展为一家深度植根于日本南方地域景观、气候与文化传统的专业建筑设计机构。事务所于2014年正式完成法人化，现由创始主持建筑师、一级建筑士酒井萃与董事酒井一徳共同领导。酒井萃毕业于日本大学工学部建筑学科，早年任职于西松建设株式会社，其后走上独立执业之路。酒井一徳持有美国佛罗里达大学建筑学院建筑学硕士学位，曾先后执业于东京知名事务所Atelier TEKUTO及酒井建筑事务所。 事务所目前在奄美市与鹿儿岛市设有双办公室，业务范围涵盖建筑设计、室内设计、改造更新、景观及产品设计。事务所长期保持的设计品质获得了广泛的专业认可：先后两度荣获优良设计奖（2014年、2018年），多次斩获日本建筑学会九州建筑奖，并于2018年获得鹿儿岛市景观设计奖大奖。近年来，事务所持续在行业内取得重要认可，于2024年荣获建筑学会九州建筑奖新人奖，2025年相继获得福冈美丽城市建筑奖优秀奖及鹿儿岛木造住宅设计竞赛知事奖。上述奖项从多个维度印证了事务所在技术严谨性、环境回应性以及奄美群岛地域建筑传承方面的持续贡献。 设计团队 旅游探访 119.24 m² 奈美市，日本 2024 前一项 后一项

< 返回 Le Vau 教育馆 L'Atelier Senzu 设计特色： 项目 – 最新落成的Le Vau 教育馆堪称可持续建筑与社区参与典范。以夯土与木结构为主体材料，这首座巴黎承重夯土建筑的独特圆形设计，满足多层面的需求。作为创建更具包容性与平等感教育空间的解决方案，创新设计容纳不同排布形式，同时其包裹式外墙也抛弃了传统建筑的等级观与层级感。 新教育馆位处街道与学校建筑间，以建筑形式与功能打通两种情境。其美感突出的圆形屋顶外观，以条状木质材料增强，创造邀请而平等的集体学习场域，区隔传统正交线条的教育机构。选用夯土作为主要材料，则赋予结构稳固、热特性良好的特征，以服务于建筑可持续发展。作为汇聚建筑减碳需要、打造包容性学习环境以及建立社区连结这三个目标的集中之地，此项目为城市环境中教育建筑与可持续建筑的结合指明了方向。 团队 – 来自法国巴黎的L'Atelier Senzu建筑设计事务所成立于2014年，在Wandrille Marchais和David Dottelonde的领导下，秉承工坊式工作文化，强调团队合作与交流，集合每一位成员的专长，共同打造设计方案。其方法是混合多种视角与知识，结合历史智慧与新颖科技，在保留传统精髓的同时，用乐观态度与责任心面对各种挑战。设计团队不断追问该如何打造更具可持续性的建筑，寻找可替代高耗能材料的创新解决方案，其深信这种转变必须建基于物质的实验，因此建筑师必须与材料制造商保持緊密合作。 Feature： Project - The newly completed Le Vau Pavilion stands as a pioneering exemplar of sustainable architecture and community engagement. Crafted from rammed earth and wood within a school complex in Paris, the distinctive circular structure fosters connections on multiple fronts. Conceived in response to the need for more welcoming and egalitarian educational spaces, the innovative design accommodates varied arrangements while its all-encompassing facade rejects conventional hierarchies. Strategically situated between the street and school building, the pavilion bridges contexts in form and function. Its aesthetically striking round shape, accentuated by a slatted wooden exterior, creates an inviting arena for collective learning that contrasts with the orthogonal Lines of traditional institutions. The choice of rammed earth as the primary material, a first for a load-bearing building in Paris, brings structural integrity and appealing thermal properties in service of sustainability. As a convergence of diverse concerns - the imperative to decarbonize construction, the need for inclusive pedagogical environments, and the goal of building community ties - the Le Vau Pavilion stands as a resounding success. Its exemplary approach points the way forward for educational architecture and sustainable construction practices in urban settings. Design Team - L'Atelier Senzu upholds a workshop culture emphasizing teamwork and exchange of ideas, combining members’ expertise to create design schemes collectively. Our method is to hybridize perspectives and knowledge, blending ancient wisdom with novel technologies, preserving traditional essences while tackling challenges optimistically and responsibly. We constantly question how to build more sustainably, seeking innovative alternatives to energy-intensive materials. We believe this paradigm shift must be grounded in material experimentation. Therefore architects must collaborate closely with manufacturers. 设计团队 旅游探访 100 m² Paris, FRANCE 2023 前一项 后一项

< 返回 Vespa 住宅 Habitat Studio Architects 项目名称：Vespa 住宅 地点：昆士兰州，澳大利亚 设计团队：Habitat Studio Architects 建筑面积：540 平方米 竣工时间：2024 年 摄影：Kristian Van der Beek 设计特色： 坐落于澳大利亚昆士兰州亚热带腹地，由 Habitat Studio Architects 精心设计的 Vespa 住宅，是一座深刻回应气候条件、场地语境与家庭生活方式的当代居所。这座建筑面积达 540 平方米的单户住宅于 2024 年竣工，以严谨的生物气候设计原则为根基，将裸露混凝土的厚重感、温润木材的自然质感与精准的黑色金属细部融合为一套内敛而有力的建筑语言。 建筑的西侧立面是整个设计中最具雕塑感的元素。这道厚重的整体式墙体以双重身份介入场地，既是抵御强烈西晒的气候遮蔽屏障，又是界定私密领域的空间边界。其上方，一个形态纯粹的亚热带屋顶形态仿佛轻盈悬浮，以深远挑檐、通透的木格栅板条与茂盛的屋顶花园共同构成一套精密调控的气候系统，实现被动通风、遮阳与视觉绿化的高度融合。室内与室外的边界在这一系列层叠构件的作用下渐趋模糊，住宅以沉浸于大地景观的姿态呼应着季节更替的节律。 Vespa 项目最富原创性的空间策略，在于其核心位置的中央庭院。这一内向性空间同时承担着微气候调节与社交凝聚的双重职能，以庭院为锚点，对外开放的起居区域与静谧私密的内向空间围绕其展开，形成动静互补的空间格局。公共与私密领域经过精心分层划定，赋予住宅随家庭生活节律灵活伸展的空间弹性。光影流转、粗粝材质与层叠植物所共同营造的感官氛围，使整座住宅始终弥漫着一种宁静而充满生机的场所精神。 可持续性并非 Vespa 设计叙事的附加维度，而是其建筑逻辑的内在结构。被动式太阳能设计、高效节能玻璃与光伏系统协同运作，系统性地降低建筑能耗需求；水敏感型景观设计与以生物多样性为导向的庭院种植则进一步提升了场地的生态价值。耐久且维护需求低的建筑材料以使用寿命为首要选材标准，确保建筑随岁月流逝仍保有优雅的品质与风貌。Vespa 是一件对气候、语境与居者同时作出回应的建筑作品，在其中，日常居住的每一刻都因自然的温柔在场而变得更为丰盈。 设计团队： Habitat Studio Architects 于 2010 年创立，总部位于澳大利亚黄金海岸伯利角，是一家在严谨设计思维与场地环境回应之间深度融合的精品多元化建筑事务所。事务所在首席建筑师兼总监 Wayne Greenland 的带领下，形成了以场地特定性、气候适应性与材料真实性为核心的设计哲学，致力于使每一个项目都能在其物质与文化语境中清晰表达出独特的场所精神。环境可持续性是事务所设计流程的内在组成部分，而非附加选项，贯穿于从初步构思到竣工落成的全部实践阶段。 作为澳大利亚建筑师协会认证的 A+ 级事务所，Habitat Studio 拥有涵盖高端住宅与海滨别墅、多户联排住宅与公寓、混合用途商业、酒店及室内设计的多元化项目类型。事务所迄今已完成包括 79 个独立住宅、51 个多户住宅、48 个商业及 129 个改建翻新在内的逾 300 个项目，项目版图沿澳大利亚东海岸延伸，从凯恩斯、艾尔利海滩、黄金海岸直至墨尔本，并拓展至新加坡与巴布亚新几内亚等国际市场。 事务所现由 Wayne Greenland 主持，核心团队由具备丰富跨类型实践经验的建筑师与设计师共同构成，包括建筑师 Cale Allan 与 Lauren Lovell、项目负责人 Florencia Henriquez，以及建筑学毕业生 Joshua Clark、Carina Soleckhan 与建筑制图师 Tomas Kavakama。事务所以其与客户、建筑师与建造方之间富有成效的协作机制著称，通过对细节的精准把控、材料的严谨遴选与空间组织的系统逻辑，持续交付在功能层面之上实现真正体验价值的建筑作品。 设计团队 旅游探访 540 m² 昆士兰州，澳大利亚 2024 前一项 后一项

< 返回 霍伊万根教堂 Henning Larsen + espen surnevik 项目名称：霍伊万根教堂（Højvangen Church） 地点：斯坎德堡 ， 丹麦 设计团队：Henning Larsen + espen surnevik 建筑面积：1500 m² 竣工时间：2024年 摄影：Rasmus Hjortshøj 设计特色： 项目 - 丹麦建筑事务所Henning Larsen在斯坎德堡完成了一座具有革命性意义的当代教堂建筑，通过创新的非方向性空间设计和精妙的光影操控来重新定义现代社会中教堂的角色。霍伊万根教堂（Højvangen Church）是该教区500多年来建造的第一座新教堂，在教堂关闭和世俗化加剧的时代背景下，这座新教堂的启用成为引人注目的例外。 教堂战略性地坐落在斯坎德堡郊区，这座面积1500平方米的建筑颂扬了丹麦建筑传统，同时拥抱当代社区和精神性理念。建筑最显著的特色在于其向心式布局设计，洗礼池位于建筑的绝对中心，而非传统的祭台末端位置。这种中心化布置使视野向四面八方开放——朝向森林、墓地、古老钟楼——强化了教堂作为"市民广场"而非方向性空间的理念。 Henning Larsen巧妙的空间解决方案挑战了传统教堂布局，创造了一个没有正式前后之分的灵活室内空间，既开放又私密神圣。周围的墙体在实墙和透明之间转换，形成私密空间，平衡开放性与亲密感，社区性与个人反思。这种适应性的"广场"可以容纳各种活动，旨在包容每一个人。 建筑外立面采用轻柔起伏的设计，在一天中引入变化的自然光线。可渗透的墙面过滤和塑造光线，创造出光影和氛围的动态互动，使建筑本身成为精神体验的一部分。砖石、橡木和黄铜等材料营造出温暖而永恒的氛围，从外观上看，教堂呈现为嵌入景观中的雕塑式展馆，通过部分地下走廊与现有教堂中心相连。 最值得注意的是，该项目将Henning Larsen's的设计理念延伸至家具设计领域，事务所与丹麦家具制造商Brdr. Krüger合作设计了名为Ekko的新型可堆叠教堂椅。这款椅子结合了优雅与耐用性，并通过欧盟最高标准(L2)的使用认证，标志着Henning Larsen时隔60年重返家具设计。 设计团队 - 由丹麦建筑师Henning Larsen于1959年创立，Henning Larsen已确立其在日光操控和可持续设计卓越性方面的国际声誉。在现任总经理Jacob Kurek的领导下——他于1997年以实习生身份加入并在近三十年间指导了事务所的全球扩张——Henning Larsen持续在建筑、景观、城市设计和室内设计等多个学科领域推进边界。 事务所的设计理念核心在于将日光视为有形材料进行操控，使创始人Henning Larsen在建筑界获得"光影大师"的美誉。这种以光为中心的设计方法，源于创始人在西日德兰半岛的童年经历，至今仍是该事务所当代作品的显著特征。建筑师在保持对细节的敏锐关注的同时，从不忽视宏观视野。 事务所在全球拥有超过600名员工，设计团队分布于八个国家的工作室。其作品集展现了卓越的多样性，涵盖文化机构、教育设施和城市总体规划，同时始终强调环境责任和社会影响。该事务所致力于在复杂的建成环境、生态系统和社会之间建立联系，通过共创、创新和培育来实现持久变革。 Henning Larsen的设计卓越性通过一系列权威奖项得到认可，包括2013年哈尔帕音乐厅获得的欧盟当代建筑奖——密斯·凡·德·罗奖，以及2019年欧洲年度建筑师奖。自2019年加入安博集团 (Ramboll)以来，Henning Larsen进一步强化了其跨学科合作和可持续创新的承诺——基于共同的北欧传统、对知识和社会责任的关注，以及打造人与自然和谐繁荣的可持续社会的使命。 Project Name: Højvangen Church Location: Skanderborg , Denmark Design Team: Henning Larsen + espen surnevik Total Floor Area: 1500 m² Completion: 2024 Photography: Rasmus Hjortshøj】 Engineering: Ramboll Studio Dreiseitl, Ramboll Landscape Architecture: Schul Landskab & Planlægning Client: Skanderborg Parish Feature: Project - Danish architecture studio Henning Larsen completed a revolutionary contemporary church building in Skanderborg, redefining the role of the church in modern society through innovative non-directional spatial design and sophisticated light manipulation. Højvangen Church marks the first new church built in the parish for over half a millennium, representing a striking exception in an era marked by church closures and increasing secularization. Strategically located on the outskirts of Skanderborg, Denmark, this 1500-square-meter building honors Danish architectural heritage while embracing contemporary ideas of community and spirituality. The church's most distinctive feature lies in its centripetal layout design, with the baptismal font positioned at the absolute center of the building rather than at the traditional altar end. This central placement allows views to open in all directions——toward the forest, cemetery, and old church tower——reinforcing the idea of the church as a "civic clearing" rather than a directional space. Henning Larsen's ingenious spatial solution challenges traditional church layouts, creating a flexible interior space without formal front or back that feels both open and intimate yet sacred. The surrounding walls shift between solid and transparent, forming pockets of privacy that balance openness with intimacy, and community with personal reflection. This adaptable "clearing" can accommodate a wide variety of events, designed to include everyone. The building's gently undulating façade invites in shifting natural light throughout the day. Permeable walls filter and shape this light to create a dynamic interplay of shadow and atmosphere, making the architecture itself part of the spiritual experience. Materials such as brick, oak, and brass create a warm, timeless atmosphere. From the outside, the church appears as a sculpted pavilion set into the landscape, connected to the existing church center by a partially underground corridor. Most notably, the project extends Henning Larsen's design philosophy into furniture design, with the studio partnering with Danish furniture maker Brdr. Krüger to design a new stackable church chair named Ekko. The chair combines elegance with durability and is certified to the highest EU standard (L2) for extreme use, marking Henning Larsen's return to furniture design after 60 years. Design Team - Founded in 1959 by Danish architect Henning Larsen, Henning Larsen has established its international reputation for mastery in daylight manipulation and sustainable design excellence. Under the current leadership of Managing Director Jacob Kurek——who began as an intern in 1997 and has guided the firm's global expansion for nearly three decades——Henning Larsen continues to push boundaries across architecture, landscape, urban design, and interiors. The studio's design philosophy centers on manipulating daylight as a tangible material, earning founder Henning Larsen recognition as "the master of light" within the architectural community. This light-centric approach, rooted in the founder's childhood experiences in Western Jutland, remains a defining characteristic of the practice's contemporary work. The architects maintain acute attention to detail whilst never losing sight of the bigger picture. The firm maintains a global presence with over 600 employees, with design communities spread across studios in eight countries. Their portfolio demonstrates exceptional versatility, spanning cultural institutions, educational facilities, and urban masterplans while consistently emphasizing environmental responsibility and social impact. The studio is committed to navigating the complex connections that bind together built environment, ecological systems, and societies at large, manifesting lasting change through co-creation, innovation, and cultivation. Henning Larsen's design excellence has been recognized through prestigious accolades including the 2012 Præmium Imperiale Architecture Laureate, the 2013 European Union Prize for Contemporary Architecture——Mies van der Rohe Award for Harpa Concert Hall, and the 2019 European Architect of the Year Award. Since joining the Ramboll Group in 2019, Henning Larsen has further strengthened its commitment to interdisciplinary collaboration and sustainable innovation——united by shared Nordic legacies, focus on knowledge and social responsibility, and mission to craft sustainable societies where people and nature flourish. 设计团队 旅游探访 1500 m² 斯坎德堡，丹麦 2024 前一项 后一项

< 返回 千叶屋 ZIVY ARCHITECTS 设计特色： 项目 – ZIVY Architects 设计的千叶屋坐落在新加坡一块狭窄的 9m x 38m 地块上，巧妙地将庭院置于室内，成为室内外互动的核心空间。这个采光良好、通风流畅的四层高中庭，成为整座房屋的主动脉。两端设置了具有传统风格的镂空混凝土遮阳板，不仅过滤了自然光线，更引入了阵阵清风，给房屋注入生机。中庭植栽葱茏，犹如将户外景致转移至室内。沿中庭分布着通透的卧室和起居空间，为房屋的主人们创造了愉悦融洽的多代同堂生活体验。这座环保智能的现代之家，屋顶安装了太阳能电池板，地面采用了循环再造的核桃木渣水泥。建筑师以生态与人文并重的理念，在狭小空间中打造出舒适宜居的热带风情之居所，让几代同堂的家庭成员在这里相聚相守、幸福互伴。 团队 – ZIVY ARCHITECTS由Loh Zixu和Evy Sutjahjo于2019年在新加坡创立，秉承着通过严谨探索和对细节的关注，才能创造出卓越的设计理念。这家公司的设计过程中，会广泛召开设计研讨会，把原本平凡无奇的设计需求转化为充满个性和实用性的非凡空间。事务所的两位创始人都是新加坡建筑师公会注册建筑师和新加坡建筑师学会企业会员。他们追求空间体验的丰富层次，注重实用性和私密性的完美结合。Zixu理性务实的设计风格与Evy对生活化空间和诗意般质朴的热爱互相辉映。无论是多代人共居的住宅，还是商业和公共建筑，亦或是产品设计，他们都坚持以人为本的宗旨了，努力打造能彰显人性化和提升生活质量的空间。通过与业内专家的紧密合作，以及在学术界的导师角色，ZIVY ARCHITECTS还积极参与并推动了新加坡建筑行业的发展。他们以人为中心、贴近生活的设计理念，正成为重塑新加坡建筑环境的新兴力量。 Feature： Project - Nestled on a narrow 9m x 38m plot in Singapore, the House of a Thousand Leaves by ZIVY Architects reinvents the multi-generational home with an ingenious inward-looking design. Rather than segregated private zones, this three-and-a-half story semi-detached house fosters connectedness through shared spaces that encourage chance encounters between family members. The pièce de résistance is the soaring quadruple-volume atrium at the heart of the home. Oriented north-south, it capitalizes on natural ventilation with breeze block endwalls that create a wind-tunnel effect. The tapered concrete blocks filter dappled light and rain, completing the biophilic experience along with deep skylights and integrated greenery across levels. But the atrium is far more than just a sculptural centerpiece. It doubles as an open circulation core, with a continuous perforated metal mesh staircase that visually connects all floors. Full-height glazing along the interior atrium wall furthers sightlines and airflow into the adjoining living spaces occupied by individual family units. Sustainability prominently features, from solar panels to repurposed walnut chip flooring in the tea room. By cleverly intertwining nature and multi-generational living, ZIVY has crafted an adaptable tropical haven for occupants to grow together over decades to come. Design Team - Founded in 2019 by Loh Zixu and Evy Sutjahjo, ZIVY Architects is a Singapore-based practice guided by the belief that great design emerges through rigorous exploration and a keen attention to detail. The firm's collaborative approach places inclusive design sessions at the heart of every project, transforming briefs from ordinary to extraordinary. Led by Zixu and Evy, both Registered Architects with the Board of Architects Singapore and Corporate Members of the Singapore Institute of Architects, ZIVY's work prioritizes creating richly layered spatial experiences imbued with purpose and personality. Zixu's rational design process harmonizes with Evy's sensitivity for livability and poetry. Completing the core team are Architectural Associates Jean Lin and Pang Yun Jie, whose fresh perspectives further the practice's dedication to innovation. ZIVY's portfolio spans multi-generational homes, commercial/institutional spaces, and even product design - all unified by a commitment to crafting environments that empower inhabitants and elevate the human condition. Through close collaboration with industry consultants and academic mentorship roles, ZIVY actively enriches the architectural discourse. Their purposeful, peoplecentric approach positions them as an ascending force redefining Singapore's built environment. 设计团队 旅游探访 715 m² 新加坡 2023年 前一项 后一项

< Back SOM Apply Now Product Manager San Francisco, CA, USA Job Type Full Time Workspace On-Site About the Role About the Company This is placeholder text. To change this content, double-click on the element and click Change Content. Want to view and manage all your collections? Click on the Content Manager button in the Add panel on the left. Here, you can make changes to your content, add new fields, create dynamic pages and more. You can create as many collections as you need. Your collection is already set up for you with fields and content. Add your own, or import content from a CSV file. Add fields for any type of content you want to display, such as rich text, images, videos and more. You can also collect and store information from your site visitors using input elements like custom forms and fields. Be sure to click Sync after making changes in a collection, so visitors can see your newest content on your live site. Preview your site to check that all your elements are displaying content from the right collection fields. Apply Now

RAD+ar(Research Artistic Design + architecture)是一家印度尼西亚建筑事务所，将设计定位为对空间、文化和可持续性的挑战性探索。该事务所由Antonius Richard Rusli创立，在建筑、城市主义、研究和发展的交汇处运作，将每个项目视为挑战传统方法和拓展建筑可能性边界的机会。在Dadi Prasojo和Antonius Richard的领导下，RAD+ar认为，应对当代挑战需要建筑成为最严谨的探索领域之一。该事务所倡导基于热带建筑原则和乌托邦研究方法的更可持续、更公平的建筑环境愿景。 < Back RAD+ar Indonesia RAD+ar(Research Artistic Design + architecture)是一家印度尼西亚建筑事务所，将设计定位为对空间、文化和可持续性的挑战性探索。该事务所由Antonius Richard Rusli创立，在建筑、城市主义、研究和发展的交汇处运作，将每个项目视为挑战传统方法和拓展建筑可能性边界的机会。 在Dadi Prasojo和Antonius Richard的领导下，RAD+ar认为，应对当代挑战需要建筑成为最严谨的探索领域之一。该事务所倡导基于热带建筑原则和乌托邦研究方法的更可持续、更公平的建筑环境愿景。 RAD+ar的作品集展示了其在不同尺度和类型上的实验承诺，从紧凑的城市干预到更广泛的景观策略。该事务所连接历史和文化叙事，探索建筑在全球化与本土化之间进行调解的能力。通过多学科协作和在每个项目阶段的系统整合，RAD+ar始终如一地交付创新作品，重新定义超越空间和建筑传统概念的建筑价值，使该事务所成为当代印度尼西亚建筑领域的进步声音。 WEBSITE PROJECT

< 返回 PK 住宅 8x8 Design Studio Co. 设计特色： 项目 – 位于菲律宾卡拉塔根的山顶上的PK 住宅，由8x8 Design Studio设计，作为对传统菲律宾茅屋“Bahay Kubo”的当代诠释。这座面积2400平米的周末度假屋，由三个层级的体量组成渐缩的金字塔形，提供层层阴凉并拥有俯瞰周围热带风景的全景视野。作为住宅的支点的是其一层开放的“Silong”空间（菲律宾传统房屋特色）,设想为一个流动的公共区域，中心是一个细长的铁木餐桌，流线穿梭室外庭院和游泳池，打破室内与室外的界限。 上层是玻璃围合的透明“Bulwagan”客厅，通高落地玻璃可以通过滑动完全打开。 最顶层是私人的主人套房，其可旋转的窗户让室内与外部阳台融为一体。建筑钢结构利用伸出的部分作为遮阳装置，表面涂以耐候材料以抵御海边气候。室内漂白的木质表面设计唤起传统菲律宾建筑回忆，与当代家具形成对比。主浴室的Inoki浴池也是一个引人注目的设计亮点。总体来说，这个项目将本土风格转化为一个与周围环境相连的宁静现代之家。 团队 – 8x8设计工作室成立于2012年，由Adrian Alfonso和Pearl Robles创立，这是一家位于菲律宾马卡蒂的年轻建筑设计公司，致力于打造富有激发性的空间环境。“8x8”这个名字来源于无限延伸的理念，以开发组织空间的新方法。无限是他们设计过程的核心，通过对场地空间机会和项目需求的研究，内嵌于每个项目中。8x8通过深入探索轻盈体量、立体姿态、空间质感等策略，孕育建筑词汇，为菲律宾当代建筑开辟新方向。作为一个小型工作室，8x8仅服务于选定的项目，从概念到落地提供充分的设计与管控，详细的3D建模和全面的细节关注确保设计得以精确转化为落地建筑。他们专长于现代建筑，为住宅、商业和酒店提供建筑和室内设计的创新解决方案。在2016年，8X8被选为威尼斯建筑双年展菲律宾国家馆的九个参与者之一。 Feature： Project - Set atop a hill in Calatagan, Philippines, the striking PK House designed by 8x8 Design Studio serves as a contemporary reinterpretation of the traditional Filipino Bahay Kubo. The 2400 sqm weekend retreat comprises three cascading volumes that create a tapering pyramidal form, providing shade and framing panoramic views of the surrounding tropical landscape. Anchoring the home is the ground floor Silong, conceived as a fluid communal area with an elongated ironwood dining table at its core. This flows into exterior courtyards and pools, blurring indoor/outdoor boundaries. Cantilevered above is the transparent Bulwagan living pavilion, enveloped in full-height glazing that opens fully via sliding panels. At the top, the private master suite has turnable windows that allow it to become one with the exterior deck. The steel-framed volumes employ overhangs as solar shading devices and are finished with weather-resistant materials to withstand the seaside climate. Inside, bleached wooden surfaces evoke traditional Philippine architecture, offset by contemporary furnishings and sculptural light fixtures. An Inoki soaking tub makes a striking statement in the master bath. Overall, the project translates vernacular influences into a tranquil modern sanctuary that connects with the surrounds. Design Team - Founded in 2012 by partners Adrian Alfonso and Pearl Robles, 8x8 Design Studio is a young architecture firm based in Makati, Philippines dedicated to crafting inspired spatial environments. The name "8x8" stems from the concept of multiplying infinities to develop novel approaches in composing space. Infinities are core to their design process, embedded in each project through studies of site spatial opportunities and program requirements. 8x8 rigorously explores strategies for lightness, object stance, and spatial grain to grow an architectural vocabulary that defines new directions for Philippine architecture. As a small studio catering to select projects, 8x8 offers substantial design control from conception through realization. Detailed 3D modeling and comprehensive attention to detail ensure designs are precisely translated into built form. Specializing in modern architecture, they provide fresh residential, commercial, and hospitality solutions encompassing architecture and interiors. Their recent accolades include Arch+ Planetary Urbanism publication in Germany and the Philippines Pavilion at the 2016 Venice Architecture Biennale. 设计团队 旅游探访 2400 m² 菲律宾 卡拉塔根 2023 前一项 后一项

异规设计工作室自创立以来，迅速崛起为深圳乃至全国建筑与空间设计界的先锋力量。这个由一群年轻有为、富有前瞻性的设计师领军的工作室，凭借其非常规的创意问题解决方式，在业界开辟了独树一帜的风格。 Founded in Shenzhen, Informal Design has rapidly emerged as a vanguard in architectural and spatial design since its inception. This dynamic studio, led by a team of young, forward-thinking designers, has carved out a distinctive niche in the industry with its unconventional approach to creative problem-solving. < Back Informal Design 中国（CHINA） 异规设计工作室自创立以来，迅速崛起为深圳乃至全国建筑与空间设计界的先锋力量。这个由一群年轻有为、富有前瞻性的设计师领军的工作室，凭借其非常规的创意问题解决方式，在业界开辟了独树一帜的风格。 异规设计的理念植根于混沌与秩序之间的互动，他们拥抱创意过程中的不可预测性。他们的项目以大胆的元素并置见长，挑战传统的空间层级，不断推进当代设计语言的边界。 工作室的作品集涵盖了广泛的项目，从工业空间的改造再利用，到创新的零售环境设计，再到量身定制的住宅室内设计。他们的作品以对材质的敏锐洞察、对体验式设计的重视以及对可持续性的承诺而著称。 异规设计的实力已通过多项享有盛誉的奖项得到认可，包括多次斩获MUSE设计大奖、iF设计大奖和ADC年度大奖。这些荣誉凸显了该公司在全球设计界日益增长的影响力。 秉持着促进跨学科对话的协作精神，异规设计持续挑战传统，创造出不仅视觉上引人注目，而且深度响应用户需求和场地特性的空间。他们的方法代表了建筑实践的新范式，一种拥抱流动性、实验性和设计变革力量的范式。 Founded in Shenzhen, Informal Design has rapidly emerged as a vanguard in architectural and spatial design since its inception. This dynamic studio, led by a team of young, forward-thinking designers, has carved out a distinctive niche in the industry with its unconventional approach to creative problem-solving. Informal Design's philosophy is rooted in the interplay between chaos and order, embracing the unpredictable nature of creativity. Their projects are characterized by a bold juxtaposition of elements, challenging traditional spatial hierarchies and pushing the boundaries of contemporary design language. The studio's portfolio showcases a diverse range of projects, from adaptive reuse of industrial spaces to innovative retail environments and bespoke residential interiors. Their work is distinguished by a keen attention to materiality, an emphasis on experiential design, and a commitment to sustainability. Informal Design's prowess has been recognized through numerous prestigious accolades, including multiple MUSE Design Awards, the iF Design Award, and the ADC Annual Award. These honors underscore the firm's growing influence in the global design community. With a collaborative ethos that fosters interdisciplinary dialogue, Informal Design continues to challenge conventions, creating spaces that are not just visually striking, but also deeply responsive to the needs of users and the nuances of site context. Their approach represents a new paradigm in architectural practice, one that embraces fluidity, experimentation, and the transformative power of design. WEBSITE PROJECT

< 返回 SKIN1004旗舰店 LMTLS 设计特色： 项目 – 这家位于首尔明洞中心的SKIN1004旗舰店，它粗犷的岩石立面与这个邻里典型的玻璃店面形成了强烈对比。项目空间巧妙地在城市环境中汲取“未被触碰的自然”的本质，使用代表“马达加斯加”未开垦景观的丰富的大地色调、有机形状和纹理。走进嶙峋的石头门脸，游客穿过芦苇环绕的“小径”，遇见飘动的巨幅多媒体自然场景，让人完全没入原生态的多感官体验。一楼展览区和二楼休息厅及零售区域之间精心制造的照明效果和视觉连通性加强了这两个空间的凝聚力，它们通过一个有机雕塑中心装置连接在一起。这一极具创新精神的设计由韩国LMTLS设计工作主导，它摆脱了对自然的老套描绘，以充满活力的沙质色调和粗粝质感掩盖了复杂而精心设计的天然灵感与当代风格的融合。这种具创造性的方法塑造了一个引人入胜又意想不到的避风港，与外面喧嚣的城市生活形成强烈对比，作为一个独特的零售环境存在让人神往- 就好像其产品是从地球原生环境提纯出来的一样。 团队 – LMTLS是一家总部位于纽约和首尔的建筑设计工作室，其三位共同创始人Daeho Lee、Beomki Lee和Jaeyual Lee在麻省理工学院(MIT)攻读建筑学硕士学位期间开始了合作。通过他们多年来的默契合作，目前已获得不俗的口碑，其致力于通过创新的设计推动变革，为每个项目找到最佳的设计方向。 Feature： Project - The new SKIN1004 flagship store in the heart of Myeong-dong, Seoul emerges as a striking presence with its textured rock façadecontrasting with the glass storefronts typical of the neighborhood. The space artfully brings the essence of “untouched nature” into the urban setting through rich earth tones, organic shapes and textures that reference the untamed landscapes of Madagascar. Upon entering the craggy stone frontage, visitors traverse reed-lined “trails” and encounter swaying video walls depicting natural scenes, fostering an immersive multisensory connection with raw, primordial nature. Carefully orchestrated lighting and visibility between the exhibition-focused ground floor and the product lounge and retail area above enhance the continuity between the spaces tied together by an organic sculptural centerpiece. The innovative scheme spearheaded by Korean firm LMTLS liberates the brand identity from clichéd representations of nature with vibrant sand-hued tones and rough-hewn textures belying the sophisticated blend of natural inspirations filtered through contemporary form. The creative approach shapes an intriguing and unexpected haven contrasting the teeming urban activity outside, standing as a distinctive retail environment where cosmetics emerge as if concentrated from the very essence of the earth. Design Team - LMTLS is a New York & Seoul based architectural design group whose three co-founders, Daeho Lee, Beomki Lee, and Jaeyual Lee, began their collaboration at the Massachusetts Institute of Technology (MIT) during their Master of Architecture studies. Founded in 2015, the firm is committed to catalyzing change through innovative design, navigating towards the optimal design direction for each project. As stated in their manifesto: "Beyond limits, our creative design thinking transcends constraints, weaving a tapestry of boundless possibilities. Embracing diverse approaches, free from stereotypes, we manifest an endless expression without boundaries." 设计团队 旅游探访 350 m² 韩国 首尔 2023 前一项 后一项

< 返回 木屋 S.O.S Architects 项目名称：木屋 地点：清莱，泰国 设计团队：S.O.S Architects 面积：705 m² 完工时间：2026年 摄影：Rungkit Charoenwat 设计特色： 泰国清莱的山地林区之中，S.O.S Architects 设计的木屋是一座建筑面积达705平方米的商业度假建筑。项目于2026年竣工，由主持建筑师 Chaikla Dangboon 与 Tariya Tiwan 主导设计，其核心立场是将建筑融入自然环境，而非将其作为独立物体强加于场地之上。 建筑体量的形态直接来源于周边山地地貌。各组成体量层叠排布，以呼应连绵山脊的轮廓；倾斜的屋顶线条顺应丘陵起伏，使整座建筑在视觉上自然消隐于环境之中。这一形式逻辑并不止步于外立面，室内天花板的斜向几何延续了建筑外形的语言，使空间体验具有一种与山地景观同源的有机连贯性。 大尺度开口与精心布置的天窗将室外景致引入室内，既框取了四周的森林全景，又捕捉了全天候中阳光在木质表面上流动变化的光影效果。室内氛围因此兼具庇护感与沉浸感，令人在遮蔽之中仍与自然保持深切的联结。 木屋最为突出的特质，在于其对材料的根本性重新定义。事务所与 Champaca Wood 合作，将拆解自当地传统民居的旧柚木屋面瓦片重新用作建筑外皮，同时以通常在加工过程中废弃的边材余料作为室内墙面饰材，光线在其粗粝纹理上投下丰富而细腻的阴影层次。端面木料余块则被压制为拼花地板，以工业废料为原料，生成精致的几何图案与独特的材质肌理。这一系列选择共同表明：可持续性并不必然构成建筑品质的制约，在这个项目中，它恰恰成为建筑性格、质感与场所认同的根本来源。木屋归根结底是一次克制而有力的宣言，关乎一种倾听场地的建筑态度。 设计团队： S.O.S Architects 总部位于泰国，其名称本身即凝缩了核心理念："简约之感"（Sense of Simplicity）。事务所现由主持建筑师 Chaikla Dangboon 与 Tariya Tiwan 领衔，业务范围涵盖建筑设计、室内设计及既有建筑改造，兼顾住宅与商业建筑类型，并以同等严谨的专业态度对待各类项目。 事务所的设计方法论并非起步于某种预设的形式语言，而是建立于细致入微的观察之上，包括对使用者行为模式、空间使用习惯以及项目特定条件的深入理解。复杂性在此并非需要回避的障碍，而是有待提炼的设计原料。每个项目均经历严格的减法过程，识别并剔除冗余元素，最终保留在功能层面不可或缺、在场地语境中最为恰当的设计决策。其成果呈现为逻辑清晰、构成均衡、具有长效空间性能的建筑作品。 S.O.S Architects 有意回避可识别的标志性风格。事务所将每项委托视为独立的定制化命题，设计语言由业主的个体特质塑造，而非源于反复套用的形式惯例。尽管各项目在外观上可能存在显著差异，一以贯之的思维严谨性始终统摄着整体创作脉络，体现于每一层级的设计决策之中，也贯穿于对建筑持久价值的持续追求。 设计团队 旅游探访 705 m² 清莱，泰国 2026 前一项 后一项

< 返回 The Nue Black Aesthetic 新黑人美学设计展 截止日期：2027-8-8 展览由作家、记者及A Vibe Called Tech创始人Charlene Prempeh客座策划，邀请16位当代设计师参与，包括Ini Archibong、Simone Brewster、Mac Collins、Tosin Oshinowo、Samuel Ross和Bianca Saunders等。展览提出“黑人设计并非单一面貌”的观点，重新讨论谁在塑造设计文化，以及设计如何承载复杂的历史和身份经验。 展览共设置六个部分，展出超过100件作品，范围从家具和建筑到时装、雕塑、陶瓷和装置。展览还将以Ini Archibong的新场域委托作品作为收束，进一步连接设计、工艺、声音和空间体验。 展览时间为2026年11月6日至2027年8月8日，地点为伦敦设计博物馆。门票已经开始销售，价格和开放时间以博物馆官方网站为准。 立刻前往 前一项 后一项

< 返回 金沙酒业文旅区综合体 殊至建筑 项目名称：金沙酒业文旅区 地点：毕节，中国 设计团队：hyperSity Architects殊至建筑 建筑面积：21966平方米 竣工时间：2025年 摄影：Weiqi Jin 设计特色： 项目 - 金沙酒业文旅区由hyperSity Architects殊至建筑设计，展现了通过历史遗存转化和网格化空间组织重新构想传统酒厂的创新空间解决方案。项目位于贵州省金沙县大水岭，赤水河流域上游，其设计理念源自推动品牌从"卖酒"向"卖生活方式"转型的愿景，突出了在当代文化旅游环境中通过建筑打破传统工业封闭壁垒的可能性。 该项目最引人注目的成就在于其革命性的"控制性网格"设计理念。建筑师没有采用常规的工厂配置，而是基于"一分钟步行可达性"原则划分网格单元，创造出与酿酒工艺节奏产生共鸣的动态组织。从项目构思之初，这种网格就标定了概念起点：一座从生产逻辑向外延展的文旅综合体，每个单元都与固定功能和灵活空间保持直接关系。网格呼应"12987"酿酒工艺（一年生产周期、二次投料、九次蒸煮、八次发酵、七次取酒）的秩序与灵活性。 建筑形态通过精妙的历史原型演化组织，分布于保留、抽象、延伸、叠加四个阶段但具备丰富的空间层次。展厅按原貌修复保留历史特征，博物馆采用几何重构，廊道与庭院创造"室内外无缝连接"的展陈体验。体验中心采用"大院套小院"的布局形态，研发中心垂直叠加成"山形"体量，嵌入中庭与空中连廊增强团队互动。 立面处理展现当代设计的精妙，简洁而有效，通过青砖与混凝土材料强化历史文脉的在场性，为整体提供质朴质感同时确保场地记忆的延续性。开口的战略性布置，不仅满足采光通风需求，更提供视觉焦点，强化了文旅综合体的开放特质。 材料运用体现了与地域文化的深度对话。金沙酒业文旅区被构想为一个建筑姿态，向赤水河流域酿酒传统以及历史建筑与当代功能之间的本质连接致敬，展现出当代中国文旅建筑在处理文化传承和产业创新时的成熟度和创新性。项目通过透明走廊促进生产观摩体验，将轻量化生产过程向访客开放。绿地与广场向公众开放，定期举办酱香型白酒科普活动，实现企业与公众的连接。四座核心建筑（展示中心、博物馆、体验中心、研发中心）实现"三个连接"：连接生产与体验、连接产业与城市、连接企业与公众。70亩核心区域内，网格单元根据固定功能（博物馆、酿造技艺展示区）和灵活空间（临时活动场地）进行配置，创造适宜酿酒微生物的微环境，同时消解传统工厂的工业感。 设计团队 -- hyperSity Architects殊至建筑于2012年由主创建筑师史洋在荷兰鹿特丹创立，已确立其作为创新建筑实践机构的地位，在鹿特丹和北京运营两个国际工作室。事务所目前由创始人兼主创建筑师史洋领导，核心设计团队由拥有荷兰注册建筑师规划师执照、具备国际知名事务所丰富实践经验的专业人士组成。 在史洋的创意指导下，事务所追求将创新理念融入中国多元空间实践的整体设计方法论。每个项目都转化为回应场地特质的创新系统，不同层面形成包容性动态，体现了事务所对城市更新和乡村振兴的承诺。 事务所的设计哲学围绕"场地特质与当代语言"的理念展开，这一原则体现在以空间创新、文化传承和功能复合为特征的项目中。hyperSity的作品集展现了在创造平衡历史记忆与当代功能和谐环境方面的持续卓越，确立了事务所作为中国当代建筑话语重要贡献者的地位。 该实践将建筑理解为扩展学科，业务涵盖多种尺度类型，包括院落住宅、办公空间、美术馆、文化园区规划及儿童教育设施。著名完成作品包括荣获2019年中国最美书店奖的合院里的书店、成为创新型办公行业空间典范的woo space联合办公品牌，以及参加2016年威尼斯建筑双年展平行展的大栅栏茶儿胡同22号院改造项目。hyperSity的跨学科实践超越传统建筑，涵盖参与雷姆·库哈斯策展的2020年古根海姆美术馆"乡村，未来"展览（设计中国展区装置），以及包括海南电影园区高层建筑、林芝文旅开发项目、酱酒文化产业园、首钢高炉结构适应性再利用等在建项目。金沙酒业文旅区作为hyperSity在酱香白酒产业的首个大型综合体项目，展现了事务所应对产业转型需求和文化传承责任的能力，为金沙酒业建立了"生产加体验"一体化的品牌窗口，同时补充了城市公共文化载体。 设计团队 旅游探访 21966 m² 毕节，中国 2025 前一项 后一项

< 返回 五月天咖啡厅 SPACE DOT 项目名称：五月天咖啡厅 地点：骊州 ， 韩国 设计团队：SPACE DOT 建筑面积：330 m² 竣工时间：2022年 摄影：SPACE DOT 设计特色： 项目 - SPACE DOT在韩国骊州太平里这个历史悠久的村庄中创建了一座静谧的咖啡厅，这里曾是学者们前往首都途中艰难旅程的歇脚之地。这座330平方米的五月天咖啡厅将这个具有文化意义的场所转化为城市居民寻求远离都市生活喘息的现代圣地。 该项目最独特的特色在于其对一棵名为"오월이"（意为"五月"）高大雪松的建筑回应。这棵雄伟的树木从单一主干向天空分叉成两臂，直接启发了咖啡厅的双建筑配置。建筑师将A栋定位为厨房和服务区域，而B栋则通过四面落地窗全景开放，提供山脊线的无遮挡视野。 SPACE DOT的设计理念围绕创造一个"拥抱天空的空间"，呼应雪松向上伸展的形态。建筑物战略性地位于村庄的最高点，最大化室内与景观的连接。戏剧性的入口序列沿着令人印象深刻的石墙展开，让人联想到传统韩式庄园建筑，在揭示咖啡厅宁静庭院之前营造期待感。 材料选择致敬了场地被破坏的地形——这是开发对山地地形造成创伤的后果。石材和木材饰面原产于原始景观，既是美学选择也是环境纪念。建筑两侧宁静的反射池捕捉不断变化的天空，而温暖木材与白色空间空隙的相互作用创造出深刻宁静的氛围。 这种文化记忆、自然灵感和当代酒店设计的整合，使五月天咖啡厅不仅仅是一个商业空间——它成为韩国传统旅行者歇脚点的现代诠释。 团队 - SPACE DOT成立于2021年，由李胜元（Seungwon Lee）和金京一（Kyung Il Kim）共同创立。该事务所专注于酒店和商业建筑设计，以其对空间基础主义的独特理解而闻名——认为建筑始于汇聚成线条、表面，最终形成连贯空间体验的单个点。 事务所的代表作品体现了其对语境响应式设计的承诺，在短短几年内获得了国际认可，包括2024年联合国教科文组织主办的凡尔赛建筑奖餐厅类别、2025年世界三大设计奖项之一的iF设计奖室内建筑类别，以及2024年全球餐厅与酒吧设计奖亚洲咖啡厅类别。 在李胜元和金京一的持续领导下，SPACE DOT已确立了其在韩国新兴建筑实践中的地位。该事务所的设计方法论超越了传统的美学考量，优先考虑感官和情感参与，同时保持功能性能。他们在适应性场地策略、材料真实性和生物亲和性设计整合方面展现出特殊的专业能力。 SPACE DOT的创作理念强调每个项目都应承载独特的品牌叙事，将场所的文化意义与当代功能需求相结合。他们相信空间是最贴近我们生活的艺术形式，因此致力于创造不仅在视觉上令人印象深刻，更能在感官和情感层面与使用者产生共鸣的建筑体验。五月天咖啡厅项目充分展现了他们将品牌概念转化为建筑体验的卓越能力。 Project Name: MAY DAY CAFE Location: Yeoju-si, South Korea Design Team: SPACE DOT Total Floor Area: 330 m² Completion: 2022 Photography: Courtesy of SPACE DOT Feature: Project - SPACE DOT transformed a site in the historic village of Taepyeong-ri, Yeoju into May Day Cafe. Completed in 2022, the project fully embodies the core philosophy of providing "complete rest" spaces for urban dwellers. Taepyeong-ri has historically been a place where scholars traveling to Hanyang for civil service examinations would pause to rest, named for its peaceful and harmonious energy. The design of May Day Cafe began with a clear concept: creating a space that could "embrace the sky." The architects were inspired by a towering cedar tree named "Owol-i" (May) at the center of the site, whose form—branching skyward from a single trunk into two arms—directly influenced the cafe's twin-building configuration. The architects positioned Building A to house the kitchen and staff areas, while Building B opens panoramically through floor-to-ceiling windows on all four sides, offering unobstructed views of the mountain ridgeline. The core highlight of the project is its sensitive response to the site's disrupted topography from development. To conceal the incongruous retaining walls created by construction, Building A was strategically arranged as a screen, while Building B, positioned at the village's highest point, maximizes connection with the natural landscape. The architects chose stone and wood as primary materials—elements once native to the land—as a gesture of homage to the nature lost to development. In terms of material selection, the architects deliberately chose elements that echo the site's original natural state. Stone and wood finishes serve not only as aesthetic choices but also as environmental memorials. Tranquil reflecting pools on either side of the building capture the ever-changing colors of the sky as they shift with wind, while a large window beneath the grand roof fully frames the sky and scenery of Taepyeong-ri, and lower side windows bring in natural light that transforms with the seasons. The lighting design emphasizes the seasonal variations of natural light, with the interplay of warm timber and overall white spatial voids creating a soothing and serene atmosphere. The central cedar "Owol-i" serves not only as the source of design inspiration but also becomes a key element symbolizing the cafe's identity—a space providing May-like warmth, comfort, and stability for rest. By combining cultural memory, natural inspiration, and contemporary architectural design, SPACE DOT created a modern sanctuary that transcends traditional commercial spaces, authentically expressing a contemporary interpretation of Korea's traditional rest stops, providing a place of tranquility and restoration for weary urban travelers. Design Team - SPACE DOT was established in 2021 by Seungwon Lee and Kyung Il Kim. The firm specializes in hospitality and commercial architecture design, known for its unique understanding of spatial fundamentalism—believing that architecture begins with individual points that aggregate into lines, surfaces, and ultimately cohesive spatial experiences. The firm's representative works demonstrate their commitment to contextually responsive design, gaining international recognition within just a few years, including the UNESCO Prix Versailles 2024 for Restaurants, the iF Design Award 2025 in Interior Architecture (one of the world's top three design awards), and the Restaurant & Bar Design Awards 2024 Asia-Café category. Under the continued leadership of Seungwon Lee and Kyung Il Kim, SPACE DOT has established its position among Korea's emerging architectural practices. The firm's design methodology transcends conventional aesthetic considerations, prioritizing sensory and emotional engagement while maintaining functional performance. They demonstrate particular expertise in adaptive site strategies, material authenticity, and biophilic design integration. SPACE DOT's creative philosophy emphasizes that each project should carry unique brand narratives, combining the cultural significance of place with contemporary functional requirements. They believe space is the art form closest to our lives, therefore committed to creating architectural experiences that not only impress visually but also resonate with users on sensory and emotional levels. The May Day Cafe project fully demonstrates their exceptional ability to transform brand concepts into architectural experiences. 设计团队 旅游探访 330 m² 骊州，韩国 2022 前一项 后一项

< 返回 石之花园住宅 EASTERN Design Office 设计特色： 项目 – EASTERN Design Office在日本创造了一处非凡的住宅庇护所，将建筑塑造为纪念碑式的原始形态。石园住宅是一件雕塑般的混凝土杰作，其特色是两面长达47米的延伸长墙，其中开窗。这种大胆减少装饰的做法，让几何分明的长方体量自成宏论。通过剔除多余细节，建筑师塑造了一种深具力量与简单本质的作品，宛若远古遗址般于自然环境中耸立。建筑外形坚硬朴素之际，偶尔点缀些许优雅抒情 - 曲线长墙流动如行星軌迹，地坪高低起伏营造起伏地形。庭园中巨石的陈设进一步强化这原始野性，凭借沉稳威严的气质与大地色彩，石园住宅让人联想到沙漠的博大空旷、海平线的穹壤无垠、天体的孤寂漂泊。这是一个追溯本质的场所，供人于自然永恒循环中静静思索。 团队 – EASTERN Design Office由中村安奈和神野太阳于2003年在日本京都创立，迅速成为日本最具发人深思及哲理探索的先锋建筑设计事务所。其作品演绎了广阔的范畴，囊括住宅、商业建筑、城市规划等。从备受赞誉的"裂缝之家"(2005年)到近期个性十足的"黑忍者酒店"(2019年)，他们的作品淬铸了朴素而富诗意的极简主义风格，将建筑还原为初始雕塑般的本质。该设计工作室在知名设计竞赛中屡获肯定，足见其理念严谨,包括早年就在中国天津的重大项目中获奖。他们的作品亦曾在世界建筑节获取肯定。在Nakamura和Jinno的领导下，设计团队继续推陈出新，让建筑成为形而上探索的载体，每一作品都成为对人类存在本质的空间、光影、材料与造型的有趣剖析与思索。 Feature： Project - EASTERN Design Office has crafted an extraordinary residential sanctuary in Japan that distills architecture down to its most monolithic and primordial forms. The Stone Garden Residence is a tour-de-force of sculpted concrete, characterized by two elongated walls that stretch 47 meters across the site, punctuated only by a solitary towering aperture. This daring exercise in reduction eschews ornament, allowing the robust geometry of the rectilinear volumes to speak for itself. By stripping away extraneous detail, the architects have produced a work of profound simplicity and power that seems to emerge from the landscape itself like a ancient remnant. The austerity of the architectural forms is counterbalanced by moments of elegant lyricism - gently curved walls suggest planetary contours, while subtle changes in paving level imbue the hardscape with a sense of undulating terrain. Massive boulders situated in the garden further reinforce the primeval quality. With its commanding presence and remarkable mineral palette, the Stone Garden Residence conjures the sublime emptiness of the desert, oceanic horizons, and celestial bodies. This is an environment distilled to its essence - a place for contemplation amidst the eternal cycles of nature. Design Team - Founded in 2003 by principals Anna Nakamura and Taiyo Jinno, EASTERN Design Office has emerged as one of Japan's most provocative and philosophical architecture practices. Headquartered in the cultural capital of Kyoto, the firm challenges conventional notions of spatial experience through highly conceptual and formally experimental works. EASTERN's portfolio showcases an impressive range, spanning residences, commercial buildings, urban interventions and speculative proposals. From the celebrated Slit House (2005) to recent works like the cavernous Hotel Ninja Black (2019), their designs manifest a stark yet poetic minimalism that distills architecture to its most primordial and sculptural essence. The studio's intellectual rigor is evidenced by their recognition in prestigious competitions, including prizes for major projects in Tianjin, China early in their tenure. Their output has also garnered acclaim through the World Architecture Festival Awards. Under Nakamura and Jinno's design leadership, EASTERN continues to push boundaries and posit architecture as a vehicle for metaphysical exploration. Each built work becomes a profound meditation on fundamental aspects of human existence through space, light, material and form. 设计团队 旅游探访 235 m² 日本 2023年 前一项 后一项

< 返回 TOM WOOD SHIBUYA TORAFU ARCHITECTS 地点：东京涩谷，日本 设计团队：TORAFU ARCHITECTS 面积：300 ㎡ 建成时间：2026年 施工：D.BRAIN 照明设计：BRANCH LIGHTING DESIGN 木质家具：北田浩二郎 植物设计：TOO GARDEN 摄影：Keishin Horikoshi 设计特色： TOM WOOD SHIBUYA位于东京涩谷一层沿街空间，是挪威珠宝品牌TOM WOOD在日本开设的第二家旗舰店。面对人流与信息高度密集的城市环境，设计没有把店铺处理成封闭的陈列盒子，而是以门式框架构成清晰的入口界面，让街道的流动、店内的秩序与品牌一贯克制的材料语言在同一视野中相遇。 穿过入口，空间围绕一座长约7.2米的中央玻璃展柜展开。展柜既是珠宝陈列的核心，也是组织动线的尺度基准；顾客可以沿其四周自然回游，在不同距离和角度中观看产品。原有偏心柱没有被隐藏，设计以不锈钢柜台环抱柱体，把结构限制转化为空间节点，也让连续的行走节奏获得停顿。 沿墙设置的通高玻璃展柜尽量收起五金构件，以安静、连续的背景承托尺度细小而具有雕塑感的珠宝。销售区旁嵌入休息区，北田浩二郎设计的木质座椅取意于斯堪的纳维亚森林中的倒木，为明亮而冷静的金属与玻璃空间引入温度。回游与停留不再被严格分开，浏览、交谈与试戴可以在同一条空间路径上自然发生。 店铺后部设置档案抽屉与TOM WOOD LAB。透过开口和玻璃界面，维修、刻字、尺寸调整等珠宝工艺成为顾客能够感知的日常过程，零售空间由此从产品展示延伸到长期保养与制作文化。实验室的专业设备、不锈钢工作台和定制照明并未被完全藏在后台，而是成为品牌关于工艺与责任的可见部分。 材料选择延续TOM WOOD既有门店的触觉特征，同时回应日本本地制作。喷砂混凝土、镜面与发丝纹不锈钢、高透明玻璃，以及本地松木和橡木共同构成克制而富有层次的环境。TORAFU ARCHITECTS没有依靠强烈造型制造注意力，而是在涩谷的喧闹中插入一段明亮、流动而安静的空间，使建筑、陈列与服务共同呈现品牌的新阶段。 设计团队： TORAFU ARCHITECTS由建筑师铃野浩一与秃真哉于2004年在东京共同创立。铃野浩一先后就读于东京理科大学与横滨国立大学，曾任职于Coelacanth K&H及墨尔本Kerstin Thompson Architects；秃真哉毕业于明治大学，并曾在青木淳建筑计划事务所工作。两位创始人此后持续共同主持事务所的设计实践。 事务所以建筑思维为工作基础，实践范围横跨建筑、室内、展览空间、产品设计、空间装置与影像制作。团队并不以项目尺度划分设计的重要性，而是从人的动作、物件的使用方式和场所关系中寻找空间结构，使家具、展柜、室内与建筑能够在同一套逻辑中相互回应。 事务所的代表作包括TEMPLATE IN CLASKA、NIKE 1LOVE、港北住宅、airvase、Gulliver Table与Big T等。其“Light Loom”获得2011年Elita Design Award最高奖，airvase于2015年被蒙特利尔美术馆纳入永久收藏。TOM WOOD SHIBUYA延续了团队在零售空间中的长期探索：通过精确的构造、回游动线与物件尺度，让品牌体验在克制的环境中逐渐展开。 设计团队 旅游探访 300 m² 东京涩谷，日本 2026 前一项 后一项

< 返回 里亚斯海岸住宅 no.10 NOMURA Co., Ltd. 项目名称：里亚斯海岸住宅 地点：日本 设计团队：no.10 NOMURA Co., Ltd. 建筑面积：567 m² 竣工时间：2024年 摄影：Takumi Ota 设计特色： 项目 - 日本建筑工作室no.10 NOMURA Co., Ltd.在日本海沿岸完成了里亚斯海岸住宅项目，创造了一座巧妙回应戏剧性海岸环境的混凝土住宅，将日本里亚斯海岸的独特特征融入建筑设计的核心理念。该项目位于以复杂锯齿状海岸线和壮观"洞门"岩石构造而闻名的景观之中，俯瞰日本海的壮丽景色。 项目最引人注目的设计特色在于其对当地城市肌理的精妙重新诠释——建筑师巧妙地将该地区独特的"枡形"巷道配置直接融入建筑的首层平面设计中。这种传统的方形街道模式，具有弯曲的交叉口以抵御严酷的北风，被转化为建筑语言，创造了一个分段的建筑体量，既与周围的城镇景观和谐融合，又保持了功能上的连贯性。 建筑的形态以非凡的敏感度追随自然地形。在南侧立面，结构向上层逐步后退，创造出类似山丘的轮廓，确保与城市景观的视觉连续性。相反，北侧立面大胆地高于周围环境，形成三维几何介入，既服务于美学目的，也具有实用功能，将风流引导远离城市核心。 最引人注目的是建筑的材料表达策略，直接映射了海岸地质特征。下层采用露骨料混凝土饰面，唤起岩石海岸线的质感，而上层则展示用当地杉木板模板制作的木纹混凝土，代表着覆盖海岸悬崖顶部的茂密植被。这种双层材料策略无缝延伸到室内空间，在建筑表达与自然环境之间创造了前所未有的统一性。 骨料和杉木板模板材料均为当地可获得的材料，建筑师希望通过本土材料的表达将场地独特的景观编织到未来之中。通过对本土材料、传统城市模式和当代建筑语言的深思熟虑的综合，这座住宅成为情境设计的典范模型，增强而非破坏其非凡的环境设置。 设计团队 - no.10 NOMURA Co., Ltd.作为一家杰出的空间设计咨询公司，成立于2020年1月，作为日本最负盛名的建筑空间创造者和管理者之一——乃村工艺社的专业设计部门。该公司的创立愿景源于其前身设计团队onndo的卓越成绩，该团队曾与国际知名的Nendo Inc.设计工作室建立合作联盟。 在首席设计师青野恵太的创意指导下，no.10追求涵盖室内设计、建筑设计、产品设计和综合设计咨询服务的整体设计方法论。青野的多元文化背景——1975年出生于苏黎世，毕业于大阪艺术大学——为公司独特地将西方和东方设计理念融合成连贯空间叙事的能力提供了支撑。 公司的设计哲学以追求"从始至终的优雅简约"为核心，这一原则体现在以精致材料调色板、精确空间比例和情境敏感性为特征的项目中。no.10的作品集展现了在创造平衡功能性能与体验丰富性环境方面的持续卓越表现，确立了公司作为日本当代建筑话语重要贡献者的地位。 该事务所的设计思维围绕着对事物本质的探索，从项目的开始到结束都寻找平衡点和重心所在。通过室内设计、建筑设计、产品设计和设计咨询等综合专业服务，no.10致力于通过创新设计实践扩展乃村工艺社的全球影响力，在国际舞台上展现日本设计的精髓与创新。 Project Name: House on the Rias Coast Location: Japan Design Team: no.10 NOMURA Co., Ltd. Total Floor Area: 567 m² Completion: 2024 Photography: Takumi Ota Feature: Project - Japanese architecture studio no.10 NOMURA Co., Ltd. completed the House on the Rias Coast project along the Sea of Japan coastline, creating a striking concrete residence that ingeniously responds to its dramatic coastal setting, weaving the unique characteristics of Japan's Rias coastline into the very core of its architectural concept. The project is positioned within a landscape renowned for its intricate indented coastline and spectacular "cave gate" rock formations, overlooking the magnificent views of the Sea of Japan. The project's most compelling design feature lies in its sophisticated reinterpretation of the local urban fabric -- the architects masterfully incorporated the area's distinctive "Masu-gata" alley configuration directly into the building's ground floor plan design. This traditional square-shaped street pattern with cranked intersections designed to deflect harsh northerly winds has been transformed into architectural language, creating a fragmented building volume that harmoniously integrates with the surrounding townscape while maintaining functional coherence. The building's form follows the natural topography with remarkable sensitivity. On the south elevation, the structure steps back toward the upper floors, creating a hill-like silhouette that ensures visual continuity with the cityscape. Conversely, the north facade rises boldly above its surroundings, forming a three-dimensional geometric intervention that serves both aesthetic and practical purposes by channeling wind patterns away from the urban core. Most striking is the building's material expression strategy, which directly mirrors the coastal geological characteristics. The lower level features concrete with an exposed aggregate finish that evokes the rocky shoreline texture, while the upper floors showcase wood-grained concrete formed with local cedar planks, representing the lush vegetation that crowns the coastal cliffs. This two-tiered material strategy extends seamlessly into the interior spaces, creating an unprecedented unity between architectural expression and natural environment. Both the aggregate and cedar board formwork materials are locally sourced, with the architects hoping that the expression of local materials would weave the site's unique landscape into the future. Through this thoughtful synthesis of local materials, traditional urban patterns, and contemporary architectural language, the house stands as an exemplary model of contextual design that enhances rather than disrupts its extraordinary environmental setting. Design Team - no.10 NOMURA Co., Ltd. stands as a distinguished spatial design consultancy, established in January 2020 as the specialized design division of NOMURA Co., Ltd.—one of Japan's most prestigious creators and managers of architectural spaces. The founding vision of no.10 emerged from the proven track record of its predecessor design team, onndo, which operated in collaborative alliance with the internationally acclaimed Nendo Inc. design studio. Under the creative direction of Chief Designer Keita Aono, no.10 pursues a holistic design methodology that encompasses interior design, architectural design, product design, and comprehensive design consulting services. Aono's multicultural background—born in Zurich in 1975 and educated at Osaka University of Arts—informs the firm's unique ability to synthesize Western and Eastern design sensibilities into coherent spatial narratives. The firm's design philosophy centers on the pursuit of "elegant simplicity from start to finish," a principle that manifests in projects characterized by refined material palettes, precise spatial proportions, and contextual sensitivity. no.10's portfolio demonstrates consistent excellence in creating environments that balance functional performance with experiential richness, establishing the firm as a significant contributor to Japan's contemporary architectural discourse. The practice's design thinking revolves around exploring the essence of things, seeking balance points and centers of gravity from the beginning to the end of projects. Through comprehensive professional services including interior design, architectural design, product design, and design consulting, no.10 is committed to expanding NOMURA Co., Ltd.'s global presence through innovative design practices, showcasing the essence and innovation of Japanese design on the international stage. 设计团队 旅游探访 567 m² 日本 2024 前一项 后一项